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martes, 27 de diciembre de 2011

THE ARTIST (o ¿por qué conformarse con el silencio?)



TÍTULO: The Artist. TÍTULO ORIGINAL: The Artist. AÑO: 2011. NACIONALIDAD: Francia y Bélgica. DIRECCIÓN Y GUIÓN: Michel Hazanavicius. MÚSICA ORIGINAL: Ludovic Bource. INTÉRPRETES PRINCIPALES: Jean Dujardin, Bérénice Bejo, John Goodman, James Cromwell, Penelope Ann Miller, Malcolm McDowell. PÁGINA WEB OFICIAL: http://www.warnerbros.fr/the-artist.html

Un amigo que quiere permanecer en el anonimato bajo el seudónimo de “Monster”, ha escrito junto al compositor Ismael Berdei y el ilustrador Pepe Valencia la obra Memorias del asesino, novela que se puede adquirir en iTunes (http://itunes.apple.com/es/app/memorias-del-asesino/id465622883?mt=8) y que reúne la particularidad de combinar texto y una música que marcha paralela a la evolución de la trama (http://www.memoriasdelasesino.com/). ¿Es Memorias del asesino un libro? Sí y no. Pienso que es algo diferente y original que escapa de las clasificaciones habituales. Pero pensemos por un instante: ¿qué sucedería si se impusiera el libro electrónico y no aceptásemos un formato en el que junto al texto no hubiera una música que se acompasara al desarrollo de la acción? Evidentemente, el quehacer de los escritores cambiaría radicalmente y quienes no se adaptasen a las nuevas circunstancias quedarían descolgados de las preferencias de los lectores.

Algo similar es lo que se narra en el film The Artist, que es la gran sorpresa del año. Sorpresa por varios motivos: porque es una película muda, porque, volviendo al pasando, es una reflexión sobre el efecto de los cambios tecnológicos y porque, a pesar de lo arriesgado de la apuesta, se trata de una película excelente.




martes, 6 de diciembre de 2011

UN MÉTODO PELIGROSO y UN DIOS SALVAJE



Antes de nada, me gustaría comentar para aquellos que pudiera interesarles, que, en mi blog EL DEDO EN EL DATO, he analizado la trama del film Margin call desde un punto de vista de análisis económico. Aquí tienen el enlace, por si quieren ver enfocada la película desde una óptica diferente  (http://eldedoeneldato.blogspot.com/2011/11/analisis-de-margin-call.html).


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Hoy, voy a comentar dos películas que guardan una íntima relación en el tema que tratan: una de modo explícito y otra de modo más sutil tratan sobre ese fondo escurridizo, indefinido y surcado de pulsiones básicas sobre el que se asienta la psique humana. Por ello, vamos a alterar el orden normal a la hora de comentar ambos títulos. En primer lugar, vamos a hablar del estreno más reciente (Un método peligroso) y después de Un dios salvaje (que fue estrenada con posterioridad). Cuando lean ambas reseñas, comprenderán por qué lo hacemos así.


UN MÉTODO PELIGROSO (o qué esconde el subconsciente)


TÍTULO: Un método peligroso. TÍTULO ORIGINAL: A Dangerous Method. AÑO: 2011. NACIONALIDAD: Gran Bretaña-Alemania-Canadá-Suiza. DIRECCIÓN: David Cronenberg. GUIÓN: Christopher Hampton, adaptando su libro The Talking Cure y el de John Kerr A Most Dangerous Method. MÚSICA ORIGINAL: Howard Shore. INTÉRPRETES PRINCIPALES: Keira Knightley, Michael Fassbender, Viggo Mortensen, Vincent Cassel, Sarah Gadon. PÁGINA WEB OFICIAL: http://www.unmetodopeligroso.es/.


En su ensayo Lo inconsciente, del año 1915, Sigmund Freud sintetizaba la base de su pensamiento: “El psicoanálisis nos ha revelado que la esencia del proceso de la represión no consiste en suprimir y destruir una idea que representa al instinto, sino en impedirle hacerse consciente. Decimos entonces que dicha idea está en un estado de ser “inconsciente” y tenemos pruebas de que, aun siéndolo, puede producir determinados efectos, que acaban por llegar a la conciencia. Todo lo reprimido tiene que permanecer inconsciente; pero queremos dejar sentado desde un principio que no forma por sí solo todo el contenido de lo inconsciente. Lo inconsciente tiene un alcance más amplio, lo reprimido es, por tanto, una parte de lo inconsciente.”

Uno de los principales discípulos de Freud, Carl Gustav Jung (quien entró en contacto con él por motivo de una paciente de Jung llamada Sabina Spielrein), disintió del maestro por la importancia que le daba este a la represión de los instintos sexuales, y, en ese vasto dominio del inconsciente que había trazado Freud, le dio mucho más importancia a los elementos místico-religiosos y a lo que él denominaba el “inconsciente colectivo”.




miércoles, 23 de noviembre de 2011

EVA (o ¿sueñan los androides con una playa de Tenerife?)


TÍTULO: Eva. AÑO: 2011. NACIONALIDAD: España. DIRECCIÓN: Kike Maíllo. GUIÓN: Sergi Belbel, Cristina Clemente, Martí Roca, Aintza Serra. MÚSICA ORIGINAL: Evgueni Galperine y Sacha Galperine. INTÉRPRETES PRINCIPALES: Daniel Brühl, Alberto Ammann, Marta Etura, Lluís Homar, Claudia Vega, Anne Canovas. PÁGINA WEB OFICIAL: http://www.evalapelicula.com/.


El terror y la ciencia-ficción han sabido desarrollar una línea metafísica que se plantea las grandes cuestiones del ser humano: ¿por qué estamos en el Universo?¿por qué y para qué hemos sido creados?¿de dónde surge la inteligencia?¿qué es el alma?¿cuál es la frontera entre la humanidad y la no-humanidad?¿cuál es la finalidad de nuestra existencia?¿qué es la realidad? Casi me atrevería a decir que la mayoría de las películas que han tenido éxito artístico a la hora de afrontar estas preguntas pertenecen a los géneros citados, ya que el desarrollo de las tramas permite ocultar con habilidad la profundidad y complejidad de los temas abordados. Aunque para muchos espectadores puede ser difícil no perder el hilo de films como El séptimo sello (1957), Como en un espejo (1961) o Persona (1966) de Ingmar Bergman, o la más reciente El árbol de la vida (ya comentada con anterioridad en este blog: http://elespectadorimpertinente.blogspot.com/2011/09/el-arbol-de-la-vida-o-alguien-sabe-lo.html), no existe especial problema en seguir películas como El doctor Frankenstein (1931) de James Whale, Las diabólicas (1955) de H. G. Clouzot, Suspense (1961) de Jack Clayton, Blade Runner (1982) de Ridley Scott, Proyecto Brainstorm (1983) de Douglas Trumbull, Abre los ojos (1997) y Los otros (2001) de Alejandro Amenábar, El sexto sentido  (1999) de M. Night Shyamalan, Matrix (1999) de los hermanos Wachowski, eXistenZ (1999) de David Cronenberg o A. I. Inteligencia artificial (2001) de Steven Spielberg. En España, el debutante Kike Maíllo se ha atrevido a hacer algo similar con la realización de su film Eva.





domingo, 13 de noviembre de 2011

MARGIN CALL y LAS AVENTURAS DE TINTÍN: EL SECRETO DEL UNICORNIO




MARGIN CALL  (o anatomía de la avaricia infecciosa)

TÍTULO: Margin Call. TÍTULO ORIGINAL: Margin Call. AÑO: 2011. NACIONALIDAD: Estados Unidos. DIRECCIÓN Y GUIÓN: J. C. Chandor. MÚSICA ORIGINAL: Nathan Larson. INTÉRPRETES PRINCIPALES: Kevin Spacey, Paul Bettany, Jeremy Irons, Zachary Quinto, Penn Badgley, Simon Baker, Demi Moore, Stanley Tucci, Mary McDonell. PÁGINA WEB OFICIAL: http://www.margincallmovie.com/.


