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martes, 27 de diciembre de 2011

THE ARTIST (o ¿por qué conformarse con el silencio?)



TÍTULO: The Artist. TÍTULO ORIGINAL: The Artist. AÑO: 2011. NACIONALIDAD: Francia y Bélgica. DIRECCIÓN Y GUIÓN: Michel Hazanavicius. MÚSICA ORIGINAL: Ludovic Bource. INTÉRPRETES PRINCIPALES: Jean Dujardin, Bérénice Bejo, John Goodman, James Cromwell, Penelope Ann Miller, Malcolm McDowell. PÁGINA WEB OFICIAL: http://www.warnerbros.fr/the-artist.html

Un amigo que quiere permanecer en el anonimato bajo el seudónimo de “Monster”, ha escrito junto al compositor Ismael Berdei y el ilustrador Pepe Valencia la obra Memorias del asesino, novela que se puede adquirir en iTunes (http://itunes.apple.com/es/app/memorias-del-asesino/id465622883?mt=8) y que reúne la particularidad de combinar texto y una música que marcha paralela a la evolución de la trama (http://www.memoriasdelasesino.com/). ¿Es Memorias del asesino un libro? Sí y no. Pienso que es algo diferente y original que escapa de las clasificaciones habituales. Pero pensemos por un instante: ¿qué sucedería si se impusiera el libro electrónico y no aceptásemos un formato en el que junto al texto no hubiera una música que se acompasara al desarrollo de la acción? Evidentemente, el quehacer de los escritores cambiaría radicalmente y quienes no se adaptasen a las nuevas circunstancias quedarían descolgados de las preferencias de los lectores.

Algo similar es lo que se narra en el film The Artist, que es la gran sorpresa del año. Sorpresa por varios motivos: porque es una película muda, porque, volviendo al pasando, es una reflexión sobre el efecto de los cambios tecnológicos y porque, a pesar de lo arriesgado de la apuesta, se trata de una película excelente.




La película comienza en los años 20, cuando en el emblemático cartel que preside las colinas de la meca del cine aún aparece “Hollywoodland” y no “Hollywood” a secas. Asistimos, en la primera secuencia, al estreno de una nueva cinta del actor George Valentin. En el fragmento que vemos de la misma, mientras un grupo de malvados lo torturan para que les pase información, el protagonista les responde (según indican los rótulos): “¡No voy a decir nada!¡No pienso hablar!”. Estas primeras palabras, aparte de lo que significan en su contexto, encierran un doble sentido que sólo advertiremos conforme se desarrolle la trama: una vez que aparece el cine sonoro, el actor se resistirá a aceptar la innovación y querrá seguir haciendo cine mudo, se va a negar a hablar en las películas.

Conviene advertir que esta historia tiene una base real auténtica. Hubo muchos de los profesionales del cine de los años 20 del pasado siglo que no comulgaron con el sonido y siguieron haciendo films según el viejo estilo (para otros, el problema es que su voz era completamente inadecuada para el nuevo sistema: recordemos Cantando bajo la lluvia -1952-y lo que se mostraba en la divertidísima escena que enlazamos).




El caso más célebre de profesionales reticentes es el de Charles Chaplin quien, en Tiempos Modernos (1936), hizo una auténtica declaración de intenciones en una famosa escena (de la que adjuntamos enlace): habiendo sido contratado en un café como cantante, Charlot escribe la letra de la canción que debe cantar en unos puños de camisa. Pero al salir al escenario, pierde los puños. Entonces, improvisa la letra utilizando un lenguaje completamente ficticio e inexistente, creyendo el público que se trata de un idioma extranjero. A pesar de ello, todos comprenden perfectamente la historia que les está contando. De manera contundente, la moraleja que quería expresar era que no hacían falta las palabras (los sonidos, en definitiva) para conectar con los espectadores y contentarlos.





Toda la problemática del cine de esa época es la que vemos en The Artist. Pero ello no sería suficiente para hacer de esta cinta una película redonda. Lo que hace que lo sea es su sorprendente dominio de los recursos del cine mudo (con un amplísimo repertorio de las posibilidades que el mismo ofrecía y de las diferencias con el cine actual –sobre todo, en lo referente a la gestualidad de los intérpretes), la bellísima historia de amor que cuenta (una de las más bonitas que hemos podido ver en los últimos tiempos y donde la actriz Bérénice Bejo brilla a gran nivel) y el sorprendente giro en su parte final, que nos abre a perspectivas insospechadas. Porque (utilizando sutilmente el famoso Love Theme del film Vértigo -1958- de Alfred Hitchcock, para trazar el paralelismo entre las temáticas profundas de ambos films), de lo que al final nos habla The Artist es de las autolimitaciones que nos imponemos y que nos impiden disfrutar de la existencia con plenitud y aprovechar todas sus posibilidades. En definitiva, The Artist se acaba convirtiendo en un canto (casi silencioso) a la vida que, respetando la esencia primigenia del cine, nos hará salir de la sala de proyección con una sonrisa de oreja a oreja.

En consonancia con lo dicho, y aunque no haría falta decirlo, les invito a que visiten la página web donde se presenta Memorias del asesino y comprueben hacia dónde nos pueden llevar las nuevas tecnologías. Sería una lástima desaprovechar las oportunidades que las mismas ofrecen.

Nota (de 1 a 10): 9.

Lo que más me gustó: Bérénice Bejo. Y el perro. (Y no sé en qué orden ponerlos).

Lo que menos me gustó: El hecho de ser una película muda ha provocado que se haya distribuido con pocas copias.

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RESUMEN AÑO 2011

Como esta será la última entrada de este año, les presento un pequeño ránking de las mejores películas extranjeras y españolas, según las calificaciones ofrecidas en el blog:

1.- PELÍCULAS EXTRANJERAS.

1ª.- EL ÁRBOL DE LA VIDA (Nota: 10)
http://elespectadorimpertinente.blogspot.com/2011/09/el-arbol-de-la-vida-o-alguien-sabe-lo.html

2ª.- CISNE NEGRO (Nota: 9,5)
 http://elespectadorimpertinente.blogspot.com/2011/03/cisne-negro-o-la-letra-con-sangre-entra.html

3ª.- MIDNIGHT IN PARIS (Nota: 9)
http://elespectadorimpertinente.blogspot.com/2011/05/midnight-in-paris-o-todo-lo-que-usted.html

4ª.- THE ARTIST (Nota: 9)

5ª.- X-MEN: PRIMERA GENERACIÓN (Nota: 8)
http://elespectadorimpertinente.blogspot.com/2011/07/x-men-primera-generacion-o-asi-empezo.html


2.- PELÍCULAS ESPAÑOLAS

1ª.- NO HABRÁ PAZ PARA LOS MALVADOS (Nota: 8)
http://elespectadorimpertinente.blogspot.com/2011/10/no-habra-paz-para-los-malvados-o-que.html

2ª.- EVA (Nota: 7,5)
http://elespectadorimpertinente.blogspot.com/2011/11/eva-o-suenan-los-androides-con-una.html

3ª.- LOS PASOS DOBLES (Nota: 7)
http://elespectadorimpertinente.blogspot.com/2011/10/los-pasos-dobles-o-aquello-que-el-cine.html

4ª.- MIENTRAS DUERMES (Nota: 7)

5ª.- INTRUDERS (Nota: 6,5)
http://elespectadorimpertinente.blogspot.com/2011/10/intruders-y-mientras-duermes.html

(En este enlace, se comentan las dos últimas películas)

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TRAILERS DE PRÓXIMOS ESTRENOS

LO IMPOSIBLE

Después de El orfanato, José Antonio Bayona se enfrenta en Lo imposible a una superproducción protagonizada por Naomi Watts y Ewan McGregor. El estreno, en octubre de 2012.



