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jueves, 21 de abril de 2011

TORRENTE 4: LETHAL CRISIS y CÓDIGO FUENTE


TORRENTE 4: LETHAL CRISIS (o “Padre, perdónalos, porque no saben lo que hacen”)

Título: Torrente 4. Lethal Crisis. Año: 2011. Nacionalidad: España. DIRECCIÓN Y GUIÓN: Santiago Segura. MÚSICA ORIGINAL: Roque Baños. INTÉRPRETES PRINCIPALES: Santiago Segura, Kiko Rivera, Javier Gutiérrez, Yon González, Tony Leblanc, Enrique Villén, David Muro, Cañita Brava, Belén Esteban, Xavier Deltell, Barragán, María Lapiedra, Kiko Matamoros, David Fernández, Francisco González. Página web oficial: http://www.torrente4.com/

El principal motivo para comentar esta película es el espectacular éxito de taquilla que la misma ha tenido en España. La última referencia que he encontrado (que data del 5 de abril), indica que llevaba más de 2,5 millones de espectadores y más de 18 millones de euros de recaudación. Pueden ver aquí los datos:

http://www.20minutos.es/noticia/1010714/0/invasion/tierra/taquilla/.

Sólo en su primer fin de semana, recaudó 8,2 millones de euros (http://www.abc.es/20110314/cultura/rc-torrente-rompe-barrera-ocho-201103141047.html) y se convirtió en la sexta película a nivel mundial por ingresos en el fin de semana de su estreno (http://www.ecartelera.com/noticias/7975/torrente-4-la-sexta-cinta-que-mas-recaudo-en-el-mundo-el-pasado-fin-de-semana/).

En resumen, éxito absoluto de espectadores, sin ningún tipo de matices.

Para dar mi opinión, voy a hacer trampas, lo confieso. Les voy a decir que “parece mentira que después de hacer tanto cine” Santiago Segura “no haya elevado algo la calidad artística de sus films. Sólo se limita, dada la rentabilidad comercial que le proporciona, a repetir la chabacanería, erotismo y chiste fácil que presiden sus cintas”. Dicho esto, puede parecer una opinión más o menos razonable. Unos la compartirán, otros no. El problema es que ya he dicho que iba a hacer trampas. Habrán observado los entrecomillados. Las palabras que están entre las comillas no son mías. Pertenecen a la crítica que apareció en el ABC de Sevilla del 26 de agosto de 1983 sobre la película Agitar antes de usar, y donde se indica Santiago Segura, en la crítica original se hacía referencia al director de la misma, Mariano Ozores.

Es decir, resulta que en 28 años muy pocas cosas han cambiado en el cine español. Aparte de unas pocas películas que aúnan rentabilidad comercial y calidad artística (realmente, pocas), siguen realizándose cintas que consiguen buenas recaudaciones sacrificando su nivel artístico de un modo lamentable.

Porque, en mi opinión, desde el punto de vista estrictamente cinematográfico, bien poco hay que destacar de esta película (sí, se ha rodado en 3D, pero sólo pensar que, con este sistema, en Estados Unidos son capaces de hacer Avatar y que aquí en España es esto lo que hemos hecho, me entran más ganas de llorar que otra cosa). Hay que alabar la excelente labor de marketing de Santiago Segura, que sabe cómo promocionar sus películas de un modo infalible; hay que reconocer que, en algunos momentos, hay ocurrencias divertidas que, en un guión bien estructurado, podrían dar lugar a una excelente comedia; tengo que admitir que Santiago Segura me cae muy bien. Pero, aparte de ello, el único aliciente es ver la sucesión de cameos de famosos que tienen lugar en la cinta (desde Fernando Esteso hasta Risto Mejide, pasando por Joselito, Buenafuente o jugadores de fútbol como Cesc Fábregas, Sergio Ramos, Gonzalo Higuaín o Alvaro Arbeloa y muchísimos más que sería excesivamente prolijo destacar aquí), manteniendo la curiosidad por saber quién será la próxima celebridad en aparecer (por cierto, que Ana Obregón debería tener más tino en elegir sus papeles: ya tiene a Bolero -1984- en la lista de las 100 peores películas de la historia, elaborada por la página web sobre cine IMDB, -para comprobarlo, vayan al puesto 97 en el siguiente enlace: http://www.imdb.com/chart/bottom- y, como no ande con cuidado, a este paso corre el riesgo de colocar una segunda).