Las comparecencias de Alan Greenspan, presidente de la Reserva Federal de los Estados Unidos entre 1987 y 2006, se hicieron famosas por dos motivos: el primero, porque tras ellas los analistas pasaban varios días interpretando lo que había querido decir; el segundo, por la utilización de expresiones novedosas que, rápidamente, entraban a formar parte del vocabulario económico. Dos de las expresiones que tuvieron más fortuna fueron “exuberancia irracional”  y “avaricia infecciosa”. La “exuberancia irracional” hacía referencia a la espectacular alza de la cotización de los valores bursátiles (más fundamentada en expectativas que en factores reales) durante los años de la burbuja tecnológica en los 90. La “avaricia infecciosa” estaba relacionada con las elevadísimas remuneraciones, que se iban haciendo públicas, de los directivos de Wall Street. Aunque hay muchas formas de acceder a obras de expertos que estudian, desmenuzan y diseccionan esos fenómenos, quizás para el público no especializado sea más fácil acudir a ver Margin Call, porque en esta película quedan explicados con bastante claridad.




viernes, 28 de octubre de 2011

CONTAGIO (o hasta un virus tiene derecho a sus diez minutos de gloria)


TÍTULO: Contagio. TÍTULO ORIGINAL: Contagion. AÑO: 2011. NACIONALIDAD: Estados Unidos. DIRECCIÓN: Steven Soderbergh. GUIÓN: Scott Z. Burns. MÚSICA ORIGINAL: Cliff Martinez. INTÉRPRETES PRINCIPALES: Gwyneth Paltrow, Matt Damon, Laurence Fishburne, Jude Law, Marion Cotillard, Kate Winslet, Elliot Gould. PÁGINA WEB OFICIAL: http://wwws.warnerbros.es/contagion/splash.html.


Steven Soderbergh es el director de la mirada gélida. Al igual que el protagonista de su debut cinematográfico, Sexo, mentiras y cintas de vídeo (1989), quien grababa las confesiones sexuales de las personas de su entorno sin intervenir ni preguntar ni opinar, siendo sólo la presencia de la cámara la que generase pensamientos y sensaciones, en sus películas hay una frialdad y una asepsia que se han convertido en sellos de identidad de su estilo. Da igual que ruede una historia sobre ladrones y policías (Un romance muy peligroso -1998-, Ocean´s Eleven -2001-, Ocean´s Twelve -2004- u Ocean’s Thirteen -2007-), sobre una mujer divorciada que encuentra un trabajo en el que debe investigar los vertidos tóxicos de una potente empresa (Erin Brockovich -2000-), sobre el tráfico de drogas (Traffic -2000), sobre el origen de la Guerra Fría (El buen alemán -2006-), sobre las andanzas de un revolucionario argentino (Che, el argentino -2008-, Che: Guerrilla -2008-) o sean pequeñas películas de cine independiente (Full Frontal -2002-, Bubble -2005-, The Girlfriend Experience -2009-), en todas ellas la postura o las tesis del director frente a lo que rueda parecen inexistentes, sólo está el desarrollo de la trama, la fuerza de la imagen y la reacción del propio espectador. Contagio viene a iluminar nuevas zonas del cine de Soderbergh.




viernes, 21 de octubre de 2011

INTRUDERS y MIENTRAS DUERMES


Antes que nada, y debido a un comentario que he leído en una página de internet, debo empezar diciendo en relación al anterior post sobre Los pasos dobles que no soy amigo del director del film, ya que no tengo el gusto de conocerle. Todo lo que dije fue en virtud de mi criterio cinematográfico, sin que influyera ningún motivo de tipo personal. Dicho esto, pasemos al nuevo post.


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No vamos a insistir en la tradición de cine de terror que existe en España (ya lo hicimos anteriormente: http://elespectadorimpertinente.blogspot.com/2011/02/los-ojos-de-julia-o-de-terror-tambien.html), pero no podemos evitar el presentar los dos films que vamos a comentar a continuación como dos buenos botones de muestra de dicha realidad.


INTRUDERS (o cómo el terror no se puede quedar a medias)


TÍTULO: Intruders. AÑO: 2011. NACIONALIDAD: España-Estados Unidos-Reino Unido. DIRECCIÓN: Juan Carlos Fresnadillo. GUIÓN: Nicolás Casariego y Jaime Marqués. MÚSICA ORIGINAL: Roque Baños. INTÉRPRETES PRINCIPALES: Clive Owen, Pilar López de Ayala, Carice van Houten, Ella Purnell, Izán Corchero, Daniel Brühl, Héctor Alterio. PÁGINA WEB OFICIAL: http://www.intruders-lapelicula.es/.


Juan Carlos Fresnadillo se dio a conocer con el cortometraje Esposados (1996) y se ha labrado un gran prestigio en el género con Intacto (2001) y 28 semanas después (2007) –secuela de 28 días después, dirigida en 2002 por Danny Boyle. En Intruders, Fresnadillo ha contado con un reparto en parte español (Pilar López de Ayala, Daniel Brühl), en parte internacional (Clive Owen, Carice van Houten), en una esmerada coproducción hispano-norteamericano-británica que constituye una de las películas más esperadas de este otoño.



viernes, 14 de octubre de 2011

LOS PASOS DOBLES (o aquello que el cine esconde)


TÍTULO: Los pasos dobles. AÑO: 2011. NACIONALIDAD: España-Suiza. DIRECCIÓN: Isaki Lacuesta. GUIÓN: Isa Campo e Isaki Lacuesta. MÚSICA ORIGINAL: Gerard Gil. INTÉRPRETES PRINCIPALES: Bokar Dembele, Miquel Barceló, Alou Cissé, Hamadoun Kassogue, Amon Pegnere Dolo, Amassagou Dolo, Abinum Dolo, Soumaïla Sabata, Djenebou Keita, Mahamadou Camara. PÁGINA WEB OFICIAL: http://www.avalonproductions.es/lospasosdobles/.


Si cuando hablamos de El árbol de la vida, comentamos la polémica generada por las distintas opiniones de la crítica en torno a la película, hoy nos encontramos con un caso parecido con Los pasos dobles de Isaki Lacuesta. Tras su pase en último Festival de San Sebastián, la rueda de prensa fue, especialmente, áspera, llegando a producirse, según palabras de uno de los asistentes, dos ataques –uno más educado que otro, si atendemos a las crónicas- al director por parte de periodistas presentes (http://www.precriticas.com/blog/zinemaldia-dia-4-e-isaki-armo-el-belen/), a los cuales Isaki Lacuesta respondió con bastante enfado. El pintor Miquel Barceló, quien interviene en el film, viendo el cariz que iban adoptando los acontecimientos, llegó a afirmar que “veo que los críticos de cine son aún peores que los críticos de arte” (http://www.elmundo.es/elmundo/2011/09/19/cultura/1316440493.html). Cuando esta cinta ganó la Concha de Oro a la mejor película, podrán imaginar que los ataques se centraron, entonces, en el Jurado, de modo que el palmarés fue globalmente descalificado por la crítica.


