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sábado, 24 de septiembre de 2011

EL ÁRBOL DE LA VIDA (o ¿alguien sabe lo que significa el monolito?)



TÍTULO: El árbol de la vida. TÍTULO ORIGINAL: The Tree of Life. AÑO: 2011. NACIONALIDAD: USA. DIRECCIÓN Y GUIÓN: Terrence Malick. MÚSICA ORIGINAL: Alexandre Desplat. INTÉRPRETES PRINCIPALES: Brad Pitt, Sean Penn, Jessica Chastain, Hunter McCracken, Laramie Eppler. PÁGINA WEB OFICIAL: http://www.twowaysthroughlife.com/.

El árbol de la vida es una película filosófica. A partir de esta premisa, la película puede ser aceptada (y, seguramente, alabada) o puede ser rechazada tajantemente, sin concesiones. Apenas hay espacio para el término medio (algo similar a lo que decíamos en relación a Cisne negro). El director, sabiendo que este film es para un determinado segmento de espectadores y que, por mucho que hubiese intentado simplificar su contenido, la gran mayoría del público no iba a entrar en su juego, ha optado por la radicalidad y ha decidido centrarse en satisfacer a sus incondicionales antes que en renunciar a alguno de los principios a los que debe su prestigio.

Terrence Malick es un director poco prolífico. En 38 años, sólo ha dirigido cinco largometrajes: Malas tierras (1973), Días de cielo (1978), La delgada línea roja (1998), El Nuevo Mundo (2005) y la película que nos ocupa. Su cine, lírico, profundo y reflexivo posee un estilo único e inimitable y en El árbol de la vida lo ha llevado a su máxima expresión. Hay quien ya le ha reconocido su mérito y, así, esta película ha ganado la Palma de Oro a la Mejor Película en el último festival de Cannes. Hay quienes se han mostrado especialmente escépticos respecto a ella, en especial buena parte de la crítica cinematográfica española. Les adjunto enlaces con críticas negativas de Santiago Navajas - http://findesemana.libertaddigital.com/a-que-huele-el-universo-1276239226.html -, Jonás Trueba - http://www.elmundo.es/blogs/elmundo/elvientosopladondequiere/2011/09/19/desarbolando-a-malick.html - y Nacho Gay - http://www.vanitatis.com/cine/critica/2011/arbol-vida-brad-pitt-trailer-critica-sean-penn-fotos-terrence-malick-20110916.html -, para que tengan acceso a opiniones bastante distintas a las que yo les voy a dar en esta entrada del blog. Curiosamente, Carlos Boyero, crítico de El País - http://www.elpais.com/articulo/cultura/Terrence/Malick/poetica/pantalla/elpepicul/20110517elpepicul_2/Tes - parece que, más bien, le gustó y admitió, con una sinceridad que le honra, que no acabó de entenderla del todo. Este último detalle es importante, porque de la lectura de las críticas negativas que señalo se deduce que quienes la han realizado no han comprendido el film en absoluto. 

Creo que decir, como se ha dicho, que el mensaje se reduce a un conjunto de ideas New Age es simplificar totalmente lo que El Árbol de la Vida quiere expresar (y, de hecho, me parece una afirmación incorrecta) y es desconocer sus fuentes reales de inspiración. El árbol de la vida guarda íntima relación con el deísmo (http://es.wikipedia.org/wiki/Deísmo) y, a través de él, con muchos aspectos fundamentales de la cultura norteamericana, en particular con Henry David Thoreau y su obra Walden (http://es.wikipedia.org/wiki/Henry_David_Thoreau).


 
Si hubiera que encontrar un film con el que éste pudiera estar emparentado, la referencia sería bastante clara: 2001: Una odisea del espacio (1968) de Stanley Kubrick. De hecho, en función de los primeros detalles que se filtraron del film, hubo hasta quien afirmó que se trataba de una película de ciencia-ficción (http://blogs.libertaddigital.com/confesiones-de-un-cinepata/terrence-malick-ha-vuelto-8733/), cosa completamente inexacta. Efectivamente, ambas películas son ambiciosas en su afán por transmitir su visión de la trascendencia. Efectivamente, ambas películas pueden resultar, en su primera visión (y, posiblemente no sólo en su primera visión), crípticas, enigmáticas y casi indescifrables. Efectivamente, ambas películas trazan un arco temporal que se extiende desde nuestro más remoto pasado a los tiempos actuales (y al futuro). Efectivamente, el mensaje que pretenden expresar ambos films es (y lo digo en serio) bastante más sencillo y fácil de entender de lo que las apariencias indican. Sin embargo, lo que había de contención y esquematismo en la película de Kubrick, es absoluto barroquismo y desbordamiento visual en El árbol de la vida. Por ello, a pesar de la profundidad conceptual del film, no deja de ser un deslumbrante espectáculo que inunda los sentidos y le otorga gran categoría estética.