EL HOBBIT 

Y, ¡por fin!, las primeras imágenes de El hobbit de Peter Jackson.

martes, 6 de diciembre de 2011

UN MÉTODO PELIGROSO y UN DIOS SALVAJE



Antes de nada, me gustaría comentar para aquellos que pudiera interesarles, que, en mi blog EL DEDO EN EL DATO, he analizado la trama del film Margin call desde un punto de vista de análisis económico. Aquí tienen el enlace, por si quieren ver enfocada la película desde una óptica diferente  (http://eldedoeneldato.blogspot.com/2011/11/analisis-de-margin-call.html).


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Hoy, voy a comentar dos películas que guardan una íntima relación en el tema que tratan: una de modo explícito y otra de modo más sutil tratan sobre ese fondo escurridizo, indefinido y surcado de pulsiones básicas sobre el que se asienta la psique humana. Por ello, vamos a alterar el orden normal a la hora de comentar ambos títulos. En primer lugar, vamos a hablar del estreno más reciente (Un método peligroso) y después de Un dios salvaje (que fue estrenada con posterioridad). Cuando lean ambas reseñas, comprenderán por qué lo hacemos así.


UN MÉTODO PELIGROSO (o qué esconde el subconsciente)


TÍTULO: Un método peligroso. TÍTULO ORIGINAL: A Dangerous Method. AÑO: 2011. NACIONALIDAD: Gran Bretaña-Alemania-Canadá-Suiza. DIRECCIÓN: David Cronenberg. GUIÓN: Christopher Hampton, adaptando su libro The Talking Cure y el de John Kerr A Most Dangerous Method. MÚSICA ORIGINAL: Howard Shore. INTÉRPRETES PRINCIPALES: Keira Knightley, Michael Fassbender, Viggo Mortensen, Vincent Cassel, Sarah Gadon. PÁGINA WEB OFICIAL: http://www.unmetodopeligroso.es/.


En su ensayo Lo inconsciente, del año 1915, Sigmund Freud sintetizaba la base de su pensamiento: “El psicoanálisis nos ha revelado que la esencia del proceso de la represión no consiste en suprimir y destruir una idea que representa al instinto, sino en impedirle hacerse consciente. Decimos entonces que dicha idea está en un estado de ser “inconsciente” y tenemos pruebas de que, aun siéndolo, puede producir determinados efectos, que acaban por llegar a la conciencia. Todo lo reprimido tiene que permanecer inconsciente; pero queremos dejar sentado desde un principio que no forma por sí solo todo el contenido de lo inconsciente. Lo inconsciente tiene un alcance más amplio, lo reprimido es, por tanto, una parte de lo inconsciente.”

Uno de los principales discípulos de Freud, Carl Gustav Jung (quien entró en contacto con él por motivo de una paciente de Jung llamada Sabina Spielrein), disintió del maestro por la importancia que le daba este a la represión de los instintos sexuales, y, en ese vasto dominio del inconsciente que había trazado Freud, le dio mucho más importancia a los elementos místico-religiosos y a lo que él denominaba el “inconsciente colectivo”.





Desde que David Cronenberg dirigiera Promesas del Este (2007), descubrimos que toda su extraña cinematografía (con títulos tan enfermizos como Vinieron de dentro de … -1975-, Cromosoma tres -1979-, Scanners -1981-, Videodrome -1983-, La mosca -1986-, Crash -1996-, eXistenZ -1999-) giraba, en última instancia, en torno a los monstruos que los ángeles guardan en su interior y a los ángeles que los monstruos esconden. La habilidad en expresar esa dicotomía entre lo que las personas manifiestan y lo que, en realidad, son, convertía a Cronenberg en el director ideal para un film que narra las vicisitudes por las que pasaron las relaciones entre Sigmund Freud y Carl Gustav Jung y todas sus investigaciones sobre el subconsciente y sobre las manifestaciones patológicas surgidas de ese territorio que acababan de descubrir.


Aunque el film logra expresar con sencillez y claridad las diferencias de opiniones entre Freud (interpretado por Viggo Mortensen) y Jung (Michael Fassbender) y consigue, igualmente, trazar con nitidez el tortuoso perfil psicológico de Sabina Spielrein (Keira Knightley), en su segunda mitad va acelerando los acontecimientos de forma que no logra, finalmente, profundizar en casi ninguna de las cuestiones que plantea. Muchas secuencias que representan momentos importantes en el cambio experimentado por las relaciones entre Freud y Jung, quedan sin sentido debido a que no se contextualizan adecuadamente. Igualmente, la propia evolución de Jung resulta en el film confusa y precipitada, sin que la influencia de Otto Gross (interpretado por Vincent Cassel) y Sabina Spielrein en dicha evolución quede explicada satisfactoriamente. A pesar de ello, cabe decir que las interpretaciones de los cuatro actores indicados, así como la de Sarah Gadon (en el papel de esposa de Jung), resultan absolutamente convincentes. Del mismo modo, el magnífico diseño de producción logra una magistral recreación del ambiente de la época.


Por todo ello, cabe decir que aunque Un método peligroso es una película que se deja ver, encierra potencialidades que no han sido bien aprovechadas.


NOTA (de 1 a 10): 6.

LO QUE MÁS ME GUSTÓ: A pesar de lo que ciertos críticos han dicho, la primera mitad de la película.

LO QUE MENOS ME GUSTÓ: al final, no profundiza en ninguna de las cuestiones que plantea. 



UN DIOS SALVAJE (o cuando el subconsciente aflora con todas sus consecuencias)


TÍTULO: Un Dios Salvaje. TÍTULO ORIGINAL: Carnage. AÑO: 2011. NACIONALIDAD: Francia-Alemania-Polonia. DIRECCIÓN: Roman Polanski. GUIÓN: Yasmina Reza y Roman Polanski, adaptando la obra de teatro homónima de Yasmina Reza. MÚSICA ORIGINAL: Alexandre Desplat. INTÉRPRETES PRINCIPALES: Jodie Foster, Kate Winslet, Cristoph Waltz, John C. Reilly. PÁGINA WEB OFICIAL: http://www.sonyclassics.com/carnage/


Si Un método peligroso venía a ser la puesta en escena de unos planteamientos teóricos, Un dios salvaje viene a ser el desarrollo práctico de dichos planteamientos. No está de más volver a traer a colación a Freud, quien, en 1921, en su ensayo Psicología de las masas y análisis de yo, afirmaba que “la oposición entre psicología individual y psicología social o colectiva, que a primera vista puede parecernos muy profunda, pierde gran parte de su significación en cuanto la sometemos a más detenido examen. La psicología individual se concreta, ciertamente, al hombre aislado e investiga los caminos por los que el mismo intenta alcanzar la satisfacción de sus instintos, pero sólo muy pocas veces y bajo determinadas condiciones excepcionales le es dado prescindir de las relaciones del individuo con sus semejantes. En la vida anímica individual aparece integrado siempre, efectivamente, “el otro”, como modelo, objeto, auxiliar o adversario, y de este modo, la psicología individual es al mismo tiempo y desde un principio psicología social, en un sentido amplio, pero plenamente justificado.”