Todo esto resulta anormal. Primero, creo que la polémica se ha desmadrado, claramente. Quizás, algunos críticos profesionales deberían asimilar que las estrellas no son ellos sino los directores, actores, guionistas y, en general, todo el equipo que hace una película. Una dosis mínima de humildad hubiera evitado una situación tan patética como la vivida en la rueda de prensa antes comentada. Segundo, me parece chocante que críticos profesionales digan que no entiendan nada de esta película,  como tampoco comprendo que haya muchos críticos profesionales que no entiendan El árbol de la vida. Considero que un crítico profesional debería ser capaz de entender, mínimamente, ambos títulos (porque las claves para la comprensión no están, precisamente, muy escondidas). Que la reacción ante la falta de comprensión de un film sea el ataque histérico, me suscita, simplemente, estupor. Como también me produce estupor que Torrente 4 apenas haya generado críticas negativas y que, en cambio, Los pasos dobles haya sido vilipendiada de manera tan injusta. Sólo me cabe deducir que Isaki Lacuesta dedica menos tiempo que Santiago Segura a hacer “coleguis” entre el colectivo de críticos profesionales.


Respecto al palmarés de San Sebastián, tengo la impresión de que, en la concesión del principal premio a Los pasos dobles, influyeron los furibundos ataques de la crítica. Ante la desmesura de los mismos, el Jurado creo que decidió realizar un acto de provocación otorgando a la cinta la Concha de Oro. La decisión, no me parece un despropósito, ya que, como luego comentaré, la audacia y originalidad de Los pasos dobles merecían un galardón. Quizás el Premio Especial del Jurado, que se adaptaba mejor al carácter del film que el título que se llevó tal distinción (la comedia francesa Le Skylab). Posiblemente, la Concha de Oro fue un premio excesivo, ya que opino que, p. ej.,  No habrá paz para los malvados es mejor película. Sin embargo, la anómala situación producida distorsionó, evidentemente, todo el proceso de concesión de premios.
 
Pero creo que ya es hora de dejar estos temas que, en el fondo, son menores y entrar propiamente en la cinta.





domingo, 2 de octubre de 2011

NO HABRÁ PAZ PARA LOS MALVADOS (o ¿qué cine es el que, de verdad, sabemos hacer bien en España?)


TÍTULO: No habrá paz para los malvados. AÑO: 2011. NACIONALIDAD: España. DIRECCIÓN: Enrique Urbizu. GUIÓN: Michel Gaztambide y Enrique Urbizu. MÚSICA ORIGINAL: Mario de Benito. INTÉRPRETES PRINCIPALES: José Coronado, Helena Miquel, Juanjo Artero, Rodolfo Sancho, Pedro María Sánchez. PÁGINA WEB OFICIAL: http://www.nohabrapaz.com.

Cuando, en una entrada anterior, hablamos de Los ojos de Julia (http://elespectadorimpertinente.blogspot.com/2011/02/los-ojos-de-julia-o-de-terror-tambien.html), ya comentamos que, en el seno del cine español, existía una tradición poco reconocida de películas fantásticas y de terror. Algo parecido sucede con el género negro.

Desde Brigada criminal (1950) de Ignacio F. Iquino, Apartado de correos 1001 (1950) de Julio Salvador, Los ojos dejan huellas (1952) de José Luis Sáenz de Heredia, Juzgado permanente (1953) de Joaquín Luis Romero-Marchent, El expreso de Andalucía (1956) y Los atracadores (1961) de Francisco Rovira Beleta, Un vaso de whisky (1958) de Julio Coll, El cebo (1958) de Ladislao Vajda, No dispares contra mí  (1961) de José María Nunes o A tiro limpio (1963) de Francisco Pérez-Dolz , se han sucedido, con posterioridad, títulos como El crack (1981) y El crack II (1983) de José Luis Garci, Corazón de papel (1982) de Roberto Bodegas, El pico (1983) y El pico 2 (1984) de Eloy de la Iglesia, Fanny “Pelopaja” (1984) de Vicente Aranda, Crónica sentimental en rojo (1986) de Francisco Rovira Beleta, Adiós pequeña (1986) y Días contados (1994) de Imanol Uribe, El sueño del mono loco (1989) de Fernando Trueba, Beltenebros (1991) de Pilar Miró, Éxtasis (1996), Los lobos de Washington (1999) y Hormigas en la boca (2005) de Mariano Barroso, Carne trémula (1997) de Pedro Almodóvar…

Enrique Urbizu ha labrado sus principales éxitos en este género. Después de Todo por la pasta (1991), La caja 507 (2002) y La vida mancha (2003), acaba de estrenar No habrá paz para los malvados.




sábado, 24 de septiembre de 2011

EL ÁRBOL DE LA VIDA (o ¿alguien sabe lo que significa el monolito?)



TÍTULO: El árbol de la vida. TÍTULO ORIGINAL: The Tree of Life. AÑO: 2011. NACIONALIDAD: USA. DIRECCIÓN Y GUIÓN: Terrence Malick. MÚSICA ORIGINAL: Alexandre Desplat. INTÉRPRETES PRINCIPALES: Brad Pitt, Sean Penn, Jessica Chastain, Hunter McCracken, Laramie Eppler. PÁGINA WEB OFICIAL: http://www.twowaysthroughlife.com/.

El árbol de la vida es una película filosófica. A partir de esta premisa, la película puede ser aceptada (y, seguramente, alabada) o puede ser rechazada tajantemente, sin concesiones. Apenas hay espacio para el término medio (algo similar a lo que decíamos en relación a Cisne negro). El director, sabiendo que este film es para un determinado segmento de espectadores y que, por mucho que hubiese intentado simplificar su contenido, la gran mayoría del público no iba a entrar en su juego, ha optado por la radicalidad y ha decidido centrarse en satisfacer a sus incondicionales antes que en renunciar a alguno de los principios a los que debe su prestigio.

Terrence Malick es un director poco prolífico. En 38 años, sólo ha dirigido cinco largometrajes: Malas tierras (1973), Días de cielo (1978), La delgada línea roja (1998), El Nuevo Mundo (2005) y la película que nos ocupa. Su cine, lírico, profundo y reflexivo posee un estilo único e inimitable y en El árbol de la vida lo ha llevado a su máxima expresión. Hay quien ya le ha reconocido su mérito y, así, esta película ha ganado la Palma de Oro a la Mejor Película en el último festival de Cannes. Hay quienes se han mostrado especialmente escépticos respecto a ella, en especial buena parte de la crítica cinematográfica española. Les adjunto enlaces con críticas negativas de Santiago Navajas - http://findesemana.libertaddigital.com/a-que-huele-el-universo-1276239226.html -, Jonás Trueba - http://www.elmundo.es/blogs/elmundo/elvientosopladondequiere/2011/09/19/desarbolando-a-malick.html - y Nacho Gay - http://www.vanitatis.com/cine/critica/2011/arbol-vida-brad-pitt-trailer-critica-sean-penn-fotos-terrence-malick-20110916.html -, para que tengan acceso a opiniones bastante distintas a las que yo les voy a dar en esta entrada del blog. Curiosamente, Carlos Boyero, crítico de El País - http://www.elpais.com/articulo/cultura/Terrence/Malick/poetica/pantalla/elpepicul/20110517elpepicul_2/Tes - parece que, más bien, le gustó y admitió, con una sinceridad que le honra, que no acabó de entenderla del todo. Este último detalle es importante, porque de la lectura de las críticas negativas que señalo se deduce que quienes la han realizado no han comprendido el film en absoluto. 