Paralelamente, las interpretaciones  de Brad Pitt, Jessica Chastain y los niños Hunter McCracken y Laramie Eppler son sensacionales en su sencillez, logrando dar humanidad y verosimilitud a los personajes que interpretan.

(En los siguientes 3 párrafos –en cursiva-, se revelan ciertos detalles de la película. Si lo desean, pueden proceder a  su lectura sólo si ya han visto el film).




El gran centro de la película es la terrible verdad filosófica que expresa y que da coherencia a todo el torrente de imágenes que articulan la trama. A partir de la cita bíblica inicial, perteneciente al Libro de Job –Capítulo 38, versículos 4-7-  (“¿Dónde estabas tú cuando yo fundaba la tierra? Házmelo saber, si tienes inteligencia. ¿Quién ordenó sus medidas, si lo sabes? ¿O quién extendió sobre ella cordel? ¿Sobre qué están fundadas sus bases? ¿O quién puso su piedra angular, cuando alababan todas las estrellas del alba y se regocijaban todos los hijos de Dios?”), la historia expresa la profunda soledad del ser humano en medio de sus circunstancias. Los seres humanos pensamos que somos los amos del mundo y del Universo, cuando no existe ninguna evidencia que nos diga que no seamos más que unos inquilinos que disfrutamos de nuestro entorno a título de simple usufructo, que no seamos más que meros elementos decorativos de un escenario grandioso y mayestático . Si, antaño los reyes de la Creación en la Tierra fueron los dinosaurios, estos se extinguieron y nada quedó de ellos. No muy distinto parece que pueda ser nuestro destino (http://www.pagina12.com.ar/diario/suplementos/futuro/13-2115-2009-03-29.html).  En definitiva, el Cosmos -con independencia  que el mismo tenga un posible Creador (tema que, pienso, no es lo más relevante dentro del contexto de la película)- ha nacido y se expande con majestuosa belleza y, a la vez, con absoluta indiferencia hacia los seres que lo pueblan. El Cosmos no está hecho a la medida del hombre, sino sólo a la medida de sí mismo. Muchas de las acciones que llevamos a cabo en la vida parten de la falta de humildad y de nuestra arrogancia por ignorar elementos fundamentales de nuestra existencia y ello nos lleva, en muchos casos, a la frustración, a la decepción y al rechazo de quienes nos rodean. Sólo el reconocimiento de nuestra condición común y el amor sin soberbia hacia los demás y hacia la Naturaleza nos permitirán reconciliarnos con nosotros mismos y con el mundo que nos rodea.

Opino que la gran y absoluta genialidad de la película es establecer un paralelismo entre este planteamiento y los avatares de una familia americana de los años 50. Los niños que protagonizan El árbol de la vida son una metáfora de nosotros mismos. La década en que se desarrolla el núcleo de la acción representa una época idealizada por el imaginario colectivo norteamericano. Una época de crecimiento económico, de estabilidad política y de importante desarrollo social y cultural. En este entorno (símil del Universo majestuoso en que se desarrolla la existencia humana), frente a una madre comprensiva, hay un padre que, detrás de su apariencia amable, esconde unos rasgos fuertemente autoritarios (símil de un Universo a la vez hermoso y hostil). En un momento dado, el hijo mayor adquiere conciencia de que su familia (de acuerdo con la cultura del momento histórico en que tiene lugar la trama) está hecha a imagen y semejanza de la voluntad de su padre, teniendo la madre un papel meramente subordinado. Y, entonces, el hijo mayor le llega a decir a su padre que sabe que, en el hogar en el que vive, él no tiene más influencia que la que llegaría a tener un simple invitado, que ese hogar está bajo la propiedad y dominio de su padre y que nada pinta en él (y esta situación no es más que el símil del papel del ser humano en el Cosmos tal como hemos expuesto más arriba). Y es a partir de este clímax, del cual surge, en un primer momento, la rebeldía y el inconformismo, de donde nacerá el camino de la serenidad y la reconciliación.