Es imposible entender Un dios salvaje, sin asumir esta mecánica por la cual nuestros impulsos más atávicos (y nuestra actitud respecto a los mismos) acaban condicionando nuestras relaciones con los demás.





Esta película, adaptación de la obra teatral homónima de la autora francesa Yasmina Reza (creadora de la aclamada obra teatral Arte), parte de la agresión de un niño a otro en un parque. Los padres de los dos chicos (Kate Winslet y Christoph Waltz, por un lado, y Jodie Foster y John C. Reilly, por otro), intentarán resolver amistosamente el entuerto. Pero la situación acabará por ir por cauces menos pacíficos y agradables de los inicialmente esperados. Al igual que en el caso de Cronenberg, Polanski también es un director adecuado para el film, en la medida en que es especialista en la realización de agudos retratos psicopatológicos (como Repulsión -1965-, Callejón sin salida -1966- o La muerte y la doncella -1994-, que guarda muchos puntos de conexión con esta cinta).


En el combate psicológico que se produce dentro del cuarteto protagonista, la elección entre los planteamientos de Freud y Jung que se desprende de la historia del film antes comentado, con vistas a analizar los comportamientos que contemplamos, desemboca en resultado nulo. Siendo cierta la importancia de aquello que bulle por debajo de nuestros pensamientos superficiales, ni hay que invocar a los planteamientos casi esotéricos de Jung ni hay que reducir el problema a la cuestión de la represión sexual de Freud. Hay que dirigirse a conceptos mucho más básicos y elementales, como sugiere la música que acompaña la escena de la agresión. La moraleja de la película viene a ser que, por debajo de toda nuestra sofisticación, no estamos muy distantes del hombre primitivo, cuyas preocupaciones principales eran la supervivencia y la salvaguarda de la prole (sobre qué vomita Kate Winslet es un dato a tener en cuenta; qué hace que el personaje de John C. Reilly cambie radicalmente de actitud respecto al personaje de Christoph Waltz, también).


Magníficamente interpretada y hábilmente rodada por Polanski, Un dios salvaje, aunque le falte un poco más de atrevimiento, es una película altamente recomendable que, a pesar de su poso de amargura, no deja de tener, como contraste, su buena dosis de humor (aunque sea especialmente negro).


NOTA (de 1 a 10): 7.
 
LO QUE MÁS ME GUSTÓ: Kate Winslet.

LO QUE MENOS ME GUSTÓ: Le falta “carnaza” (a pesar de su título original en inglés).

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Como suele ser habitual, acompaño tráilers de próximos estrenos:

XP 3D

Nueva película española de terror. Viendo el tráiler, no sabemos si será algo más que El proyecto de la bruja de Blair adaptada con parte del reparto de Sin tetas no hay paraíso, ¿Física o química? y Los protegidos. Habrá que verla para averiguarlo...





THE ARTIST

La gran sorpresa de este mes de diciembre podría ser esta película francesa que se desarrolla en la época del cine mudo.




LOS JUEGOS DEL HAMBRE

Nueva adaptación de saga literaria fantástica. ¿Otro éxito garantizado o se cumplirá aquello de "tanto va el cántaro a la fuente hasta que se rompe"?




HUGO

Y, finalmente, la película de la que contamos los días hasta la fecha de su estreno (24 de febrero de 2012): la primera película en 3D de Martin Scorsese.


miércoles, 23 de noviembre de 2011

EVA (o ¿sueñan los androides con una playa de Tenerife?)


TÍTULO: Eva. AÑO: 2011. NACIONALIDAD: España. DIRECCIÓN: Kike Maíllo. GUIÓN: Sergi Belbel, Cristina Clemente, Martí Roca, Aintza Serra. MÚSICA ORIGINAL: Evgueni Galperine y Sacha Galperine. INTÉRPRETES PRINCIPALES: Daniel Brühl, Alberto Ammann, Marta Etura, Lluís Homar, Claudia Vega, Anne Canovas. PÁGINA WEB OFICIAL: http://www.evalapelicula.com/.


El terror y la ciencia-ficción han sabido desarrollar una línea metafísica que se plantea las grandes cuestiones del ser humano: ¿por qué estamos en el Universo?¿por qué y para qué hemos sido creados?¿de dónde surge la inteligencia?¿qué es el alma?¿cuál es la frontera entre la humanidad y la no-humanidad?¿cuál es la finalidad de nuestra existencia?¿qué es la realidad? Casi me atrevería a decir que la mayoría de las películas que han tenido éxito artístico a la hora de afrontar estas preguntas pertenecen a los géneros citados, ya que el desarrollo de las tramas permite ocultar con habilidad la profundidad y complejidad de los temas abordados. Aunque para muchos espectadores puede ser difícil no perder el hilo de films como El séptimo sello (1957), Como en un espejo (1961) o Persona (1966) de Ingmar Bergman, o la más reciente El árbol de la vida (ya comentada con anterioridad en este blog: http://elespectadorimpertinente.blogspot.com/2011/09/el-arbol-de-la-vida-o-alguien-sabe-lo.html), no existe especial problema en seguir películas como El doctor Frankenstein (1931) de James Whale, Las diabólicas (1955) de H. G. Clouzot, Suspense (1961) de Jack Clayton, Blade Runner (1982) de Ridley Scott, Proyecto Brainstorm (1983) de Douglas Trumbull, Abre los ojos (1997) y Los otros (2001) de Alejandro Amenábar, El sexto sentido  (1999) de M. Night Shyamalan, Matrix (1999) de los hermanos Wachowski, eXistenZ (1999) de David Cronenberg o A. I. Inteligencia artificial (2001) de Steven Spielberg. En España, el debutante Kike Maíllo se ha atrevido a hacer algo similar con la realización de su film Eva.





Eva es una película de ciencia-ficción pero con una estética muy peculiar. Aquí, el futuro no está caracterizado como un mundo de entornos asépticos donde la mecanización y la electrónica lo copan todo. Si no fuera por los robots que diseñan los científicos que protagonizan la película (y por un pequeño y absolutamente revelador detalle en la fiesta de graduación), casi podríamos pensar que estamos viendo una película costumbrista que se desarrolla en un pequeño pueblo escandinavo. Sin embargo, lo que dicho pueblo alberga es un centro de investigación avanzado del que salen robots que no sólo actúan sino que también piensan y sienten.