En definitiva, en la publicidad del film se dice que esta película es “LA OBRA CUMBRE DEL CINE CHUSCO”. Si ellos lo dicen, yo no soy nadie para llevarles contraria.

Nota (de 1 a 10): 3.

Lo que más me gustó: la interpretación de David Fernández como capellán de la prisión (preparando esta entrada, descubrí que este fue el actor que hizo de Rodolfo Chikilicuatre; puede parecer mentira, pero es el actor del reparto que está mejor).

Lo que menos me gustó: recordar que pagué 7,50 euros para ver esta película.

CÓDIGO FUENTE (o la fe mueve montañas)

Título: Código fuente. Título original: Source Code. Año: 2011. DIRECCIÓN: Duncan Jones. GUIÓN: Ben Ripley. MÚSICA ORIGINAL: Chris Bacon. INTÉRPRETES PRINCIPALES: Jake Gyllenhaal, Michelle Monaghan, Vera Farmiga, Jeffrey Wright. PÁGINA WEB OFICIAL: http://www.codigofuentelapelicula.com/

El tema de los viajes en el tiempo suele parecer que está relativamente poco tratado en el cine. Pero cuando uno se dedica a recordar títulos, la lista y la variedad de visiones no son cortas precisamente: desde un tratamiento cercano al planteamiento original de H. G. Wells en El tiempo en sus manos (1960) de George Pal o Los pasajeros del tiempo (1979) de Nicholas Meyer; pasando por una visión estrictamente científica en El final de la cuenta atrás (1980) de Don Taylor, El experimento Filadelfia (1984) de Stewart Rafill, Primer (2004) de Shane Carruth o El sonido del trueno (2005) de Peter Hyams; con películas de acción como Stargate: puerta a las estrellas (1994) de Roland Emmerich, Deja Vu (2006) de Tony Scott o Next (2007) de Lee Tamahori; con películas de marcado carácter romántico como En algún lugar del tiempo (1980) de Jeannot Szwarc; con tono de comedia en Atrapado en el tiempo (1993) de Harold Ramis; o películas con una mezcla de acción y comedia dirigidas al público juvenil, como la trilogía de Regreso al futuro de Robert Zemeckis. El director Duncan Jones, que ya tuvo un éxito en el género de la ciencia-ficción con Moon (2009), afronta el desafío de retomar el tema con Código fuente.

Aunque, en principio, Código fuente es una película menor, aporta una serie de originalidades al tema tratado (que no vamos a desvelar para no destripar la historia), que la convierten en un título muy estimable. Aunque especialmente destinada a un público que le guste y se sienta cómodo con los temas científicos, Código fuente tiene una serie de virtudes que cualquier espectador podrá apreciar: un guión magníficamente construido que sabe combinar magistralmente los diversos niveles de la historia (hay aspectos técnicos pero también mucha emoción, muchos sentimientos y un manifiesto espíritu crítico); un ritmo ágil que ayuda a mantenernos clavados en la butaca y a desarrollar la historia en noventa y tres minutos sin apenas dejar cabos sueltos (en realidad, hay uno, pero lo esconde muy bien: lo deja a la vista) y, sobre todo, cuatro estupendas interpretaciones del cuarteto protagonista. Si Jake Gyllenhaal y Michelle Monaghan están muy bien y Vera Farmiga esta magnífica (confirmando sus buenos trabajos de Infiltrados, El niño con el pijama de rayas y Up in the air), Jeffrey Wright está soberbio, continuando con la línea iniciada con su gran papel en Syriana (2005) de Stephen Gaghan.

En definitiva, Código fuente es una película muy recomendable que permitirá pasar un buen rato y que, a la vez, va a hacer reflexionar a muchos sobre la actitud a tomar ante los problemas y ante la vida, en general.