Creo que decir, como se ha dicho, que el mensaje se reduce a un conjunto de ideas New Age es simplificar totalmente lo que El Árbol de la Vida quiere expresar (y, de hecho, me parece una afirmación incorrecta) y es desconocer sus fuentes reales de inspiración. El árbol de la vida guarda íntima relación con el deísmo (http://es.wikipedia.org/wiki/Deísmo) y, a través de él, con muchos aspectos fundamentales de la cultura norteamericana, en particular con Henry David Thoreau y su obra Walden (http://es.wikipedia.org/wiki/Henry_David_Thoreau).


 

sábado, 17 de septiembre de 2011

COWBOYS & ALIENS (o bailando no con lobos sino con extraterrestres)



TÍTULO: Cowboys & Aliens. TÍTULO ORIGINAL: Cowboys & Aliens. AÑO: 2011. NACIONALIDAD: USA. DIRECCIÓN: Jon Favreau. GUIÓN: Roberto Orci, Alex Kurtzman, Damon Lindelof, Mark Fergus, Hawk Ostby y Steve Oedekerk, adaptando la novela gráfica homónima de Scott Mitchell Rosenberg. MÚSICA ORIGINAL: Harry Gregson-Williams. INTÉRPRETES PRINCIPALES: Daniel Craig, Harrison Ford, Olivia Wilde, Abigail Spencer, Sam Rockwell, Paul Dano, Chris Browning, Adam Beach, Ana de la Reguera, Keith Carradine, Noah Ringer. PÁGINA WEB OFICIAL: http://www.cowboysandaliensintl.com/intl/es/.
 
Hasta los años 60, el cine de Hollywood era un cine de películas de género. Lo normal era que cada cinta se pudiera encasillar dentro de unos patrones temáticos y estilísticos perfectamente definidos (comedia, musical, western, cine negro, melodrama, aventuras, peplum…). Ello ayudaba a que los profesionales adquirieran oficio en sus respectivas tareas y, paradójicamente, tendía a estimular la creatividad de los autores, en la medida en que, al estar fijado de antemano el tratamiento que había que dar a las tramas y los rasgos básicos que las mismas debían tener (lo cual suele ser lo más difícil, complicado y laborioso), podían centrarse en las historias a narrar, en su originalidad, en su perfeccionamiento y en la forma de desarrollarlas de forma novedosa.



 











                                   

















miércoles, 7 de septiembre de 2011

LA PIEL QUE HABITO (o, por favor, comprueben si John Ford, Alfred Hitchcock o Martin Scorsese han escrito o no los guiones de sus películas)


 
TÍTULO: La piel que habito. TÍTULO ORIGINAL: La piel que habito. AÑO: 2011. NACIONALIDAD: España. DIRECCIÓN: Pedro Almodóvar. GUIÓN: Pedro Almodóvar, con la colaboración de Agustín Almodóvar, adaptando la novela Tarántula de Thierry Jonquet. MÚSICA ORIGINAL: Alberto Iglesias. INTÉRPRETES PRINCIPALES: Antonio Banderas, Elena Anaya, Marisa Paredes, Blanca Suárez, Jan Cornet, Fernando Cayo, Barbara Lennie, Eduard Fernández, Buika, José Luis Gómez, Roberto Álamo, Susi Sánchez, Ana Mena. PÁGINA WEB OFICIAL: http://www.lapielquehabito.com/.

Pedro Almodóvar es un director que suscita pasiones encontradas. Aunque cabe decir que, en gran medida, ello se debe, básicamente, a motivos extracinematográficos y no tanto a un análisis más o menos concienzudo de sus películas. No es tanto que el cine de Almodóvar guste o deje de gustar como que gusta más o menos en la medida en que se hace presente el personaje que Almodóvar ha creado de sí mismo. Con independencia de que ello provoque ciertos tics y ciertas escenas fuera de lugar en sus films, no es menos verdad que tanto los detractores (http://www.elpais.com/articulo/cultura/Carlos/Boyero/lamentaria/Almodovar/quedara/afonico/elpepucul/20090604elpepucul_6/Tes), como los partidarios de su obra (http://www.uimp.es/blogs/prensa/2008/08/04/molina-foix-y-alaska-coinciden-en-que-el-misterio-de-almodovar-se-debe-a-su-rara-capacidad-de-atraer-tanto-al-publico-como-a-los-directores-con-un-cine-personal-y-agresivo/), más que hablar, como sería lo normal, de las virtudes o defectos de sus películas, suelen acabar hablando de su personalidad, de su estilo y de lo que representa su trayectoria.

Si nos atenemos a criterios estrictamente cinematográficos, mi opinión es más templada: la carrera de Almodóvar, como la de todo creador más basado en la intuición que en la consistencia, es una montaña rusa donde alternan las obras maestras (¿Qué he hecho yo para merecer esto! -1984-, Mujeres al borde de un ataque de nervios -1988-, Hable con ella -2002-, La mala educación -2004, aunque esta última no fue recibida con mucho entusiasmo por la crítica-), algunas películas buenas (La ley del deseo -1987-, Tacones lejanos -1991-, Carne trémula -1997-, Todo sobre mi madre -1999-), alguna interesante (Matador -1986-), alguna sobrevalorada (Volver -2006-) y un par de ellas, simplemente espantosas (Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón -1980-, Kika -1993-). De ahí que podamos decir, por un lado, que afirmar que es un genio constituye una exageración y, por otro, despreciarlo como un director mediocre representa una injusticia. Igualmente, por todo ello, cada vez que el manchego estrena un nuevo film, (en este caso, La piel que habito), es una incógnita con qué nos vamos a encontrar.




jueves, 1 de septiembre de 2011

CAPITÁN AMÉRICA: EL PRIMER VENGADOR y SUPER 8



CAPITÁN AMÉRICA: EL PRIMER VENGADOR (o los militares los prefieren altos)

TÍTULO: Capitán América: El primer vengador. TÍTULO ORIGINAL: Captain America: The First Avenger. AÑO: 2011. NACIONALIDAD: USA. DIRECCIÓN: Joe Johnston. GUIÓN: Christopher Markus y Stephen McFeely, basado en los comics creados por Joe Simon y Jack Kirby. SICA ORIGINAL: Alan Menken y Alan Silvestri. INTÉRPRETES PRINCIPALES: Chris Evans, Hayley Atwell, Sebastian Stan, Tommy Lee Jones, Hugo Weaving, Toby Jones, Dominic Cooper, Richard Armitage, Stanley Tucci y Samuel L. Jackson,. PÁGINA WEB OFICIAL: http://captainamerica.marvel.com/intl/es/main.html.