Daniel Brühl interpreta el papel protagonista: el de un científico escéptico sobre su propio trabajo, que regresa al lugar donde se labró su prestigio y que se reencuentra con su hermano (Alberto Amman), su cuñada (Marta Etura), su sobrina (Claudia Vega), con muchas circunstancias que creía haber dejado atrás y con otras nuevas que le hacen confiar en nuevos horizontes en su vida. Pero si la vida personal del protagonista constituye uno de los niveles de la historia, el otro, que marcha de modo sutilmente paralelo, es el de sus relaciones con los robots que ha de crear y con los robots que le rodean. En el fondo, lo que la película pretende mostrar es la debilidad de las condiciones que garantizan nuestro libre albedrío. Su historia viene a decirnos que nuestras decisiones están determinadas, en muchas ocasiones, por elementos externos que no podemos controlar: la formación, las circunstancias, la mentalidad dominante, ¿quizás la genética? La moraleja final de la cinta será más bien pesimista, aunque se vislumbra algún atisbo de esperanza.


Creo que hay que resaltar el trabajo de Daniel Brühl, Marta Etura y la niña Claudia Vega, que resultan absolutamente convincentes en sus personajes. La excelente factura técnica del film, sobre todo en los aspectos de fotografía, música y efectos especiales, ayuda a dar una sólida coherencia a todo el conjunto, de forma que la cinta logra transmitir a la perfección un clima en parte hipnótico, en parte onírico, que es el propósito deliberado de toda su construcción. Sólo cabe apuntar que el guión no aprovecha todo el potencial que la historia ofrece, posiblemente porque una película de mayor duración hubiera disparado el presupuesto más allá del presupuesto disponible.


En resumen, Eva es una agradable sorpresa que muestra el camino que debería adoptar el cine español para aunar la calidad artística con el éxito comercial.


Nota (de 1 a 10): 7,5.
 
Lo que más me gustó: sus sutilezas.

Lo que menos me gustó: la película podría dar más de sí.

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TRÁILERS DE PRÓXIMOS ESTRENOS

FUGA DE CEREBROS 2

Se estrena la segunda entrega de Fuga de cerebros. El título, al menos, parece apropiado...





WAR HORSE - CABALLO DE GUERRA


También está cercana la nueva película de Spielberg. Después de su personal visión de Tintín, el genio de Cincinnati se va a hacer poco de esperar...






NOCHE DE FIN DE AÑO


Garry Marshall, director de Pretty Woman y Novia a la fuga, estrena este año película navideña. Un espectacular reparto garantiza un gran éxito de taquilla...


domingo, 13 de noviembre de 2011

MARGIN CALL y LAS AVENTURAS DE TINTÍN: EL SECRETO DEL UNICORNIO




MARGIN CALL  (o anatomía de la avaricia infecciosa)

TÍTULO: Margin Call. TÍTULO ORIGINAL: Margin Call. AÑO: 2011. NACIONALIDAD: Estados Unidos. DIRECCIÓN Y GUIÓN: J. C. Chandor. MÚSICA ORIGINAL: Nathan Larson. INTÉRPRETES PRINCIPALES: Kevin Spacey, Paul Bettany, Jeremy Irons, Zachary Quinto, Penn Badgley, Simon Baker, Demi Moore, Stanley Tucci, Mary McDonell. PÁGINA WEB OFICIAL: http://www.margincallmovie.com/.


Las comparecencias de Alan Greenspan, presidente de la Reserva Federal de los Estados Unidos entre 1987 y 2006, se hicieron famosas por dos motivos: el primero, porque tras ellas los analistas pasaban varios días interpretando lo que había querido decir; el segundo, por la utilización de expresiones novedosas que, rápidamente, entraban a formar parte del vocabulario económico. Dos de las expresiones que tuvieron más fortuna fueron “exuberancia irracional”  y “avaricia infecciosa”. La “exuberancia irracional” hacía referencia a la espectacular alza de la cotización de los valores bursátiles (más fundamentada en expectativas que en factores reales) durante los años de la burbuja tecnológica en los 90. La “avaricia infecciosa” estaba relacionada con las elevadísimas remuneraciones, que se iban haciendo públicas, de los directivos de Wall Street. Aunque hay muchas formas de acceder a obras de expertos que estudian, desmenuzan y diseccionan esos fenómenos, quizás para el público no especializado sea más fácil acudir a ver Margin Call, porque en esta película quedan explicados con bastante claridad.




No sólo eso, el mecanismo de cómo las hipotecas subprime afectaron a los bancos de inversión también se muestra de manera casi didáctica, iluminando unos sucesos de los que aún hoy estamos viviendo sus consecuencias. Y para desarrollar la trama, el director (que debuta con este largometraje) recurre a un reparto en absoluto estado de gracia (repito: en absoluto estado de gracia), donde es difícil destacar a alguien. Pocas veces se puede encontrar tanta verosimilitud en tantos personajes en una película, en la que todos pueden ser secundarios pero donde, al final, todos acaban siendo protagonistas de una oscura historia. Desde Zachary Quinto, en su papel de empleado novato pero lo suficientemente perspicaz como para descubrir lo que se avecina, pasando por Stanley Tucci como empleado despedido que se mueve entre su profesionalidad y su afán de revancha, o Paul Bettany, Kevin Spacey y Demi Moore, como unos mandos intermedios que se mueven entre, por un lado,  las preocupaciones de sus empleados y, por otro, las presiones de sus superiores, y terminando con Simon Baker y, sobre todo, Jeremy Irons, como máximos responsables de una organización que se ve, en plena noche, al borde del precipicio, todos ellos son capaces de mantener el pulso de un film que hace recaer sobre ellos la responsabilidad de construir una narración convincente. Hay un momento en la película (de especial tensión), que resume el altísimo nivel interpretativo del film, en la que hay una mirada tan fría, intensa e implacable de Demi Moore a Jeremy Irons, que atraviesa la pantalla y nos puede dejar clavados en la butaca.


Aparte del reparto, es muy curiosa la estructura de la historia. Una vez que se revela el peligro que se cierne sobre la entidad bancaria, se van añadiendo directivos cada vez más importantes a un cortejo cada vez más nutrido (y sombrío) que nos puede hacer recordar El mago de Oz, sólo que aquí ni hay un camino de baldosas amarillas ni al final se encuentra el mago redentor sino la desoladora revelación de que lo que parecía una realidad sólida no era más que una mera apariencia cuyos pies de barro siempre han estado presentes y dejan poco lugar a la esperanza.


Quizás necesitada de un ritmo más ágil, la película también fuerza la trama, sobre todo al final, con ciertos hechos que no resultan verosímiles con la realidad de los mercados (lo que ocurre en el desenlace resulta imposible que ocurra en una solo día), pero, de todos modos, Margin Call es un retrato perfecto de esa avaricia de la que hablábamos al principio y que nos deja con la duda de saber qué mecanismos pueden existir para poner límite a ciertas prácticas. Lo que sí hay que decir es que el director, en la última secuencia, opta por dejarnos con un mal sabor de boca antes que infundir algún halo de optimismo.


Nota (de 1 a 10): 7.

Lo que más me gustó: el alto nivel interpretativo.

Lo que menos me gustó: con un poco más de ritmo, la película ganaría bastante.