Finalmente, para aquellos interesados en el tema de los viajes en el tiempo, voy a recomendar una recopilación, realizada por Peter Haining y Miquel Barceló, con los mejores relatos sobre el mismo: se trata de Cronopaisajes y fue publicada en el año 2004 por Ediciones B. Contiene narraciones, entre otros, de Philip K. Dick, Arthur C. Clarke, Isaac Asimov, Brian W. Aldiss y Ray Bradbury, es decir, de lo mejor de la ciencia-ficción.

Nota (de 1 a 10): 8.

Lo que más me gustó: la historia está muy bien narrada.

Lo que menos me gustó: el guión tiene un cabo suelto evidente.

domingo, 10 de abril de 2011

PAN NEGRO y TAMBIÉN LA LLUVIA



PAN NEGRO (o cómo una película va de menos a más)
Título: Pan negro. Título original: Pa negre. AÑO: 2010. NACIONALIDAD: España. DIRECCIÓN: Agustí Villaronga. GUIÓN: Agustí Villaronga, según la novela homónima de Emili Teixidor. MÚSICA ORIGINAL: José Manuel Pagán. INTÉRPRETES PRINCIPALES: Francesc Colomer, Marina Comas, Nora Navas, Roger Casamajor, Laia Marull, Eduard Fernández, Sergi López y Marina Gatell. PÁGINA WEB OFICIAL: http://www.panegre.com/.

Si Pan negro no hubiera sido la triunfadora en la última ceremonia de los Goyas (donde ganó los premios a la Mejor Película, Mejor Dirección, Mejor Guión Adaptado, Mejor Interpretación Femenina Protagonista –para Nora Navas-, Mejor Interpretación Femenina de Reparto –para Laia Marull-, Mejor Actor Revelación –Francesc Colomer-, Mejor Actriz Revelación –Marina Comas-, Mejor Dirección de Fotografía y Mejor Dirección Artística), hubiera pasado absolutamente desapercibida por la deficiente distribución que tuvo en el momento de su estreno.

Ahora, la gran pregunta es: ¿fue justo su triunfo o fue una frivolidad de la Academia –como me parece que fue en su día la victoria de La soledad (2007) de Jaime Rosales- o el resultado de ciertas alianzas electorales para beneficiar a alguna película y perjudicar a alguna otra? En mi opinión, el triunfo final de Pan negro no es ningún disparate y, en realidad, esta película está a un nivel similar a algunas con las que se disputó algún galardón (Balada triste de trompeta, Buried, Los ojos de Julia) y a un nivel superior a También la lluvia. Para mi gusto, como se puede deducir de entradas anteriores en el blog, la mejor película entre las implicadas era Biutiful, pero el hecho de tratarse de una coproducción y que el factor mexicano, desde el punto de vista creativo, fuese más importante que el español, la perjudicó claramente a la hora de las nominaciones. Lo que sí hubiera sido justo es un mayor reparto de premios entre las distintas películas, porque el elevado número de Goyas obtenido en relación al conseguido por las restantes películas no refleja la diferencia real de nivel artístico entre las mismas.





Entrando propiamente en el film, hay que decir que Pan negro se desarrolla en la posguerra española y pretende ser, a la vez, la historia de un crimen, su esclarecimiento final y sus consecuencias y el retrato de una época y un lugar. En mi opinión, esa doble intención perjudica la unidad de la película y, sobre todo, difumina el poder de la historia principal, que tiene la fuerza suficiente como para poder sostener todo el film. De hecho, éste empieza con la secuencia del crimen y hasta que no pasa, aproximadamente, una hora no vuelve a retomarla directamente (sí que hay tres o cuatro secuencias que están conectadas con la historia central, pero no lo descubriremos hasta que la misma avance).