Para entender el sentido último de este film, hay que esperar a que terminen de pasar todos los títulos de crédito y ver las imágenes que le siguen. Descubriremos, entonces, que esta película (tal como anuncia en el título) no es más que la antesala de la que está planeada como plato fuerte de la saga: Los Vengadores, cuyo estreno está previsto para el verano de 2012. Es así que esta cinta es, en gran medida, una presentación del personaje central y el inicio de una historia que tiene que dar mucho más de sí. Ello explica algunos hechos chocantes que, si no, no nos acaban de cuadrar (el curioso desenlace, la larga introducción hasta que la acción propiamente dicha cobra ritmo…). Una vez que se tiene en cuenta este punto, podemos entender el film como una excelente película de acción con interesantes matices.


jueves, 28 de julio de 2011

TRANSFORMERS: EL LADO OSCURO DE LA LUNA (o, en serio, la deconstrucción de la abstracción)


TÍTULO: Transformers: el lado oscuro de la luna. TÍTULO ORIGINAL: Transformers: Dark of the Moon. AÑO: 2011. NACIONALIDAD: USA. DIRECCIÓN: Michael Bay. GUIÓN: Ehren Kruger. MÚSICA ORIGINAL: Steve Jablonsky. INTÉRPRETES PRINCIPALES: Shia LaBeouf, Josh Duhamel, John Turturro, Tyrese Gibson, Rosie Huntington-Whiteley, Patrick Dempsey, Frances McDormand, John Malkovich, Kevin Dunn, Julie White, Buzz Aldrin. PÁGINA WEB OFICIAL: http://www.transformersmovie.com/intl/es/.


Michael Bay, director de títulos como La Roca (1996), Armageddon (1998), Pearl Harbor (2001) o La isla (2005), realiza, con la película que nos ocupa en esta entrada, la tercera entrega de la saga que él mismo inició con Transformers (2007) y Transformers: La venganza de los caídos (2009). Las películas de Bay son el prototipo de cine-espectáculo absoluto, repletas de efectos especiales y marcadas por la acción frenética, con un estilo de montaje que se ha hecho famoso por su sucesión de tomas cortas y su ritmo desenfrenado. En su nueva película, sigue fiel a su estilo. Lo que sucede es que es un estilo sobre el que merece la pena detenerse un momento. (En la revista de internet Miradas de cine, también han hablado de la película y han llegado a profundidades a las que yo no me atrevo a llegar: http://www.miradas.net/2011/06/actualidad/criticas/transformers-3.html).




jueves, 7 de julio de 2011

INSIDIOUS (o cómo, en las películas del terror, los niños siempre vienen con un susto debajo del brazo)



TÍTULO: Insidious TÍTULO ORIGINAL: Insidious. AÑO: 2010. NACIONALIDAD: USA. DIRECCIÓN: James Wan. GUIÓN: Leigh Whannell. MÚSICA ORIGINAL: Joseph Bishara. INTÉRPRETES PRINCIPALES: Patrick Wilson, Rose Byrne, Ty Simpkins, Andrew Astor, Lin Shaye, Leigh Wannell, Angus Sampson y Barbara Hershey. PÁGINA WEB OFICIAL: http://www.insidiouslapelicula.com/.

Si en una película de terror aparece un niño, el terror se acrecienta automáticamente. Esta afirmación puede parecer una tontería pero he hecho memoria y la lista de films en los que se da esta circunstancia es sorprendentemente larga (lo cual es indicio de que los directores conocen el potencial de este recurso y lo aprovechan conscientemente): El doctor Frankenstein (1931, James Whale), La torre de Londres (1939, Rowland V. Lee), La noche del cazador (1955, Charles Laughton), Suspense (1961, Jack Clayton), Los pájaros (1963, Alfred Hitchcock), El otro (1972, Robert Mulligan), El exorcista (1973, William Friedkin), La profecía (1976, Richard Donner), ¿Quién puede matar a un niño? (1976, Narciso Ibáñez Serrador), El resplandor (1980, Stanley Kubrick), Al final de la escalera (1980, Peter Medak), Poltergeist (1982, Tobe Hooper), Los chicos del maíz (1984, Fritz Kiersch), Aliens: El regreso (1986, James Cameron), El círculo (1998, Hideo Nakata, versionada en Estados Unidos en 2002 por Gore Verbinski), Dark water (2002, Hideo Nakata, versionada también por los norteamericanos en 2005, bajo la dirección de Walter Salles), Los otros (2001, Alejandro Amenábar), Dos hermanas (2003, Kim Jee-woon), La llave del mal (2005, Iain Softley), El escondite (2005, John Polson), [REC] (2007, Jaume Balagueró y Paco Plaza), El orfanato (2007, Juan Antonio Bayona), Déjame entrar (2008, Tomas Alfredson), Los ojos de Julia (2010, Guillem Morales)… A esta lista (casi seguro incompleta), viene a añadirse Insidious.

Dirigida por James Wan y escrita por Leigh Whannell (creadores de la saga Saw), y con un presupuesto (irrisorio para los tiempos actuales) de 1,2 millones de dólares, la película ha recaudado (según datos de www.imdb.com que he revisado con fecha 6 de julio de 2011) 102,9 millones de dólares a nivel mundial. ¿Producto del marketing o de la calidad intrínseca del film? Vamos a verlo.


lunes, 4 de julio de 2011

X-MEN: PRIMERA GENERACIÓN (o así empezó todo, o quizás no, o a lo mejor fue de otra manera)


TÍTULO: X-Men: Primera generación. TÍTULO ORIGINAL: X-Men: First Class. AÑO: 2011. NACIONALIDAD: USA. DIRECCIÓN: Matthew Vaughn. GUIÓN: Ashley Miller, Zack Stentz, Jane Goldman, Matthew Vaughn, Sheldon Turner y Bryan Singer. MÚSICA ORIGINAL: Henry Jackman. INTÉRPRETES PRINCIPALES: James McAvoy, Michael Fassbender, Kevin Bacon, Rose Byrne, Jennifer Lawrence, Oliver Platt, January Jones, Jason Flemyng, Alex González, Zoë Kravitz, Nicholas Hoult, Lucas Till, Caleb Landry Jones, Edi Gathegi, Michael Ironside (y, casi de forma clandestina, Hugh Jackman y Rebecca Romijn-Stamos). PÁGINA WEB OFICIAL: http://www.x-menprimerageneracion.com/.

Ya cuando comenté Thor (http://elespectadorimpertinente.blogspot.com/2011/05/thor-o-mejor-no-nos-metamos-en-las.html), hice mención a la efervescencia que vive actualmente el mundo del cómic. Hay un motivo profundo por el que el cómic ha adquirido tanta relevancia en los últimos tiempos: frente a la literatura o el cine, las historias que narra y los personajes que muestra se prestan a ser reformulados, reinterpretados y reinventados y esta condición va acorde con las circunstancias actuales de certezas precarias, verdades inciertas y transformaciones veloces. Ya comentamos en la entrada antes aludida a la transformación sufrida por el personaje de Batman. Pero, en general, cualquier título presenta variantes, versiones y universos paralelos en su desarrollo narrativo. Marvel Comics lanzó en el año 2000 el sello Ultimate Marvel, en el cual los personajes más carismáticos de la editorial (Spiderman, Hulk, Thor, X-Men, Los 4 Fantásticos, Iron Man, Daredevil…) vieron modificados sus perfiles tradicionales y vivieron nuevas aventuras en un universo paralelo con cambios sustanciales respecto a la línea narrativa tradicional. DC Comics, entre enero y abril de 2005, publicó Supermán/Batman: Poder absoluto, el cual partía del planteamiento de suponer que Clark Kent y Bruce Wayne tras su llegada a la Tierra y el asesinato de sus padres, respectivamente, hubieran crecido juntos y hubieron sido educados en unos valores negativos, de forma que hubiesen acabado convirtiéndose en unos tiranos que ejercen su despotismo sobre el mundo. Ya en 2003, esta editorial publicó Supermán: Hijo Rojo, donde se imaginaba qué podía suceder si, en vez de haber caído en Kansas, Supermán hubiera caído en la Unión Soviética y hubiera puesto sus poderes al servicio del régimen comunista. En esta versión, es Lex Luthor el que salvará al mundo de la tiranía de este Supermán despótico. Esta capacidad de encontrar repetidamente nuevas perspectivas a historias y personajes, de no ofrecer una narración cerrada e inamovible (característica que comparte con otras manifestaciones, que también están viviendo una etapa de esplendor, como los videojuegos o las series de televisión –hablo, básicamente, de las norteamericanas y británicas, de las españolas mejor no hablamos-) sirve de conexión con la mentalidad y el espíritu de nuestra época. Por ello, no es extraño que un medio como el cine, que en determinados momentos parece estar pasando una cierta crisis de creatividad, recurra al denominado noveno arte para tomar historias brillantes y personajes profundos que sirvan no sólo de inspiración para una película, sino que permitan crear sagas que den de sí para varios films a lo largo de unos cuantos años.