Sin embargo, el resultado de toda esta reflexión del film no es el pesimismo. La película es, paradójicamente, optimista e invita a no acomodarse en un inmovilismo inútil. En primer lugar, porque se censura la resignación frente a la tristeza y el desencanto. Y, en segundo lugar, porque una vez que adquirimos conciencia del Universo en que vivimos, el film no invita a la pasividad sino, más bien, al ejercicio activo de unos valores de autorrealización, solidaridad  y respeto.

 
En suma, ver esta película supone un reto para el espectador y requiere de su complicidad para extraer la esencia profunda de la misma. Quien decida afrontarlo, podrá disfrutar de una obra maestra absoluta e irrepetible, que dejará en él una huella indeleble.

Nota (de 1 a 10): 10.

Lo que más me gustó: si se conecta con ella, la película se convierte en una experiencia visual, intelectual y emocional de primer orden.

Lo que menos me gustó: va a resultar casi imposible que no sea una película minoritaria.

En el siguiente enlace, pueden ver tráiler de la película:


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TRAILERS DE PRÓXIMOS ESTRENOS


LA VOZ DORMIDA

El director sevillano Benito Zambrano, tras Solas (1999) y Habana blues (2005), estrena esta adaptación de la novela homónima de Dulce Chacón. Exhibida en el Festival de Cine de San Sebastián (cuyo palmarés comentaremos en la próxima entrada), podrá verse en las pantallas desde el próximo 21 de octubre.





THE DARK KNIGHT RISES

Este verano, hemos podido ver el trailer de la tercera entrega de la saga Batman dirigida por Christopher Nolan: The Dark Knight Rises (que, si tiene la misma traducción que el cómic, debería titularse en español El regreso del caballero oscuro). Para el verano de 2012, se prevé el esperado estreno de este film.








sábado, 17 de septiembre de 2011

COWBOYS & ALIENS (o bailando no con lobos sino con extraterrestres)



TÍTULO: Cowboys & Aliens. TÍTULO ORIGINAL: Cowboys & Aliens. AÑO: 2011. NACIONALIDAD: USA. DIRECCIÓN: Jon Favreau. GUIÓN: Roberto Orci, Alex Kurtzman, Damon Lindelof, Mark Fergus, Hawk Ostby y Steve Oedekerk, adaptando la novela gráfica homónima de Scott Mitchell Rosenberg. MÚSICA ORIGINAL: Harry Gregson-Williams. INTÉRPRETES PRINCIPALES: Daniel Craig, Harrison Ford, Olivia Wilde, Abigail Spencer, Sam Rockwell, Paul Dano, Chris Browning, Adam Beach, Ana de la Reguera, Keith Carradine, Noah Ringer. PÁGINA WEB OFICIAL: http://www.cowboysandaliensintl.com/intl/es/.
 
Hasta los años 60, el cine de Hollywood era un cine de películas de género. Lo normal era que cada cinta se pudiera encasillar dentro de unos patrones temáticos y estilísticos perfectamente definidos (comedia, musical, western, cine negro, melodrama, aventuras, peplum…). Ello ayudaba a que los profesionales adquirieran oficio en sus respectivas tareas y, paradójicamente, tendía a estimular la creatividad de los autores, en la medida en que, al estar fijado de antemano el tratamiento que había que dar a las tramas y los rasgos básicos que las mismas debían tener (lo cual suele ser lo más difícil, complicado y laborioso), podían centrarse en las historias a narrar, en su originalidad, en su perfeccionamiento y en la forma de desarrollarlas de forma novedosa.



 











                                   
















 

A partir de los 60, los géneros tradicionales entraron en una fase de decadencia (hecho que se intentó eludir con la realización de grandes superproducciones como Rebelión a bordo -1962- de Lewis Milestone o Cleopatra -1963- de Joseph L. Mankiewicz o la introducción de nuevos formatos de gran amplitud de pantalla, como el cinerama, sistema bajo el que se rodó La conquista del Oeste -1962-, codirigida por John Ford, Henry Hathaway y George Marshall) y, ya en los 70, se produjo su entrada en una crisis manifiesta.   