LAS AVENTURAS DE TINTÍN: EL SECRETO DE UNICORNIO (o la película sobre Tintín que no le gustará a los seguidores de Tintín)


TÍTULO: Las aventuras de Tintín: El secreto del unicornio. TÍTULO ORIGINAL: The Adventures of Tintin. AÑO: 2011. NACIONALIDAD: Estados Unidos. DIRECCIÓN: Steven Spielberg. GUIÓN: Steven Moffat, Edgar Wright y Joe Cornish, adaptando los cómics de Hergé. MÚSICA ORIGINAL: John Williams. INTÉRPRETES PRINCIPALES: Jamie Bell, Daniel Craig, Andy Serkis, Simon Pegg, Toby Jones, Nick Frost, Kim Stengel, Gad Elmaleh. PÁGINA WEB OFICIAL: http://www.sites.sonypicturesreleasing.es/sites/tintin_teaser/.


Dentro de poco, tendremos ocasión de hablar largo y tendido de Steven Spielberg, ya que en breve estrenará Caballo de batalla. Mientras tanto, vamos a comentar este film, un proyecto conjunto con Peter Jackson, director de la trilogía de El señor de los anillos, en el que ambos son co-productores (parece ser que echaron a suertes quién iba a encargarse de la dirección) y que, entre líneas, cabe interpretar (con matices que luego comentaremos) como la reivindicación de una determinada forma de interpretar el mundo del cómic.


Efectivamente, como ya hemos comentado en otra entrada (http://elespectadorimpertinente.blogspot.com/2011/05/thor-o-mejor-no-nos-metamos-en-las.html), los superhéroes tradicionales han sufrido una considerable mutación, de forma que  si, en su origen, en las historias predominaba la acción y la visión optimista, ahora suelen estar inmersos en tramas oscuras y dilemas existenciales. Ello provoca que su contraste con los denominados “cómics de línea clara” de raigambre europea sea más acusado que nunca. Siendo Tintín, en dicha vertiente, el personaje más popular, el que dos de los cineastas actuales más importantes  hayan decidido colaborar en su adaptación al cine, va más allá de la mera casualidad. Es algo así como manifestar la predilección por la aventura pura, por la acción por la mera acción, sin más complicaciones ni elucubraciones mentales. 





Las aventuras de Tintín está rodada mediante el sistema llamado performance capture, y que se halla a medio camino entre la animación y la imagen real (se ruedan a los actores y, posteriormente, se procesan las imágenes para convertirlas en figuras animadas). A pesar de que este sistema cosechó dos grandes fracasos con Polar Express (2004) y Beowulf (2007) de Robert Zemeckis (aunque esta última a mí, personalmente, no me desagradó del todo), en esta ocasión se ha buscado la incorporación de la empresa de efectos visuales de Peter Jackson (Weta) para lograr elevar el resultado artístico del film. En gran medida, lo han conseguido.


Porque, aunque, en mi opinión, la primera mitad de la película no se acaba de imprimir el ritmo que suele ser habitual en las películas de aventuras de Spielberg (¿recuerdan que las cintas de Indiana Jones siempre empiezan con una secuencia trepidante?), en la segunda mitad el film gana enteros y los momentos espléndidos se suceden (el abordaje del barco pirata, la secuencia con la Castafiore, el soberbio plano-secuencia de la persecución de las notas manuscritas –quizás ya podamos decir que es uno de los tres mejores planos-secuencia de la historia junto al comienzo de Sed de mal -1958- de Orson Welles y la llegada al restaurante de Ray Liotta y Lorraine Bracco en Uno de los nuestros -1990- de Martin Scorsese al son de Then he kissed me de The Crystals-, la secuencia en el puerto, la sutileza del desenlace) y, sobre todo, hace su aparición el capitán Haddock, un personaje magníficamente caracterizado, que se acaba llevando todo el protagonismo del film.

Probablemente, los seguidores acérrimos de Tintín no se sentirán plenamente identificados con la visión de Spielberg y Jackson del héroe, porque es que, además, en dicha visión se mezclan las miradas de ambas cineastas, de modo que la perspectiva luminosa de Hergé (que creo que coincide con la de Spielberg) está matizada por la perspectiva un punto más oscura de la de Peter Jackson (recordemos el tono de sus primeros títulos: Mal gusto -1987- y Braindead: tu madre se ha comido a mi perro -1992- y ese tono está presente en algún chiste sorprendente), lo que hace que esta cinta no esté destinada, en última instancia, a todos los públicos, sino a aquellos espectadores que quieran disfrutar de los juegos narrativos que la película encierra. De todas formas, creo que la mayoría de quienes vayan a verla, disfrutarán con ella.


Nota (de 1 a 10): 7.
 
Lo que más me gustó: el plano-secuencia de la persecución de las notas manuscritas. La caracterización del capitán Haddock.

Lo que menos me gustó: en la primera mitad de la película, Tintín me parece insoportable.

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Acompañamos tráilers de próximos estrenos:

LA CHISPA DE LA VIDA

La próxima película de Álex de la Iglesia tiene un dúo protagonista insólito: José Mota y Salma Hayek. Sólo Álex podía imaginar algo parecido...






ACERO PURO

Desde que Hugh Jackman interpretó el papel de Lobezno, parece que le ha cogido el gusto a las películas de acción que juegan en los extremos. Intriga saber cuál será el resultado de este film...






UN DIOS SALVAJE

Roman Polanski ha escogido una obra teatral de Yasmina Reza (autora de Arte) para realizar su última película. Un cuarteto protagonista impresionante (Jodie Foster, Kate Winslet, Cristoph Waltz y John C. Reilly) promete uno de los análisis psicológicos más fascinantes de los últimos tiempos...





ASESINOS DE ÉLITE

Basada en las confesiones de un ex oficial y aventurero británico (Ranulph Fiennes), la principal duda sobre esta cinta es averiguar si es una mera película de acción o cabe esperar algo más de ella.





viernes, 28 de octubre de 2011

CONTAGIO (o hasta un virus tiene derecho a sus diez minutos de gloria)


TÍTULO: Contagio. TÍTULO ORIGINAL: Contagion. AÑO: 2011. NACIONALIDAD: Estados Unidos. DIRECCIÓN: Steven Soderbergh. GUIÓN: Scott Z. Burns. MÚSICA ORIGINAL: Cliff Martinez. INTÉRPRETES PRINCIPALES: Gwyneth Paltrow, Matt Damon, Laurence Fishburne, Jude Law, Marion Cotillard, Kate Winslet, Elliot Gould. PÁGINA WEB OFICIAL: http://wwws.warnerbros.es/contagion/splash.html.


Steven Soderbergh es el director de la mirada gélida. Al igual que el protagonista de su debut cinematográfico, Sexo, mentiras y cintas de vídeo (1989), quien grababa las confesiones sexuales de las personas de su entorno sin intervenir ni preguntar ni opinar, siendo sólo la presencia de la cámara la que generase pensamientos y sensaciones, en sus películas hay una frialdad y una asepsia que se han convertido en sellos de identidad de su estilo. Da igual que ruede una historia sobre ladrones y policías (Un romance muy peligroso -1998-, Ocean´s Eleven -2001-, Ocean´s Twelve -2004- u Ocean’s Thirteen -2007-), sobre una mujer divorciada que encuentra un trabajo en el que debe investigar los vertidos tóxicos de una potente empresa (Erin Brockovich -2000-), sobre el tráfico de drogas (Traffic -2000), sobre el origen de la Guerra Fría (El buen alemán -2006-), sobre las andanzas de un revolucionario argentino (Che, el argentino -2008-, Che: Guerrilla -2008-) o sean pequeñas películas de cine independiente (Full Frontal -2002-, Bubble -2005-, The Girlfriend Experience -2009-), en todas ellas la postura o las tesis del director frente a lo que rueda parecen inexistentes, sólo está el desarrollo de la trama, la fuerza de la imagen y la reacción del propio espectador. Contagio viene a iluminar nuevas zonas del cine de Soderbergh.