En el caso de X-Men (cómic conocido en sus orígenes en España como La Patrulla-X), el primer film de la serie (X-Men, dirigida por Bryan Singer, realizador de la mítica Sospechosos habituales -1995-) es del año 2000. Posteriormente, siguieron X-Men 2 (2003), con el mismo director, X-Men: La decisión final (2006), de Brett Ratner y X-Men Orígenes: Lobezno (2009), de Gavin Hood. X-Men: Primera generación es una precuela, esto es, se sitúa al principio de toda la historia y narra cómo empezó todo (o, quizás, simplemente narra una de las posibilidades de cómo sucedió).


jueves, 26 de mayo de 2011

MIDNIGHT IN PARIS (o todo lo que usted siempre quiso saber sobre el complejo de la Edad de Oro y nunca se atrevió a preguntar)



TÍTULO: Midnight in Paris. TÍTULO ORIGINAL: Midnight in Paris. AÑO: 2011. NACIONALIDAD: USA y España. DIRECCIÓN Y GUIÓN: Woody Allen. INTÉRPRETES PRINCIPALES: Owen Wilson, Rachel McAdams, Michael Sheen, Nina Arianda, Kurt Fuller, Mimi Kennedy, Carla Bruni, Léa Seydoux, Marion Cotillard, Tom Hiddleston, Alison Pill, Kathy Bates, Corey Stoll y Adrien Brody. PÁGINAS WEB OFICIALES: http://www.midnightinparislapelicula.com/ y http://www.sonyclassics.com/midnightinparis/

Hay determinados directores sobre los que parece forzoso tener una opinión: Woody Allen, Pedro Almodóvar, Quentin Tarantino… Es normal que te puedan preguntar: ¿qué te parecen las películas de Almodóvar? Es más difícil que, en un momento dado, alguien pueda querer saber tu opinión sobre las películas de Christopher Nolan, Ron Howard, David Fincher o Antonio Hernández. Lo paradójico del caso de Woody Allen es que resulta difícil tener una opinión única sobre una filmografía que tiene películas tan distintas unas de otras. Se le podría decir a alguien que Toma el dinero y corre (1969), Annie Hall (1977), Interiores (1978), Manhattan (1979), Recuerdos (1980), La rosa púrpura de El Cairo (1985), Match Point (2005), Scoop (2006) o Midnight in Paris (2011) son películas de directores diferentes y podría creerlo sin problemas. Por ello, cada vez que se produce un nuevo estreno del cineasta neoyorquino, siempre existe la duda sobre qué dirección va a tomar (¿drama o comedia?¿genialidad o naufragio?) y sobre si su capacidad creativa ya ha dado de sí todo lo que ha podido o si su obra nos va a deparar alguna sorpresa. Tengo que decir que, en esta ocasión, hay que quitarse el sombrero ante el señor Allen.


viernes, 20 de mayo de 2011

SIN IDENTIDAD (o ¿quién soy?¿de dónde vengo?¿a dónde voy?)


TÍTULO: Sin identidad. TÍTULO ORIGINAL: Unknown. AÑO: 2011. NACIONALIDAD: USA. DIRECCIÓN: Jaume Collet-Serra. GUIÓN: Oliver Butcher y Stephen Cornwell, adaptando la novela Out of my head de Didier van Cauwelaert. MÚSICA ORIGINAL: John Ottman y Alexander Rudd. INTÉRPRETES PRINCIPALES: Liam Neeson, Diane Kruger, January Jones, Aidan Quinn, Bruno Ganz, Frank Langella, Sebastian Koch. PÁGINA WEB OFICIAL: http://wwws.warnerbros.es/unknown/index.html

No es habitual que un cineasta español triunfe en Hollywood, pero Jaume Collet-Serra (nacido en Barcelona, en 1974) lo ha conseguido. Ya nos empezó a caer bien con La casa de cera (2005), donde el asesino en serie de turno no dejaba pasar muchos minutos del metraje antes de cargarse a Paris Hilton (detalle que nunca le agradeceremos lo suficiente a este director) y se consolidó claramente con La huérfana (2009) pero es, evidentemente, con Sin identidad donde ha alcanzado claramente la madurez.

domingo, 8 de mayo de 2011

THOR (o mejor no nos metamos en las cosas de los dioses)



TÍTULO: Thor. TÍTULO ORIGINAL: Thor. Año: 2011. NACIONALIDAD: USA. DIRECCIÓN: Kenneth Branagh. GUIÓN: Ashley Miller, Zack Stentz y Don Payne, basado en el cómic de Thor, creado por Jack Kirby y Stan Lee. MÚSICA ORIGINAL: Patrick Doyle. INTÉRPRETES PRINCIPALES: Chris Hemsworth, Natalie Portman, Tom Hiddleston, Anthony Hopkins, Stellan Skarsgard, Kat Dennings. PÁGINA WEB OFICIAL: http://www.thor-lapelicula.es/

Aunque no sea muy conocido para los que no son aficionados, actualmente el cómic está pasando por una auténtica Edad de Oro. Por un lado, su vertiente más popular (la de los superhéroes) ha ido conociendo una transformación en sus planteamientos, de forma que la profundización psicológica y filosófica ha ido alcanzando cotas sublimes (llevándose la palma el giro de 180 grados experimentado, de la mano de Frank Miller, por el personaje de Batman, que ha pasado de ser un personaje pop a tener un perfil oscuro y afilado) y ha llegado a producir una obra maestra como Watchmen escrita por Alan Moore y dibujada por Dave Gibbons. Por otro lado, se ha producido, de modo simultáneo, una ampliación de los temas tratados. Maravillas como V de Vendetta de Alan Moore (obra de ciencia ficción, donde se imagina una hipotética dictadura futura en el Reino Unido), Maus de Art Spiegelman (sobre el holocausto), Persépolis de Marjane Satrapi (sobre el régimen fundamentalista iraní), 300 (sobre la batalla de las Termópilas) y Sin City (con claros ribetes de novela negra) de Frank Miller, American Splendor de Harvey Pekar (sobre la vida cotidiana de su propio autor, un modesto empleado de Cleveland) o El libro del Génesis de Robert Crumb (donde se plasma en viñetas el primer libro de la Biblia), han ido abriendo sucesivas brechas hasta conseguir que el denominado noveno arte esté pasando por una espectacular etapa de esplendor.