 
 
















El agotamiento temático, los aumentos de los costes de producción, los efectos de la difusión masiva de la televisión y, pienso que, sobre todo, los cambios de preferencia del público desembocaron en la quiebra de los mismos y en la búsqueda de nuevos modelos de referencia que sirvieran para cubrir el hueco creado. Las posibilidades que surgieron se centraron en la reformulación de algunos de los géneros tradicionales que podían ser reencauzados dentro de los nuevos gustos de los espectadores (en el caso del cine negro, esta vía fue especialmente sobresaliente con la realización por parte de Francis Ford Coppola de El Padrino -1972- y El Padrino. Parte II -1974-), la creación de nuevos géneros (comedia dramática, comedia romántica, cine de acción), el nacimiento de las franquicias cinematográficas (tipo La guerra de las galaxias) y/o la aparición de películas que mezclaban géneros diversos sin que el resultado final se pudiera adscribir a un género concreto. En este último caso, podemos situar la obra de Ridley Scott, quien en Alien (1979) combinaba el cine de ciencia ficción y el cine de terror y en Blade Runner (1982) hacía lo mismo con el cine de ciencia ficción y el cine negro. En la misma órbita, se situaba toda la saga de Indiana Jones de Steven Spielberg, en cuyos films aparecían ecos del cine de Howard Hawks, de Frank Capra, de Victor Fleming, de Fritz Lang, de John Huston o de los seriales folletinescos de los años 30 y 40…





 


















                     
    




















Más recientemente, el cine de Quentin Tarantino sigue el mismo espíritu: Kill Bill. Vol. 1 (2003) y Kill Bill. Vol. 2 (2004) estaban influidas por el spaghetti-western, el giallo (cine de terror italiano), el cine de samuráis, el cine de artes marciales, el cómic manga, el blaixploitation (el cine interpretado por actores negros que estuvo de moda en Estados Unidos a principios de los 70)…

                    

 



















De todas formas, donde se ha rizado el rizo hasta extremos difícilmente imaginables ha sido en Cowboys & Aliens.



Jon Favreau, quien, anteriormente, había dirigido Iron Man (2008) e Iron Man 2 (2010), combina en este film el western con el cine de extraterrestres con un desparpajo y una claridad de ideas merecedores  de nuestro aplauso. En vez de conformarse con realizar un producto de escasa calidad, el equipo que ha intervenido en la cinta se ha tomado en serio la trama (cuando lo habitual, en casos similares, ha sido echar mano de la ironía y el humor y tomarse un poco a broma el asunto) y ha creado una película digna que no deja de ser muy entretenida.

Posiblemente, el gran problema de esta película es que se nos hace difícil aceptar la mezcla que la película nos propone. Sin embargo, desde la primera escena, en que un cowboy (interpretado por Daniel Craig) aparece en medio del desierto, con una extraña y sofisticada pulsera adosada a su muñeca, pocas pegas desde el punto de vista técnico y narrativo se le pueden poner al film (aunque parece milagroso, el guión acaba cuadrando muy satisfactoriamente, siempre que no rechacemos de antemano la fantasía que impregna toda la trama).

El trío protagonista (Daniel Craig, Harrison Ford y Olivia Wilde) luce a muy buen nivel y los efectos especiales, sin ser espectaculares, sí son eficaces. Adicionalmente, algunas de las historias personales que se desarrollan (como la del sheriff y su nieto, o la que vincula a los personajes interpretados por Harrison Ford y Adam Beach) logran ser lo emocionalmente consistentes como para que no veamos la película como un mero film de acción y logren dar una calidez a la trama que hace que tendamos a empatizar con ella conforme la misma avanza.

En suma, me parece que Cowboys & Aliens es un espectáculo que, aunque no tenga excesivas pretensiones, sí que  nos puede hacer pasar unas dos horas bastante agradables en una sala de cine y que nos muestra cómo la asociación insólita e inesperada de elementos aparentemente irreconciliables puede ser muy fructífera de cara a ofrecer propuestas novedosas e interesantes.

Nota (de 1 a 10): 7.

Lo que más me gustó: Si a Jon Favreau le ha salido bien esta película, ya se puede atrever casi con cualquier cosa.

Lo que menos me gustó: en las escenas de violencia, Daniel Craig está empezando a ser excesivamente repetitivo.

En el siguiente enlace, pueden ver trailer del film.

 



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MOSTRA DE VENECIA 2011

La película rusa Faust del director ruso Alexander Sokurov ganó el León de Oro a la mejor película en la 68ª edición de la Mostra de Venecia, celebrada entre el 31 de agosto y el 10 de septiembre de 2011.

El León de Plata a la mejor dirección lo consiguió el realizador chino Shangjun Cai por su trabajo en el film Ren shan ren hai (Gente de la montaña, gente de la ciudad).  

La Copa Volpi a la mejor interpretación femenina fue para la actriz hongkonesa Deannie Yip, por su interpretación en Tao Jie (A simple life) mientras que la Copa Volpi a la mejor interpretación masculina fue a parar a Michael Fassbender (conocido por sus trabajos en Malditos bastardos y X-Men: Primera generación), por su participación en Shame de Steve McQueen, película que partía como una de las favoritas pero que tuvo que conformarse sólo con este galardón.