En Contagio, vamos a ver al que, probablemente, sea el mayor asesino en serie de la historia del cine. Porque, como se ha repetido con insistencia, el verdadero protagonista de esta película es un virus letal que se va a propagar con velocidad inusitada. Todos los intérpretes de primera fila que forman el reparto (Gwyneth Paltrow, Matt Damon, Jude Law, Laurence Fishburne, Marion Cotillard, Kate Winslet…) no son más que secundarios que ceden el papel estelar a un enemigo invisible al que vamos a ir siguiendo la pista desde su origen (que habrá que esperar bastante para conocer) hasta la ceremonia de su entierro (metafórico): sencillamente, una especie de biografía de un criminal. Lo que quizás no se ha llegado a decir tanto es que, junto al virus principal, aparecerán otros virus secundarios que también se van a propagar con la misma rapidez y con mecanismos similares (si ven la película, comprenderán a qué me refiero).


Como suele ser habitual en el cine de Soderbergh, la película está marcada por una perfección casi matemática que va diseccionando con la precisión de un bisturí cada avance de la enfermedad, con una música que subraya sin estridencias pero con contundencia cada situación y una fotografía (responsabilidad del propio director, como en toda su filmografía) en la que predominan los tonos fríos y azulados y que logra ir transmitiendo la creciente ansiedad e inquietud en las que la historia se va sumiendo (para darse cuenta del papel que juega la fotografía, hay que observar que en las pocas secuencias que se desarrollan antes de las primeras transmisiones del virus predominan los tonos cálidos).


Al ser Contagio una película coral, las intervenciones de los actores tienden a ser breves, lo cual podría perjudicar, en principio, el nivel interpretativo general. Sin embargo, se logra ir trazando unas precisas y potentes caracterizaciones a través de múltiples sutilezas (gestos, miradas, silencios…), lo cual hace que cada personaje, a pesar de que no se prolongue demasiado su presencia en el film, llegue a tener una fuerte personalidad propia, lo cual es muy elogiable en una cinta de estas características.


En definitiva, Contagio es una película muy atractiva que nos hará estremecer, inteligentemente, durante sus dos horas de metraje. Aunque creo que sobra indicarlo, no puedo dejar de decir que no es apta para hipocondríacos.

Nota (de 1 a 10): 8.


Lo que más me gustó: Su ritmo.


Lo que menos me gustó: El virus no podrá ganar el Oscar.

viernes, 21 de octubre de 2011

INTRUDERS y MIENTRAS DUERMES


Antes que nada, y debido a un comentario que he leído en una página de internet, debo empezar diciendo en relación al anterior post sobre Los pasos dobles que no soy amigo del director del film, ya que no tengo el gusto de conocerle. Todo lo que dije fue en virtud de mi criterio cinematográfico, sin que influyera ningún motivo de tipo personal. Dicho esto, pasemos al nuevo post.


* * *


No vamos a insistir en la tradición de cine de terror que existe en España (ya lo hicimos anteriormente: http://elespectadorimpertinente.blogspot.com/2011/02/los-ojos-de-julia-o-de-terror-tambien.html), pero no podemos evitar el presentar los dos films que vamos a comentar a continuación como dos buenos botones de muestra de dicha realidad.


INTRUDERS (o cómo el terror no se puede quedar a medias)


TÍTULO: Intruders. AÑO: 2011. NACIONALIDAD: España-Estados Unidos-Reino Unido. DIRECCIÓN: Juan Carlos Fresnadillo. GUIÓN: Nicolás Casariego y Jaime Marqués. MÚSICA ORIGINAL: Roque Baños. INTÉRPRETES PRINCIPALES: Clive Owen, Pilar López de Ayala, Carice van Houten, Ella Purnell, Izán Corchero, Daniel Brühl, Héctor Alterio. PÁGINA WEB OFICIAL: http://www.intruders-lapelicula.es/.


Juan Carlos Fresnadillo se dio a conocer con el cortometraje Esposados (1996) y se ha labrado un gran prestigio en el género con Intacto (2001) y 28 semanas después (2007) –secuela de 28 días después, dirigida en 2002 por Danny Boyle. En Intruders, Fresnadillo ha contado con un reparto en parte español (Pilar López de Ayala, Daniel Brühl), en parte internacional (Clive Owen, Carice van Houten), en una esmerada coproducción hispano-norteamericano-británica que constituye una de las películas más esperadas de este otoño.




Norman Bates (Psicosis), Jason Voorhees (Viernes 13), Freddy Krueger (Pesadilla en Elm Street) o Ghostface (Scream) son personajes que han poblado nuestras pesadillas en las salas de cine. Con Intruders, Carahueca viene a unirse al elenco, no sabemos si para permanecer en la cartelera con sucesivas secuelas o para que sea recordado con este único título (esto último parece lo más probable). Su aparición en la pantalla es espectacular: casi no nos hemos acomodado en el asiento y hace acto de presencia de manera contundente e inapelable. Con ello, el film consigue, en sus primeros diez minutos, pegarnos a la butaca e introducirnos en su hábil engranaje: dos familias, en dos países distintos, acosados por la misma figura siniestra que sólo se muestra por la noche.


En el desarrollo de la cinta, hay cuatro interpretaciones que destacan especialmente sobre el resto: las de Pilar López de Ayala e Izán Corchero, como madre e hijo de una de las familias, y las de Clive Owen y Ella Purnell como padre e hija de la otra. El resto del reparto aparece más desdibujado. Carice van Houten, que nos deslumbró en El libro negro (2006, Paul Verhoeven), hace una actuación correcta, pero su personaje ofrece pocos perfiles para el lucimiento. Considero que Daniel Brühl y Héctor Alterio apenas encajan en sus respectivos papeles como sacerdotes.


Pero si el reparto, en general, funciona satisfactoriamente, la dinámica narrativa del film es más problemática. Como hemos dicho con anterioridad, su ritmo empieza fuerte, nos engancha y llega un punto en que todas las subtramas quedan enlazadas de modo magistral. Sin embargo, pienso que el desenlace de la historia queda por debajo del resto de la película y eso, en una película de terror, no deja buen sabor de boca. De hecho, en las películas del género suelen tener más importancia los finales que los principios. Si les pregunto cómo termina Psicosis, La noche de los muertos vivientes o Poltergeist, más de uno se acordará. Si les pregunto cómo empiezan, probablemente no se acordaría casi nadie. 


Aunque es una lástima que haya que hacer esta salvedad a la cinta, cabe concluir que, en general, funciona de forma satisfactoria y no se arrepentirán si deciden ir a verla: la tensión y la emoción están garantizadas.


Nota (de 1 a 10): 6,5.


Lo que más me gustó: El inicio del film engancha.