La industria cinematográfica, consciente de este hecho, e inmersa en una apreciable crisis de creatividad, ha ido adaptando las historias de los personajes más famosos de las dos grandes compañías del mundo del cómic: la DC Comics (Superman, Batman, Catwoman) y la Marvel (Spiderman, Hulk, X-Men, Los 4 Fantásticos, Iron Man, Daredevil, El Motorista Fantasma, Blade…). De esta última, procede la historia de Thor, que es el personaje del que este año “tocaba” adaptación.



jueves, 21 de abril de 2011

TORRENTE 4: LETHAL CRISIS y CÓDIGO FUENTE


TORRENTE 4: LETHAL CRISIS (o “Padre, perdónalos, porque no saben lo que hacen”)

Título: Torrente 4. Lethal Crisis. Año: 2011. Nacionalidad: España. DIRECCIÓN Y GUIÓN: Santiago Segura. MÚSICA ORIGINAL: Roque Baños. INTÉRPRETES PRINCIPALES: Santiago Segura, Kiko Rivera, Javier Gutiérrez, Yon González, Tony Leblanc, Enrique Villén, David Muro, Cañita Brava, Belén Esteban, Xavier Deltell, Barragán, María Lapiedra, Kiko Matamoros, David Fernández, Francisco González. Página web oficial: http://www.torrente4.com/

El principal motivo para comentar esta película es el espectacular éxito de taquilla que la misma ha tenido en España. La última referencia que he encontrado (que data del 5 de abril), indica que llevaba más de 2,5 millones de espectadores y más de 18 millones de euros de recaudación. Pueden ver aquí los datos:

Sólo en su primer fin de semana, recaudó 8,2 millones de euros (http://www.abc.es/20110314/cultura/rc-torrente-rompe-barrera-ocho-201103141047.html) y se convirtió en la sexta película a nivel mundial por ingresos en el fin de semana de su estreno (http://www.ecartelera.com/noticias/7975/torrente-4-la-sexta-cinta-que-mas-recaudo-en-el-mundo-el-pasado-fin-de-semana/).

En resumen, éxito absoluto de espectadores, sin ningún tipo de matices.



domingo, 10 de abril de 2011

PAN NEGRO y TAMBIÉN LA LLUVIA



PAN NEGRO (o cómo una película va de menos a más)
Título: Pan negro. Título original: Pa negre. AÑO: 2010. NACIONALIDAD: España. DIRECCIÓN: Agustí Villaronga. GUIÓN: Agustí Villaronga, según la novela homónima de Emili Teixidor. MÚSICA ORIGINAL: José Manuel Pagán. INTÉRPRETES PRINCIPALES: Francesc Colomer, Marina Comas, Nora Navas, Roger Casamajor, Laia Marull, Eduard Fernández, Sergi López y Marina Gatell. PÁGINA WEB OFICIAL: http://www.panegre.com/.

Si Pan negro no hubiera sido la triunfadora en la última ceremonia de los Goyas (donde ganó los premios a la Mejor Película, Mejor Dirección, Mejor Guión Adaptado, Mejor Interpretación Femenina Protagonista –para Nora Navas-, Mejor Interpretación Femenina de Reparto –para Laia Marull-, Mejor Actor Revelación –Francesc Colomer-, Mejor Actriz Revelación –Marina Comas-, Mejor Dirección de Fotografía y Mejor Dirección Artística), hubiera pasado absolutamente desapercibida por la deficiente distribución que tuvo en el momento de su estreno.

Ahora, la gran pregunta es: ¿fue justo su triunfo o fue una frivolidad de la Academia –como me parece que fue en su día la victoria de La soledad (2007) de Jaime Rosales- o el resultado de ciertas alianzas electorales para beneficiar a alguna película y perjudicar a alguna otra? En mi opinión, el triunfo final de Pan negro no es ningún disparate y, en realidad, esta película está a un nivel similar a algunas con las que se disputó algún galardón (Balada triste de trompeta, Buried, Los ojos de Julia) y a un nivel superior a También la lluvia. Para mi gusto, como se puede deducir de entradas anteriores en el blog, la mejor película entre las implicadas era Biutiful, pero el hecho de tratarse de una coproducción y que el factor mexicano, desde el punto de vista creativo, fuese más importante que el español, la perjudicó claramente a la hora de las nominaciones. Lo que sí hubiera sido justo es un mayor reparto de premios entre las distintas películas, porque el elevado número de Goyas obtenido en relación al conseguido por las restantes películas no refleja la diferencia real de nivel artístico entre las mismas.





miércoles, 6 de abril de 2011

LOS PRÓXIMOS TRES DÍAS, THE TOURIST Y MÁS ALLÁ DE LA VIDA

Una vez comentadas las principales candidatas a los Óscar, en las próximas dos entradas vamos a comentar tres películas norteamericanas y dos españolas, respectivamente, para ponernos al día. Después de estas dos entradas, habrá una o dos entradas semanales para comentar los estrenos más importantes que se produzcan en las pantallas.

LOS PRÓXIMOS TRES DÍAS (o no sin mi esposa)

TÍTULO: Los próximos tres días. TÍTULO ORIGINAL: The next three days. AÑO: 2010. NACIONALIDAD: USA. DIRECCIÓN: Paul Haggis. GUIÓN: Paul Haggis, adaptando el guión de Fred Cavayé y Guillaume Lemans para la película Pour elle (2008). MÚSICA ORIGINAL: Danny Elfman. INTÉRPRETES PRINCIPALES: Russell Crowe, Elizabeth Banks, Liam Neeson, Olivia Wilde, Brian Dennehy, RZA. PÁGINA WEB OFICIAL: http://www.tripictures.com/thenextthreedays/index.html.

Paul Haggis ha realizado la mayor parte de su tarea profesional como guionista, trabajando durante muchos años en televisión (apareciendo en los créditos de series como Vacaciones en el mar, Arnold, Treintaytantos, La ley de Los Ángeles o Walker, Texas Ranger) y teniendo un considerable éxito en los últimos años cuando ha empezado a desarrollar su labor en el cine (ha escrito los libretos para Million Dolar Baby -2004-, Banderas de nuestros padres -2006- y Cartas desde Iwo Jima -2006- de Clint Eastwood y para las dos últimas películas de la serie Bond: Casino Royale -2006- y Quantum of Solace -2008-). A la vez, su debut como director fue verdaderamente espectacular, ganando el Óscar a la mejor película con Crash (2004). Posteriormente, estrenó En el valle de Elah (2007) que no alcanzó (ni de lejos) el nivel de su primera película.


domingo, 27 de marzo de 2011

VALOR DE LEY (o “los tipos duros no bailan” (*) y las chicas duras, tampoco)

TÍTULO: Valor de ley. TÍTULO ORIGINAL: True Grit. AÑO: 2010. NACIONALIDAD: USA. DIRECCIÓN Y GUIÓN: Joel Coen y Ethan Coen, adaptando la novela de Charles Portis. MÚSICA ORIGINAL: Carter Burwell. INTÉRPRETES PRINCIPALES: Jeff Bridges, Hailee Steinfeld, Matt Damon y Josh Brolin. Página web oficial: http://www.truegritmovie.com/


En 1969, bajo la dirección de Henry Hathaway, se realizó la primera adaptación al cine de la novela de Charles Portis True grit, publicada en forma de serial en el The Saturday Evening Post en el año 1968. En mi opinión, esta película (titulada en España Valor de ley) es uno de los mejores westerns de la historia. A partir de las magníficas interpretaciones de John Wayne (por la que ganó el único Óscar de su carrera) y Kim Darby (en el papel de la joven Mattie Ross, quien quiere vengar la muerte de su padre a manos de uno de sus empleados), se desarrollaba una historia de iniciación, narrada con brío, agilidad y brillantez.