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TRAILERS DE PRÓXIMOS ESTRENOS

La edición digital del diario EL MUNDO del día 16 de septiembre de 2011, denominaba a las películas de terror y de ciencia ficción españolas como "atípicas" (http://www.elmundo.es/elmundo/2011/09/16/cultura/1316182169.html). Como ya indicamos cuando hablamos de Los ojos de Julia, existe una tradición hispana en este tipo de películas que no, por ser insuficientemente valorada y conocida, es menos real. Eva e Intruders vienen a corroborar este hecho.

EVA

Eva es la opera prima de Kike Maíllo. Protagonizada por Daniel Brühl, Marta Etura, Lluis Homar y Alberto Amman, se trata de una cinta de ciencia-ficción cuyo tema está emparentado con A. I. Inteligencia artificial (2001) de Steven Spielberg. El film ha sido presentado, fuera de concurso, en la reciente Mostra de Venecia y podrán verla en las pantallas a partir del 28 de octubre.





 INTRUDERS

Juan Carlos Fresnadillo realiza su tercer largometraje después de Intacto (2001) y 28 semanas después (2007). Nuevamente, realiza una cinta de terror (la cual ha sido seleccionada para inaugurar el Festival de Cine de San Sebastián, el cual se está celebrando en estas fechas), con un reparto internacional encabezado por Clive Owen, Pilar López de Ayala, Carice van Houten y Daniel Brühl. En este caso, sólo tendremos que esperar al 7 de octubre para poder verla en los cines.







CON DERECHO A ROCE

Justin Timberlake y Mila Kunis después de haber triunfado con La red social y Cisne negro, respectivamente, estrenan ahora esta comedia, la cual parece tener cierto parecido con la reciente Sin compromiso, que protagonizaron Natalie Portman y Ashton Kutcher. Si quieren tener algún aperitivo antes de la fecha de su estreno (23 de septiembre), no se pierdan la página web tan divertida que han hecho (http://www.sites.sonypicturesreleasing.es/sites/conderechoaroce_site/).



MISIÓN IMPOSIBLE 4: PROTOCOLO FANTASMA

El próximo 16 de diciembre se estrena la cuarta entrega de la saga Misión: Imposible. Si las tres películas anteriores fueron dirigidas por realizadores experimentados (Brian de Palma, John Woo y J. J. Abrams), en esta ocasión al frente del proyecto se encuentra Brad Bird, en cuya trayectoria figuran tan sólo films de dibujos animados (Los increíbles, Ratatouille). Veremos cuál ha sido el resultado final.


miércoles, 7 de septiembre de 2011

LA PIEL QUE HABITO (o, por favor, comprueben si John Ford, Alfred Hitchcock o Martin Scorsese han escrito o no los guiones de sus películas)


 
TÍTULO: La piel que habito. TÍTULO ORIGINAL: La piel que habito. AÑO: 2011. NACIONALIDAD: España. DIRECCIÓN: Pedro Almodóvar. GUIÓN: Pedro Almodóvar, con la colaboración de Agustín Almodóvar, adaptando la novela Tarántula de Thierry Jonquet. MÚSICA ORIGINAL: Alberto Iglesias. INTÉRPRETES PRINCIPALES: Antonio Banderas, Elena Anaya, Marisa Paredes, Blanca Suárez, Jan Cornet, Fernando Cayo, Barbara Lennie, Eduard Fernández, Buika, José Luis Gómez, Roberto Álamo, Susi Sánchez, Ana Mena. PÁGINA WEB OFICIAL: http://www.lapielquehabito.com/.

Pedro Almodóvar es un director que suscita pasiones encontradas. Aunque cabe decir que, en gran medida, ello se debe, básicamente, a motivos extracinematográficos y no tanto a un análisis más o menos concienzudo de sus películas. No es tanto que el cine de Almodóvar guste o deje de gustar como que gusta más o menos en la medida en que se hace presente el personaje que Almodóvar ha creado de sí mismo. Con independencia de que ello provoque ciertos tics y ciertas escenas fuera de lugar en sus films, no es menos verdad que tanto los detractores (http://www.elpais.com/articulo/cultura/Carlos/Boyero/lamentaria/Almodovar/quedara/afonico/elpepucul/20090604elpepucul_6/Tes), como los partidarios de su obra (http://www.uimp.es/blogs/prensa/2008/08/04/molina-foix-y-alaska-coinciden-en-que-el-misterio-de-almodovar-se-debe-a-su-rara-capacidad-de-atraer-tanto-al-publico-como-a-los-directores-con-un-cine-personal-y-agresivo/), más que hablar, como sería lo normal, de las virtudes o defectos de sus películas, suelen acabar hablando de su personalidad, de su estilo y de lo que representa su trayectoria.