Hay que destacar, especialmente, el alto nivel de los intérpretes (están excelentes Nora Navas, Laia Marull, Roger Casamajor, Eduard Fernández y los niños Francesc Colomer y Marina Comas), que son la clave fundamental de la calidad alcanzada por la película. También es un factor positivo el que logre alejarse (aunque no deje incurrir en ello en ciertos momentos) de cierto maniqueísmo de brocha gorda del que han adolecido muchas películas ambientadas en esos años. Finalmente, debo destacar un brillante final, a la vez sutil e impactante, que es un colofón plenamente coherente con la historia narrada y el sentido de la misma.
En resumen, Pan negro es una película interesante, que gustará a muchos espectadores y que si hubiera contado con una mejor distribución habría tenido, con toda probabilidad, mayor éxito del finalmente alcanzado.


Nota (de 1 a 10): 6,5.

Lo que más me gustó: Casi todos los actores brillan a muy buen nivel. El final.

Lo que menos me gustó: La gran fuerza de la historia principal se ve disminuida por la estructura del guión.



TAMBIÉN LA LLUVIA (o cómo una película va de más a menos)

Título: También la lluvia. AÑO: 2010. NACIONALIDAD: España. DIRECCIÓN: Icíar Bollaín. GUIÓN: Paul Laverty. MÚSICA ORIGINAL: Alberto Iglesias. INTÉRPRETES PRINCIPALES: Gael García Bernal, Luis Tosar, Karra Elejalde, Juan Carlos Aduviri, Raúl Arévalo, Carlos Santos, Vicente Romero y Pau Cólera. PÁGINA WEB OFICIAL: http://www.tambienlalluvia.com/.

Icíar Bollaín siempre ha tratado temas sociales en sus films: la inmigración, desde el punto de vista de los matrimonios mixtos, en Flores de otro mundo (1999); la violencia de género en Te doy mis ojos (2003); o la dificultad para las mujeres de conciliar vida laboral y vida familiar en Mataharis (2007). Esta vez, su preocupación se ha trasladado a Bolivia, a la llamada Guerra del Agua de Cochabamba, acontecida entre los meses de enero y abril del año 2000.





Un equipo cinematográfrico se traslada a dicha ciudad boliviana los días anteriores al inicio de las protestas para realizar una película sobre Cristobal Colón, el descubrimiento de América y las denuncias efectuadas por los dominicos Bartolomé de las Casas y Antonio de Montesinos por la actuación de los españoles en el continente. A lo largo del film, vamos contemplando simultáneamente los avatares de estos profesionales que se ven envueltos en un grave conflicto social y la historia de la película que están rodando. A través de esta estructura, la película transmite el mensaje de que si, a raíz del descubrimiento, Sudamérica cayó en una situación colonial, dicha situación persiste en la actualidad a través de unos mecanismos diferentes, basados, fundamentalmente, en la actuación de las multinacionales. A partir de ahí, se nota mucho más la mano del guionista Paul Laverty (que escribe habitualmente las películas de Ken Loach), y tienen lugar diálogos y situaciones muy familiares para quienes hayan visto alguna película de dicho director británico (para quien pueda estar más interesado en cuestiones ideológicas, comentaré que las ideas de Laverty y Loach se mueven en torno al trostkismo y en muchas de sus películas ello se percibe claramente y aquí se insinúa pero no se manifiesta de modo tan patente).

El gran problema de esta película es su desequilibrio. Tiene una primera mitad muy intensa con secuencias memorables. Cabe destacar aquella en la que, en medio de los ensayos previos, se capta ese momento casi mágico en que Karra Elejalde (un actor alcohólico que interpreta a Cristobal Colón) transmite, sin dejar lugar a la duda, que se ha metido completamente en su personaje; o la de conversación que por teléfono mantiene en inglés Luis Tosar (que interpreta al productor de la película), con una resolución sorprendente; o la de la discusión entre el director del film (papel que recae en Gael García Bernal) con tres actrices bolivianas sobre la realización de una escena… Sin embargo, cuando la película debería ganar en intensidad para narrar los sucesos de la guerra del agua, lo que ocurre es que su ritmo decae y la realización se vuelve más rutinaria y anodina. Únicamente la transformación que experimentan los personajes de Luis Tosar y Gael García Bernal podría elevar el interés de la película pero el hecho queda diluido en medio de un tono gris y monótono.