Lo que menos me gustó: En términos metafóricos: si recibes a alguien con un puñetazo en la boca del estómago, después no puedes dedicarte a amagar.



MIENTRAS DUERMES (o nunca veremos ya igual a los conserjes)


TÍTULO: Mientras duermes. AÑO: 2011. NACIONALIDAD: España. DIRECCIÓN: Jaume Balagueró. GUIÓN: Alberto Marini. MÚSICA ORIGINAL: Lucas Vidal. INTÉRPRETES PRINCIPALES: Luis Tosar, Marta Etura, Alberto San Juan, Iris Almeida, Carlos Lasarte, Petra Martínez. PÁGINA WEB OFICIAL: http://www.mientrasduermeslapelicula.com/.


La trayectoria de Jaume Balagueró no sólo es una de las más consolidadas dentro del género sino, en última instancia, de todo el cine español. Los sin nombre (1999), Darkness (2002), Frágiles (2005), [REC] (2007) y [REC]2 (2009) –estas dos últimas codirigidas con Paco Plaza-, jalonan una carrera brillante y hacen que cada nuevo título del realizador sea aguardado con gran expectación. 




Si en Intruders, el terror emanaba de una figura siniestra, aquí todo es más sutil: quien nos va a inquietar va a ser el amable, educado y servicial conserje de un edificio de viviendas, interpretado con gran brillantez por Luis Tosar. Y no crean que vamos a pasar menos miedo, no. Va a ser justo al revés: lo que vamos a contemplar en Mientras duermes nos va a producir mucho más desasosiego. De hecho, si hay conserje donde viven, casi les recomendaría que no vayan a ver esta película.


Pero no todo es tan sencillo. Aunque, poco a poco, iremos conociendo la retorcida psicología del protagonista, tampoco es que muchos miembros del vecindario sean un dechado de virtudes (en especial, fíjense en la gran revelación del film: la niña Iris Almeida, que seguro que les va a impactar). Por ello, alguna de las trastadas que el conserje hace a uno de los vecinos hasta llegamos a comprenderla.


Quien sí nos va a caer bien es Marta Etura (que también brilla a gran altura). Porque, en realidad, ella viene a ser una especie de Blancanieves posmoderna, acosada no por una madrastra, sino por un empleado perverso y rodeada no de enanitos, sino de vecinos cascarrabias y un poco excéntricos. También habrá, por supuesto, un príncipe azul en toda la historia. Pero los paralelismos, debido al cínico pesimismo de la película, enseguida se torcerán hacia otros derroteros más amargos.


Aunque la maestría en el género de Jaume Balagueró hace acto de presencia en todo el metraje del film, el hecho de que, en determinados momentos, su esencia de thriller psicológico puro (que es, en realidad la vocación de Mientras duermes) quede alterada por un aire de thriller policíaco provoca que, en mi opinión, el desenlace pierda potencia en relación al resto de la película (pese a que Fotogramas lo considera magistral:  http://www.fotogramas.es/Peliculas/Mientras-duermes/Critica). Pero, en su conjunto, la película logra estremecernos convincentemente. Seguro que, desde que la vean, mirarán más de una vez debajo de sus camas antes de irse a dormir.


Nota (de 1 a 10): 7.
 
Lo que más me gustó: Las interpretaciones de Luis Tosar y Marta Etura.
 
Lo que menos me gustó: En última instancia, no opta por un thriller psicológico puro, sino que lo combina con rasgos de thriller policíaco y ello hace perder fuerza a la película.

* * *
Acompaño tráilers de futuros estrenos.


[REC] 3 GÉNESIS

 Aquí está el tráiler de la tercera entrega de la saga [REC]. Creo que promete... Lástima que haya que esperar a marzo de 2012.



CRIADAS Y SEÑORAS

Me parece que este drama norteamericano sobre los problemas raciales en los años 60 va a ser un éxito de público cuando se estrene. A ver si no me equivoco...



DETRÁS DE LAS PAREDES

Daniel Craig, Naomi Watts y Rachel Weisz protagonizan esta cinta de misterio. Con este trío estelar, la taquilla parece asegurada...

viernes, 14 de octubre de 2011

LOS PASOS DOBLES (o aquello que el cine esconde)


TÍTULO: Los pasos dobles. AÑO: 2011. NACIONALIDAD: España-Suiza. DIRECCIÓN: Isaki Lacuesta. GUIÓN: Isa Campo e Isaki Lacuesta. MÚSICA ORIGINAL: Gerard Gil. INTÉRPRETES PRINCIPALES: Bokar Dembele, Miquel Barceló, Alou Cissé, Hamadoun Kassogue, Amon Pegnere Dolo, Amassagou Dolo, Abinum Dolo, Soumaïla Sabata, Djenebou Keita, Mahamadou Camara. PÁGINA WEB OFICIAL: http://www.avalonproductions.es/lospasosdobles/.


Si cuando hablamos de El árbol de la vida, comentamos la polémica generada por las distintas opiniones de la crítica en torno a la película, hoy nos encontramos con un caso parecido con Los pasos dobles de Isaki Lacuesta. Tras su pase en último Festival de San Sebastián, la rueda de prensa fue, especialmente, áspera, llegando a producirse, según palabras de uno de los asistentes, dos ataques –uno más educado que otro, si atendemos a las crónicas- al director por parte de periodistas presentes (http://www.precriticas.com/blog/zinemaldia-dia-4-e-isaki-armo-el-belen/), a los cuales Isaki Lacuesta respondió con bastante enfado. El pintor Miquel Barceló, quien interviene en el film, viendo el cariz que iban adoptando los acontecimientos, llegó a afirmar que “veo que los críticos de cine son aún peores que los críticos de arte” (http://www.elmundo.es/elmundo/2011/09/19/cultura/1316440493.html). Cuando esta cinta ganó la Concha de Oro a la mejor película, podrán imaginar que los ataques se centraron, entonces, en el Jurado, de modo que el palmarés fue globalmente descalificado por la crítica.


Todo esto resulta anormal. Primero, creo que la polémica se ha desmadrado, claramente. Quizás, algunos críticos profesionales deberían asimilar que las estrellas no son ellos sino los directores, actores, guionistas y, en general, todo el equipo que hace una película. Una dosis mínima de humildad hubiera evitado una situación tan patética como la vivida en la rueda de prensa antes comentada. Segundo, me parece chocante que críticos profesionales digan que no entiendan nada de esta película,  como tampoco comprendo que haya muchos críticos profesionales que no entiendan El árbol de la vida. Considero que un crítico profesional debería ser capaz de entender, mínimamente, ambos títulos (porque las claves para la comprensión no están, precisamente, muy escondidas). Que la reacción ante la falta de comprensión de un film sea el ataque histérico, me suscita, simplemente, estupor. Como también me produce estupor que Torrente 4 apenas haya generado críticas negativas y que, en cambio, Los pasos dobles haya sido vilipendiada de manera tan injusta. Sólo me cabe deducir que Isaki Lacuesta dedica menos tiempo que Santiago Segura a hacer “coleguis” entre el colectivo de críticos profesionales.