Si nos atenemos a criterios estrictamente cinematográficos, mi opinión es más templada: la carrera de Almodóvar, como la de todo creador más basado en la intuición que en la consistencia, es una montaña rusa donde alternan las obras maestras (¿Qué he hecho yo para merecer esto! -1984-, Mujeres al borde de un ataque de nervios -1988-, Hable con ella -2002-, La mala educación -2004, aunque esta última no fue recibida con mucho entusiasmo por la crítica-), algunas películas buenas (La ley del deseo -1987-, Tacones lejanos -1991-, Carne trémula -1997-, Todo sobre mi madre -1999-), alguna interesante (Matador -1986-), alguna sobrevalorada (Volver -2006-) y un par de ellas, simplemente espantosas (Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón -1980-, Kika -1993-). De ahí que podamos decir, por un lado, que afirmar que es un genio constituye una exageración y, por otro, despreciarlo como un director mediocre representa una injusticia. Igualmente, por todo ello, cada vez que el manchego estrena un nuevo film, (en este caso, La piel que habito), es una incógnita con qué nos vamos a encontrar.



La piel que habito es un viejo proyecto que se anunció durante el Festival de Cannes del año 2002 (http://www.buscacine.com/cinealdia/noticias/1022411537.htm), siendo Antonio Banderas y Penélope Cruz quienes, originalmente, iban a formar la pareja protagonista. Al final, Penélope Cruz se descolgó del proyecto y ha sido Elena Anaya quien ha ocupado su lugar.

La película, que se inscribe dentro del género de cine negro (aunque también tiene ribetes de ciencia ficción), tiene como punto de partida la extraña relación de un cirujano plástico con una paciente, de forma que el desarrollo de la historia consistirá en la progresiva revelación de lo que dicha relación oculta. El film, en gran medida, acaba siendo un compendio de las virtudes y defectos de Almodóvar como director. Con su habitual talento visual y su audacia narrativa, el espectador disfrutará con un espectacular giro narrativo que esconde el guión en torno a la mitad del film y que, en mi opinión, es uno de los mejores que he visto desde Una mente maravillosa (2001). Pero, como también suele ser habitual en el manchego, el guión sufre de un colosal desmadre estructural de forma que, por ejemplo, le sobra ostensiblemente la subtrama que se origina con la aparición del personaje de Zeca (Roberto Álamo), provocando que el tiempo que ocupa la misma le reste oportunidad a la trama principal de perfilarse con mayor precisión y de desarrollar todo su potencial.

El nivel interpretativo es, en general, destacable, pero, en mi opinión cabe reseñar los trabajos de Antonio Banderas, Elena Anaya y Blanca Suárez. La música de Alberto Iglesias, la fotografía de José Luis Alcaine, la dirección artística de Carlos Bodelón y el diseño de vestuario de Paco Delgado contribuyen a crear la contundente y preciosista estética del film, habitual en la obra de Almodóvar. Tampoco resulta ajena a ello la intervención de la cantante Concha Buika. Una vez finalizada la película, veremos que la elección de esta cantante esconde más claves de las que inicialmente podía pensarse.
En resumen, es una lástima que la película, que cuenta con poderosas virtudes, resulte, al final, fallida por culpa de unos graves errores de guión que podían haber sido fácilmente subsanados.Otra vez será, Pedro…

Nota (de 1 a 10): 5.
 

Lo que más me gustó: el golpe de efecto que el guión esconde.

Lo que menos me gustó: la subtrama donde aparece el personaje de Zeca.

Les adjunto trailer de la película:




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TRAILERS DE PRÓXIMOS ESTRENOS

MIENTRAS DUERMES
Jaume Balagueró, quien ya nos había aterrorizado con Los sin nombre (1999), Darkness (2002), Frágiles (2005), [REC] (2007) y [REC]2 (2009), quiere seguir haciéndolo con Mientras duermes, un thriller psicológico protagonizado por Luis Tosar y Marta Etura. El estreno, para el 14 de octubre.





NO HABRÁ PAZ PARA LOS MALVADOS
Menos habrá que esperar (al 23 de septiembre) para ver la última muestra de cine negro de Enrique Urbizu (Todo por la pasta -1991-, La caja 507 -2002-, La vida mancha -2003-). Protagonizada por José Coronado, promete satisfacer a los amantes del género. Para los que creen que no sólo de la novela negra sueca y sus adaptaciones al cine vive el aficionado...