A pesar de ello, las interpretaciones de Karra Elejalde, Luis Tosar y del debutante Juan Carlos Aduviri (que interpreta a un miembro boliviano del reparto que es, a la vez, líder de las protestas) merecen ser destacadas.

En resumen, la película se deja ver pero con un guión mejor estructurado hubiera conseguido mejores resultados.


Nota (de 1 a 10): 6.

Lo que más me gustó: Las interpretaciones de Karra Elejalde, Luis Tosar y Juan Carlos Aduviri.

Lo que menos me gustó: La película va perdiendo fuerza conforme avanza la historia.

miércoles, 6 de abril de 2011

LOS PRÓXIMOS TRES DÍAS, THE TOURIST Y MÁS ALLÁ DE LA VIDA

Una vez comentadas las principales candidatas a los Óscar, en las próximas dos entradas vamos a comentar tres películas norteamericanas y dos españolas, respectivamente, para ponernos al día. Después de estas dos entradas, habrá una o dos entradas semanales para comentar los estrenos más importantes que se produzcan en las pantallas.

LOS PRÓXIMOS TRES DÍAS (o no sin mi esposa)

TÍTULO: Los próximos tres días. TÍTULO ORIGINAL: The next three days. AÑO: 2010. NACIONALIDAD: USA. DIRECCIÓN: Paul Haggis. GUIÓN: Paul Haggis, adaptando el guión de Fred Cavayé y Guillaume Lemans para la película Pour elle (2008). MÚSICA ORIGINAL: Danny Elfman. INTÉRPRETES PRINCIPALES: Russell Crowe, Elizabeth Banks, Liam Neeson, Olivia Wilde, Brian Dennehy, RZA. PÁGINA WEB OFICIAL: http://www.tripictures.com/thenextthreedays/index.html.

Paul Haggis ha realizado la mayor parte de su tarea profesional como guionista, trabajando durante muchos años en televisión (apareciendo en los créditos de series como Vacaciones en el mar, Arnold, Treintaytantos, La ley de Los Ángeles o Walker, Texas Ranger) y teniendo un considerable éxito en los últimos años cuando ha empezado a desarrollar su labor en el cine (ha escrito los libretos para Million Dolar Baby -2004-, Banderas de nuestros padres -2006- y Cartas desde Iwo Jima -2006- de Clint Eastwood y para las dos últimas películas de la serie Bond: Casino Royale -2006- y Quantum of Solace -2008-). A la vez, su debut como director fue verdaderamente espectacular, ganando el Óscar a la mejor película con Crash (2004). Posteriormente, estrenó En el valle de Elah (2007) que no alcanzó (ni de lejos) el nivel de su primera película.



Sorprende que un guionista de tan larga trayectoria, en vez de afrontar un proyecto absolutamente original, haya hecho un remake de la cinta francesa Pour elle, dirigida en 2008 por Fred Cavayé (y no estrenada en España). Pero parece que al cine norteamericano, en los últimos tiempos, le cuesta encontrar historias nuevas que desarrollar (cuando esté al día con el blog y haya alguna semana con estrenos poco interesantes, dedicaré una entrada al asunto).

En este film, Russell Crowe interpreta a un profesor que ve cómo su vida da un giro radical cuando su esposa es detenida, acusada de haber asesinado a su jefa. Todas las pruebas apuntan hacia ella. Pero él no va a atender a la razón, sino a sus sentimientos. Y hará todo lo que esté en su mano para liberar a su esposa de la cárcel, aunque para ello tenga que utilizar procedimientos al margen de la ley.

En un momento dado de la película, Russell Crowe habla a sus alumnos de Don Quijote. Y, en realidad, ése es el personaje que mejor ejemplifica el comportamiento del profesor: todo lo fía a sus propias emociones, buscando reconstruir su felicidad junto a su particular Dulcinea.