Respecto al palmarés de San Sebastián, tengo la impresión de que, en la concesión del principal premio a Los pasos dobles, influyeron los furibundos ataques de la crítica. Ante la desmesura de los mismos, el Jurado creo que decidió realizar un acto de provocación otorgando a la cinta la Concha de Oro. La decisión, no me parece un despropósito, ya que, como luego comentaré, la audacia y originalidad de Los pasos dobles merecían un galardón. Quizás el Premio Especial del Jurado, que se adaptaba mejor al carácter del film que el título que se llevó tal distinción (la comedia francesa Le Skylab). Posiblemente, la Concha de Oro fue un premio excesivo, ya que opino que, p. ej.,  No habrá paz para los malvados es mejor película. Sin embargo, la anómala situación producida distorsionó, evidentemente, todo el proceso de concesión de premios.
 
Pero creo que ya es hora de dejar estos temas que, en el fondo, son menores y entrar propiamente en la cinta.




Isaki Lacuesta es un director cuyas películas se alejan del canon clásico. Sus películas se inscriben bien dentro del género documental (como es el caso de Cravan vs. Cravan -2002- o La noche que no acaba -2010-), bien en un terreno ambiguo entre el documental y la ficción (La leyenda del tiempo -2006-, Los condenados -2009-). Los pasos dobles se sitúa en el segundo grupo.


El film parte de la vida del escritor y artista francés François Augiéras (1925-1971). La anécdota que centra el eje de la trama es los frescos que este realizó en un búnker militar en medio del desierto de Mali. Cuando años después volvió a visitar el recinto, comprobó que su obra había quedado destrozada por los graffitis que habían realizado quienes habían pasado por allí. Entonces, volvió a pintar los frescos y selló el búnker para que nadie pudiera dañar esa especie de Capilla Sixtina en medio del Sahara. Desde entonces, cubierto por las arenas del desierto, nadie sabe dónde se ubica este lugar. La película desarrolla tres líneas argumentales en torno a este misterio: por un lado, la de una expedición que se dedica a buscar la localización exacta del búnker; por otro, en la obra que el pintor español Miquel Barceló realiza en Mali (línea que tiene menos peso, entre otras cosas porque, en paralelo a Los pasos dobles, Lacuesta ha realizado el documental El cuaderno de barro, donde profundiza en este tema); finalmente, la propia vida del pintor, narrada de forma muy peculiar: a través de los avatares de un habitante de la región conocida como País Dogón (en el que, supuestamente, se habría reencarnado Augiéras), que son paralelos a los de la propia existencia del artista. El motivo para narrar así la vida del pintor es una frase de éste: “Voy de metamorfosis en metamorfosis con el propósito de abrazar todos mis dobles hasta encontrarme un día solo. De vida en vida, de muerte en muerte, existiré para siempre”.


Con un reparto no profesional casi en su totalidad, hay que advertir que Los pasos dobles es un film absolutamente atípico y original, al que es difícil encontrarle parentescos similares. Narrado de una forma sorprendente, donde lo que es retrato de la realidad y lo que es pura ficción se mezclan y se entrelazan hasta llevarnos a un territorio pocas veces transitado por el mundo del cine, sólo cuando se produce el desenlace se puede apreciar con plena claridad cómo está construida toda la historia.


Como ya decíamos con El árbol de la vida, Los pasos dobles no es una película comercial ni para grandes públicos. A pesar de ello, no cabe afirmar, como hacen algunas críticas, que sea una película ininteligible o que está formado por secuencias interminables. De hecho, a mí se me hizo hasta corta, por lo cual no puedo compartir algunos de los ataques que ha recibido. Igualmente, merece destacarse la poca comentada banda sonora de Gerard Gil, que constituye un complemento perfecto a la narración.


Lo que sí puede estar sometido a debate es la interpretación final del film y yo, en este caso, voy a proponer una teoría muy arriesgada. Como en el siguiente párrafo (en cursiva) hago mención a ciertos detalles de la trama, si quieren, léanlo sólo si ya han visto la película.


Uno de los aspectos que me llamó la atención de la cinta es que hay guiños aparentes a otras películas. La expedición que se dedica a ir cavando agujeros en el desierto buscando el búnker, me recuerda a “La pequeña tierra de Dios” (1958) de Anthony Mann.  El hecho de que el François Augiéras que podríamos denominar real no se nos aparece como tal, es algo que ya aparecía en “La condesa descalza” (1954) de J. L. Mankiewicz. La presión a que es sometido el soldado Augiéras por el resto de sus compañeros, tiene ecos de “De aquí a la eternidad” (1953) de Fred Zinnemann, “El baile de los malditos” (1953) de Edward Dmytryk o “La colina” (1965) de Sidney Lumet. Los bandoleros que roban en nombre de Augiéras, aunque él ya no forme parte de la partida, me sugiere (salvando las distancias) lo que sucedía en “Kagemusha, la sombra del guerrero” (1980) de Akira Kurosawa. Cuando Augiéras se convierte en una especie de ermitaño que vive en un árbol, no he podido dejar de recordar “Simón del desierto” (1965) de Luis Buñuel… En el fondo, lo que “Los pasos dobles” esconde es la fe en que, aun en el rincón más olvidado del desierto, es posible apelar a la esencia más profunda del cine, reconstruir la emoción que genera y devolverla intacta al espectador. Y, profundizando en el razonamiento, si esta es una película que habla de metamorfosis y continuas resurrecciones, que forma parte de un díptico y que habla de la recuperación de la esencia del cine, la conclusión a la que llego es esta: “Los pasos dobles” es a Isaki Lacuesta lo que “Kill Bill” es a Quentin Tarantino. En un caso, quien resucita constantemente es el personaje interpretado por Uma Thurman, y en el del film de Isaki Lacuesta es el esquivo y escurridizo François Augiéras.


Nota (de 1 a 10): 7.


Lo que más me gustó: la forma de narrar la historia me resultó absolutamente fascinante.


Lo que menos me gustó: se me hizo corta.


Acompaño tráiler del film:



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TRÁILERS DE PRÓXIMOS ESTRENOS

LUCES ROJAS

Después de angustiarnos con Buried, Rodrigo Cortés estrenará en 2012 nuevo film (de producción norteamericana), con un gran reparto (Robert de Niro, Sigourney Weaver, Cillian Murphy, Joely Richardson y Toby Jones). Seguro que no nos decepcionará.



VERBO

Eduardo Chapero-Jackson, que adquirió prestigio en el mundo del cortometraje, estrena su primer largo, en el que intervienen Miguel Angel Silvestre, Verónica Echegui, Macarena Gómez, Najwa Nimri... El 4 de noviembre de 2011 está previsto su estreno en las salas.









DIME CON CUÁNTOS

Protagonizada por Anna Faris y Chris Evans, el 28 de octubre de 2011 se estrena este film dirigido por Mark Mylod, que parece seguir la senda de la comedia romántica "atrevida" que se inició con Con derecho a roce. Ya veremos...







MILLENNIUM 1

Todavía habrá que esperar hasta enero de 2012 para ver qué ha hecho David Fincher con la adaptación de la primera entrega de la saga sueca de género negro Millennium. Si todavía no han leído la novela, todavía tienen tiempo de hacerlo para, después, hacer las odiosas comparaciones de siempre ("pues el libro me gustó más...").