También estrenarán este otoño dos de los grandes. Los siguientes títulos pueden ser dos de los platos fuertes del año:

CONTAGION
No sabemos si Steven Soderbergh (Sexo, mentiras y cintas de vídeo -1989-, Un romance muy peligroso -1998-, Erin Brockovich -2000-, Traffic -2000- Ocean´s Eleven -2001-, Che -2008-) decidirá retirarse o no para dedicarse a la pintura - confidencia que parece ser que realizó a Matt Damon y que éste se dedicó a propalar a los medios en menos de 24 horas, para sorpresa del director-. Por si acaso, aún podemos ver este film, que ha sido estrenado durante la Mostra de Venecia, la cual se está celebrando en estas fechas. Espectáculo visual y calidad aunados, como suele ser costumbre en este realizador.







EL ÁRBOL DE LA VIDA
Para quienes disfruten de films intelectuales, tendrán un gran festín con la última creación de Terrence Malick (Malas tierras -1973-, Días de cielo -1978-, La delgada línea roja -1998-, El Nuevo Mundo -2005-). A partir del 16 de septiembre, tendrán la ocasión de poner a trabajar a destajo a sus neuronas...







jueves, 1 de septiembre de 2011

CAPITÁN AMÉRICA: EL PRIMER VENGADOR y SUPER 8



CAPITÁN AMÉRICA: EL PRIMER VENGADOR (o los militares los prefieren altos)

TÍTULO: Capitán América: El primer vengador. TÍTULO ORIGINAL: Captain America: The First Avenger. AÑO: 2011. NACIONALIDAD: USA. DIRECCIÓN: Joe Johnston. GUIÓN: Christopher Markus y Stephen McFeely, basado en los comics creados por Joe Simon y Jack Kirby. SICA ORIGINAL: Alan Menken y Alan Silvestri. INTÉRPRETES PRINCIPALES: Chris Evans, Hayley Atwell, Sebastian Stan, Tommy Lee Jones, Hugo Weaving, Toby Jones, Dominic Cooper, Richard Armitage, Stanley Tucci y Samuel L. Jackson,. PÁGINA WEB OFICIAL: http://captainamerica.marvel.com/intl/es/main.html.

Para entender el sentido último de este film, hay que esperar a que terminen de pasar todos los títulos de crédito y ver las imágenes que le siguen. Descubriremos, entonces, que esta película (tal como anuncia en el título) no es más que la antesala de la que está planeada como plato fuerte de la saga: Los Vengadores, cuyo estreno está previsto para el verano de 2012. Es así que esta cinta es, en gran medida, una presentación del personaje central y el inicio de una historia que tiene que dar mucho más de sí. Ello explica algunos hechos chocantes que, si no, no nos acaban de cuadrar (el curioso desenlace, la larga introducción hasta que la acción propiamente dicha cobra ritmo…). Una vez que se tiene en cuenta este punto, podemos entender el film como una excelente película de acción con interesantes matices.


Dirigida por Joe Johnston (cuya película más conocida quizás sea Jumanji -1995-), su trama, a la vez que respeta los rasgos esenciales que el protagonista tenía en el cómic, ofrece un contrapunto irónico digno de tener en cuenta. No es un secreto que el Capitán América (personaje creado en 1941 por Joe Simon y Kack Kirby con el fin de que fuera un elemento de propaganda durante la II Guerra Mundial) es el superhéroe más identificado con los valores relacionados con el patriotismo y la idiosincrasia estadounidenses. Y ello sigue siendo así en la película, donde Steve Rogers es elegido para convertirse en un supersoldado en virtud de su propia condición moral y de su carácter innato, en la convicción de que hay que buscar a alguien que esté predestinado a la virtud y, por ello, al éxito. Simultáneamente, a esta idílica visión se contraponen los momentos cercanos a la comedia en los que el protagonista participa en la campaña para cubrir las emisiones de bonos de guerra. Dichas secuencias parecen mostrar el lado impostado y teatral en la construcción del personaje y, aunque sólo se trata de un breve paréntesis, sí que expresan un cierto escepticismo cercano al mostrado por Clint Eastwood en Banderas de nuestros padres (2006). Estas dos caras de la moneda se resuelven, finalmente, en la apelación a los valores profundos del personaje y no a los meramente superficiales, de forma que cabe interpretar la narración como la necesidad para Estados Unidos como país de rescatar un espíritu y una actitud que han caído en el olvido pero que todavía puede recuperar.