Aunque todo en la película, salvo algún tic innecesario en la interpretación de Crowe y, quizás, una duración algo excesiva, es esencialmente correcto, posiblemente al film le falte punta, quedando en una especie de tierra de nadie en múltiples aspectos: quiere incidir en la fuerza de los sentimientos, pero se impone el aspecto racional en la segunda mitad de la historia; plantea un interrogante desde la primera secuencia que, al final, es resuelto con ambigüedad; toda la película va girando en torno a su protagonista pero van ganando peso personajes insuficientemente perfilados.

En definitiva, podemos decir que se trata de una película amena, bien contada, pero que deja la sensación de haber desaprovechado muchas de las posibilidades de la historia.

Nota (de 1 a 10): 6,5.

Lo que más me gustó: El tercio final logra mantener muy bien el suspense.

Lo que menos me gustó: No resuelve con claridad lo que todos los espectadores van a plantearse desde el principio del film.


THE TOURIST (o si hoy es martes, esto es Venecia, ¡y qué bonitas son las postales!)

TÍTULO: The Tourist. TÍTULO ORIGINAL: The Tourist. AÑO: 2010. NACIONALIDAD: USA. DIRECCIÓN: Florian Henckel von Donnersmarck. GUIÓN: Florian Henckel von Donnersmarck, Cristopher McQuarrie y Julian Fellowes, adaptando el guión de Jerôme Salle para la película El secreto de Anthony Zimmer (2005). MÚSICA ORIGINAL: James Newton Howard. INTÉRPRETES PRINCIPALES: Angelina Jolie, Johnny Depp, Paul Bettany, Timothy Dalton, Rufus Sewell y Christian de Sica. PÁGINA WEB OFICIAL: http://www.sites.sonypicturesreleasing.es/sites/thetourist_site/

Al igual que Los próximos tres días, The Tourist es el remake de una película francesa (en este caso, El secreto de Anthony Zimmer -2005-). Y, también en este caso, el director cuenta con un debut espectacular: La vida de los otros (2006). Con esta cinta, el realizador alemán realizó una disección brutal del régimen comunista de Alemania del Este y un lúcido análisis sobre los mecanismos del poder para controlar y coaccionar a los ciudadanos. Es evidente que esperábamos con gran expectación su segundo título, pero tanta expectación nos ha llevado a una importante decepción.


Para su debut estadounidense, Florian Henckel ha optado por una historia que guarda un claro nexo de unión con su primera película: el poder del Estado para vigilar y controlar a los ciudadanos. Sin embargo, lo que en La vida de los otros era intensidad y profundidad, en The tourist todo es rutina y superficialidad. Podemos ver los típicos planos presuntamente glamourosos de ciudades de entrada glamourosas y la protagonista va desfilando por la pantalla de un modo que en cualquier momento esperamos que alguno de los actores mire directamente a la cámara y diga: “En esta escena, Angelina Jolie luce un modelo de Jean Paul Gaultier ideal para un cocktail nocturno…”. Durante el 75% de la película, Johnny Depp tiene una cara de obnubilado que sólo se justifica ante la apabullante presencia de la diosa Angelina (que luce como tal). En medio de este gris panorama, destaca para mi gusto la interpretación que hace Paul Bettany del inspector John Acheson, un personaje que, en su afán de hacer justicia, incurre en una actitud casi neurótica y obsesiva.

No obstante, el último tercio del film logra elevar el interés gracias a dos giros argumentales que hacen la película vaya de menos a más y logre terminar a buen nivel.

En resumen, aunque no se trata de una obra maestra, The tourist sí nos puede ayudar a pasar dos horas bastante entretenidas.

Nota (de 1 a 10): 5.

Lo que más me gustó: Los giros argumentales en el último tercio del film.

Lo que menos me gustó: Los primeros diez minutos son desastrosos (mejor dicho, catastróficos).