Ante el antecedente de una adaptación magistral, que los hermanos Cohen decidieran retomar la novela de Portis para su nueva película constituía una relativa sorpresa. Es sorpresa porque no es nada habitual realizar remakes de títulos clásicos: no se han hecho –y dudo que se hagan- ni de Casablanca ni de Lo que el viento se llevó ni de Ciudadano Kane ni, en el terreno del western, de Río Bravo o de Centauros del desierto (sí se realizó de La diligencia –en 1966, bajo la dirección de Gordon Douglas y, hoy, está piadosamente olvidado- y uno muy curioso de Fort Apache –Distrito Apache, de 1981, de Daniel Petrie, que trasladó la acción a las calles del Bronx de finales de los 70 y principios de los 80-). Es relativa porque ya el año 2004 realizaron, con Ladykillers, un remake de El quinteto de la muerte, dirigida en 1955 por Alexander Mackendrick. Aunque el resultado de la experiencia pasó con más pena que gloria, ello no ha sido un obstáculo para que la repitan con Valor de ley.


CARTEL VALOR DE LEY


martes, 15 de marzo de 2011

CISNE NEGRO (o la letra con sangre entra)


TÍTULO: Cisne negro. TÍTULO ORIGINAL: Black Swan. AÑO: 2010. NACIONALIDAD: USA. DIRECTOR: Darren Aronofsky. GUIÓN: Mark Heyman, Andrés Heinz y John McLaughlin. MÚSICA ORIGINAL: Clint Mansell. INTÉRPRETES PRINCIPALES: Natalie Portman, Mila Kunis, Vincent Cassel, Barbara Hershey y Winona Ryder. Página web oficial: http://www.elcisnenegro-lapelicula.com/

Cuando los espectadores salgan del cine de ver esta película, se les podrá dividir en dos grupos: los que la amen y los que la odien. No existirá el término medio, porque esta película podrá causar todo tipo de reacciones menos la indiferencia.

De entrada, doy mi opinión: a mí me parece que es una absoluta obra maestra. Y ello por un motivo fundamental: puede haber películas parecidas a lo que pretende hacer Cisne negro, pero ninguna lo ha hecho del mismo modo ni ninguna lo ha hecho igual de bien a como lo hace esta cinta.

Por supuesto, ello requiere una explicación. Cuando pensamos en cine, tendemos a pensar en películas que narran una historia de ficción. Ello no llega a ser ni una verdad a medias, porque si queremos hablar de cine debemos hablar, en realidad, de tres tipos diferentes de cine.

Si hubiera que hablar en términos cronológicos, el cine narrativo no es ni siquiera el primero en aparecer, porque ese mérito habría que concedérselo al que vamos a denominar, para entendernos, cine documental. Recordemos que la que se considera primera película de la historia es Salida de los obreros de la fábrica Lumière en Lyon Monplaisir (1895). De hecho, lo que empezaron haciendo los hermanos Lumière fue colocar la cámara delante de situaciones en movimiento y empezar a grabar, con el fin de retratar imágenes de la vida cotidiana. Igual ocurrió en España, donde la primera película realizada fue Salida de misa de doce del Pilar de Zaragoza (1896). (Con posterioridad, el cine documental seguirá teniendo su lugar en la producción cinematográfica, con nombres de gran altura como Robert O´Flaherty con títulos clásicos como Nanook el esquimal -1922- o El hombre de Aran -1934-).


Es cierto que casi inmediatamente aparece el que ya hemos denominado como cine narrativo, con El regador regado (1896) y que esta tendencia es la que acabará predominando con carácter absolutamente mayoritario a partir de las famosas comedias del cómico francés Max Linder y de la compañía cinematográfica norteamericana Keystone (donde empezó su carrera Charles Chaplin), de los seriales tipo Fantomas, de las películas del director francés Louis Delluc, de la aparición del western, de la mano, fundamentalmente, del director Thomas H. Ince y de la configuración definitiva de los mecanismos de la narrativa cinematográfica con las películas de David W. Griffith. (A partir de aquí, piensen en cualquier clásico de la historia del cine y, toda probabilidad, será parte de esta tendencia: desde Lo que el viento se llevó a Casablanca, desde El padrino a La guerra de las galaxias).


Hay, sin embargo, un tercer tipo de cine, de naturaleza más escurridiza, que vamos a llamar, para poder darle un nombre, cine de sensaciones, cine vanguardista o cine experimental. Lo característico de este tipo de cine es que ni intenta retratar la vida real, como hace el cine documental, ni intenta desarrollar una ficción que simule la realidad, como hace el cine narrativo, sino que intenta combinar las imágenes para crear un mundo completamente alejado de la realidad. Este tipo de cine no pretende narrar una historia ni busca, como objetivo principal, ser comprendido por el espectador. Básicamente, desea provocar una experiencia sensitiva y emocional, apelando a un discurso apartado de la lógica estrictamente racional. Opino que el origen de esta tendencia hay que buscarlo en las películas de Georges Meliès, como Viaje a la luna (1902), en el expresionismo alemán, con títulos como El gabinete del doctor Caligari (1920) de Robert Wiene y Nosferatu (1922) de F. W. Murnau y en el cine experimental de la directora francesa Germaine Dulac, como, p.ej, La coquille et le clergyman (1927). Sin embargo, los dos títulos que inauguran sin ningún lugar a dudas este tipo de cine son los dos experimentos surrealistas de Luis Buñuel: Un perro andaluz (1929) y La edad de oro (1930). Si no ha quedado claro sobre qué se entiende por provocar emociones al espectador, basta con ver la primera secuencia de Un perro andaluz para que sí lo esté: Luis Buñuel, con navaja de barbero, secciona el globo ocular a una mujer. La metáfora que se quiere expresar con ello es que esta película pretendía romper la “mirada tradicional” y dar paso a una nueva forma de ver la realidad. Pero era, a la vez, reflejo de una característica básica de este tipo de cine: para provocar sensaciones, se rompía, deliberadamente, con las imágenes convencionales y las reglas de la narrativa clásica y se experimentaba con formas narrativas alternativas e imágenes impactantes.



Desde entonces, directores como José Val del Olmar, Alain Resnais, Jean Luc Godard, Andy Warhol, Jean Marie Straub, Alexander Kluge, Iván Zulueta, David Lynch o Tim Burton han desarrollado, en mayor o menor medida, esta tendencia. Y también Darren Aronofsky, director de Cisne negro. Sus películas Pi, fe en el caos (1998), Réquiem por un sueño (2000) y La fuente de la vida (2006) son enigmas laberínticos en los que la compresión cede paso abiertamente a la perplejidad. Quizás porque, después de estos tres títulos, realizó El luchador (2006) –que era un título más ajustado a los cauces narrativos tradicionales y, posiblemente, vio las posibilidades que los mismos ofrecían-, Aronofsky, en Cisne negro, ha hecho una jugada genial: hacer una película vanguardista con los patrones de la narrativa clásica, algo verdaderamente excepcional dentro de la historia de la cinematografía.