Realizada a un ritmo ágil pero no desenfrenado, el film cuenta con las estimables interpretaciones de todo el reparto (Chris Evans, Hugo Weaving, Toby Jones, Stanley Tucci y, en especial, Tommy Lee Jones y Hayley Atwell) y unos efectos especiales brillantes en la medida en que, sin ser colosalmente espectaculares, logran ser eficaces en la medida en que pasan desapercibidos.

En definitiva, El Capitán América: El primer vengador es un gran y digno espectáculo visual que nos logra hacer pasar dos horas sin que estemos pendientes del reloj y que, a la vez, logra transmitir con sutileza el drama interior que, al final, acaba sacudiendo al personaje y que constituye el sacrificio final que tendrá que asumir por el destino que ha elegido.

NOTA (de 1 a 10): 7.

LO QUE MÁS ME GUSTÓ: El nivel de las interpretaciones y el ritmo de la historia.

LO QUE MENOS ME GUSTÓ: La dinámica narrativa de EXPOSICIÓN-NUDO-DESENLACE no acaba de estar bien ajustada.


SUPER 8 (o recordemos aquellos maravillosos años…)

TÍTULO: Super 8. TÍTULO ORIGINAL: Super 8. AÑ: 2011. NACIONALIDAD: USA. DIRECCIÓN Y GUIÓN: J. J. Abrams. MÚSICA ORIGINAL: Michael Giacchino. INTÉRPRETES PRINCIPALES: Joel Courtney, Elle Fanning, Riley Griffiths, Ryan Lee, Gabriel Basso, Zach Mills, Kyle Chandler, Ron Eldard, Noah Emmerich, Glynn Turman y David Gallagher. PÁGINA WEB OFICIAL: http://www.super8-movie.com/intl/es/.

En Super 8, J. J. Abrams (creador de las series Alias y Perdidos y que, anteriormente, ha dirigido Misión Imposible 3 -2006- y Star Trek -2009- y producido Monstruoso -2008-), ha realizado un homenaje en toda regla a los años 80 y a una de sus manifestaciones más relevantes: el cine de Steven Spielberg, quien ejerce, además, como productor de esta película. Durante aquella década, Spielberg dirigió, en unos casos (En busca del arca perdida -1981-, E. T. El Extraterrestre -1982-, Indiana Jones y el templo maldito -1984-, El color púrpura -1985-, El imperio del sol -1987- e Indiana Jones y la última cruzada -1989-) y produjo, en otros (Poltergeist -1982-, Gremlins -1984-, Los Goonies -1985-, Regreso al futuro -1985-, El secreto de la pirámide -1985-) una larga serie de títulos que marcaron una época y a toda una generación. Tomando como inspiración a Los Goonies y a alguna otra película que no vamos a desvelar para no destripar el núcleo de la trama, Super 8 es una auténtica gozada que despertará en muchos la nostalgia y, en otros, quizás, el amor por el cine más puro y auténtico.

Siendo J. J. Abrams uno de los creadores que más ha renovado el género de la ficción televisiva y, en menor medida, cinematográfica, es relevante que reivindique una época anterior como inspiración de su obra. Porque esta reivindicación no es un mero brindis al sol sino que todo el espíritu de la película está impregnado de las películas homenajeadas. Ello otorga una inmensa frescura a la película y hace inolvidable a todo el elenco de jóvenes protagonistas.

La trama principal, centrada en unos niños que intentan rodar una película amateur con una modesta cámara de super 8, da un giro cuando, durante una escena grabada en la estación de ferrocarril, se produce un accidente de un tren del ejército. Los niños huyen y la cámara sigue grabando y, entonces, en la película quedará reflejando lo que el tren esconde y que se constituye en el misterio central del film. El proceso de revelación de este misterio está meticulosamente calculado, de forma que, hasta que no pasan noventa minutos de película, no quedará finalmente desvelado.

La intensidad narrativa se irá intensificando gradualmente hasta alcanzar un clímax final donde todas las tramas quedarán enlazadas y resueltas y se producirá el final del proceso de maduración del protagonista, elemento no explícito pero que constituye el esqueleto secreto del film.

NOTA (de 1 a 10): 8.

LO QUE MÁS ME GUSTÓ: la frescura de la película y lo bien que oculta el misterio principal.

LO QUE MENOS ME GUSTÓ: hay cierta confusión narrativa cuando los niños vuelven al pueblo tras escapar del albergue.