MÁS ALLÁ DE LA VIDA (o vuelvan a clase, por favor)

TÍTULO: Más allá de la vida. TÍTULO ORIGINAL: Hereafter. AÑO: 2010. NACIONALIDAD: USA. DIRECCIÓN: Clint Eastwood. GUIÓN: Peter Morgan. MÚSICA ORIGINAL: Clint Eastwood. INTÉRPRETES PRINCIPALES: Cécile de France, Matt Damon, Frankie McLaren, George McLaren, Bryce Dallas Howard, Thierry Neuvic. PÁGINA WEB OFICIAL: http://wwws.warnerbros.es/hereafter/index.html

Si digo que hay críticos de cine que no comprenden las películas que ven, puede parecer una petulancia, una provocación o una frivolidad por mi parte. Pero mi experiencia me indica que ello es así. Recuerdo cuando en el año 2004 alguien comentó en tono de queja sobre 2046 de Wong Kar-wai (para mí, la mejor película de la pasada década), que todo en ella estaba incompleto y abierto. Cuando vi la película, me pareció bastante claro que de lo que hablaba el director era de cosas que siempre estaban incompletas y abiertas, por lo que su construcción era plenamente coherente con su temática, por lo que me pareció absurdo el reproche. A no ser que quien viera el film no entendiera de la misa a la media…

Algo parecido ha vuelto a suceder con Más allá de la vida de Clint Eastwood.



Comentarios generalizados: “La película empieza muy bien con la secuencia del tsunami. Pero después la película aburre” (más o menos). Pregunta ingenua por mi parte: ¿alguien, entre los sesudos especialistas del mundo del cine que pueblan nuestros medios de comunicación, se han dado cuenta de que el tsunami es una metáfora? El tema de esta película es el de la trascendencia, el de la influencia en nuestras vidas de la convicción de que hay vida más allá de la muerte. La conciencia de esa realidad, aún más, el tener contacto con la misma es algo que altera hasta cualquier hecho mínimo de la vida cotidiana de quien lo vive. Es decir, es como un tsunami que acaba hasta con la más mínima comodidad sobre las que nuestras vidas se pueden asentar.

Con independencia de que se sea creyente o no (se puede no ser comunista y entender El acorazado Potemkin u Octubre de Eisenstein o Novecento de Bertolucci, se puede no ser liberal y entender El manantial de King Vidor, se puede no ser nazi y entender El triunfo de la voluntad de Leni von Riefensthal), considero que es muy grave que se pueda escribir y opinar sobre cine en medios de prestigio y que, tras ver el film, nadie sea capaz de explicar algo tan sencillo como lo que he expuesto en el anterior párrafo. Pero así ha sido.

A partir de ahí, la película podrá gustar o no. Pero lo que no se espera de un especialista es que opine sin haber podido comprender una película que, además, no es esencialmente compleja (no sé cómo se las aviarían muchos si tuvieran que dar una opinión de Persona de Ingmar Bergman, Solaris de Andrei Tarkovski o INLAND EMPIRE de David Lynch).

Entrando propiamente en la película, cabe decir que el cine de temática religiosa siempre se ha inclinado bien por la espectacularidad (Ben-Hur de William Wyler), bien por el intimismo (La palabra de Carl Theodor Dreyer). Por lo que he explicado con anterioridad, aunque el inicio del film nos puede hacer pensar que la tendencia escogida es la primera, conforme avanza vamos comprobando que es la segunda la que predomina con claridad. Siguiendo un esquema similar a las tres primeras películas de Iñárritu (que ya explicamos en una entrada anterior, cuando hablamos de Biutiful), tres historias inicialmente autónomas acaban estando conectadas. Al tratarse de una película que busca provocar la reflexión del espectador, su ritmo es pausado y tranquilo pero, a pesar de ello, no le falta agilidad, gracias, sobre todo, a la hábil forma de encadenar las tramas. Buen trabajo interpretativo de Cécile de France y Matt Damon y el de los gemelos Frankie y George McLaren. Todos ellos llevan a cabo su labor con gran naturalidad, lo cual es difícil en función de la temática del film.

En resumen, aunque se trata de una película para meditar, no por ello deja de ser un producto entretenido que agradará a muchos espectadores.

Nota (de 1 a 10): 8.

Lo que más me gustó: Como a todo el mundo, la secuencia del tsunami.

Lo que menos me gustó: El desenlace necesitaría mayor claridad.