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sábado, 22 de diciembre de 2012

LA VIDA DE PI (o “caló el chapeo… miró de soslayo, fuese y no hubo nada”) *

Hoy, en nuestra entrada, hablaremos de La vida de Pi y daremos nuestra opinión sobre lo mejor de 2012.



LA VIDA DE PI (o “caló el chapeo… miró de soslayo, fuese y no hubo nada”) *

TÍTULO: La vida de Pi. TÍTULO ORIGINAL: Life of Pi. AÑO: 2012. NACIONALIDAD: Estados Unidos-China. DIRECCIÓN: Ang Lee. GUIÓN: David Magee, adaptando la novela homónima de Yann Martel. MÚSICA ORIGINAL: Mychael Danna. INTÉRPRETES PRINCIPALES: Suraj Sharma, Irrfan Khan, Ayush Tandon, Gautam Belur, Adil Hussain, Tabu, Ayan Khan, Mohd Abbas Khaleeli, Vibish Sivakumar, Rafe Spall, Gérard Depardieu. PÁGINA WEB OFICIAL: http://www.lifeofpimovie.com/ y http://www.fox.es/cinema/la_vida_de_pi-20594/20594/.

Cuando, en una entrada reciente, hablábamos de En la casa, comentamos la importancia que el término “relato” ha adquirido en el discurso intelectual contemporáneo. Todo lo que dijimos entonces (http://elespectadorimpertinente.blogspot.com.es/2012/12/en-la-casa-o-como-estamos-rodeados-de.html) sería aplicable a La vida de Pi. Porque este film también trata sobre un relato precario e invadido por la incertidumbre. Lo que puede parecer más sorprendente de todo es que la película haya sido dirigida por Ang Lee. Este director chino, nacido en Taiwán, que empezó reflexionando sobre cómo las circunstancias sociales y las mentalidades dominantes condicionan los comportamientos individuales en títulos como El banquete de bodas (1993), Comer, beber, amar (1994), Sentido y sensibilidad (1995), La tormenta de hielo (1997) y, aunque no fuera tan obvio, Tigre y dragón (2000), amplió sutilmente la temática de su cine al abordar el conflicto entre nuestros cuerpos y nuestras mentes en Hulk (2003), Brokeback Mountain (2005) y Deseo, peligro (2007). En La vida de Pi, Lee traza un anillo concéntrico más en su mundo y aborda la cuestión de Dios y de la religión. En el fondo, no resulta tan extraño: a fin de cuentas, de lo que pretende hablarnos es del enfrentamiento profundo de todo ser humano con su propia realidad.






domingo, 16 de diciembre de 2012

EL HOBBIT: UN VIAJE INESPERADO (o la nostalgia detrás de la máscara)



TÍTULO: El Hobbit: Un viaje inesperado. TÍTULO ORIGINAL: The Hobbit: An Unexpected Journey. AÑO: 2012. NACIONALIDAD: Estados Unidos-Nueva Zelanda. DIRECCIÓN: Peter Jackson. GUIÓN: Fran Walsh, Philippa Boyens, Peter Jackson y Guillermo del Toro, adaptando la novela El Hobbit de J. R. R. Tolkien. MÚSICA ORIGINAL: Howard Shore. INTÉRPRETES PRINCIPALES: Martin Freeman, Ian McKellen, Richard Armitage, Ken Stott, Graham McTavish, William Kircher, James Nesbitt, Stephen Hunter, Dean O´Gorman, Aidan Turner, John Callen, Peter Hambleton, Jed Brophy, Mark Hadlow, Adam Brown, Ian Holm, Elijah Wood, Hugo Weaving, Cate Blanchett, Christopher Lee, Andy Serkis, Sylvester McCoy. PÁGINA WEB OFICIAL: http://wwws.warnerbros.es/thehobbitpart1/index.html.

Tras la laboriosa adaptación de El señor de los anillos, que Peter Jackson regresara al universo de J. R. R. Tolkien y decidiera llevar a la pantalla El Hobbit parecía una decisión arriesgada. Iban a ser inevitables las comparaciones y el listón estaba altísimo. Para comprobarlo, basta con ver la calificación que los usuarios de la página web www.imdb.com dan a las tres películas de la trilogía al día de hoy: La comunidad del anillo (2001) tiene una nota media de 8,8 y figura en el puesto número 13 entre las mejores películas de la historia del cine; Las dos torres (2002) tiene una nota media de 8,7 y ocupa la 21ª posición; a El Retorno del Rey (2003) se le concede una nota de 8,8 y ocupa el 9º puesto. Por tanto, las expectativas iniciales podían ser que íbamos a asistir a la repetición de lo ya mostrado con anterioridad y que era imposible superar los logros ya obtenidos. Sin embargo, El Hobbit: Un viaje inesperado, película que inicia una nueva trilogía, rompe con esa idea y consigue que no nos veamos obligados a recordar ni a añorar las adaptaciones anteriores realizadas por el director neozelandés.




Merece la pena traer a colación el remake que Peter Jackson hizo de King Kong en el año 2005. Teniendo el film original una duración de 100 minutos, la nueva versión se prolongaba 187 minutos. Era, en realidad, un ejercicio de amplificación lograda a través del ejercicio sistemático de una imaginación desbordante. Lo que en el film de 1933 se resolvía en unos pocos minutos, se desarrollaba ahora en una sucesión interminable de imágenes diseñadas gracias a una catarata majestuosa de efectos especiales. Con esa experiencia previa y liberado, quizás, de la obligación y responsabilidad que suponía adaptar la anterior trilogía, Jackson se ha sentido con las manos libres para estirar el relato de Tolkien (que, recordemos, no llega a las 300 páginas en la versión en español de la Editorial Minotauro: http://www.casadellibro.com/libro-el-hobbit/9788445073803/849210) y convertirlo, en su plasmación cinematográfica, en una historia a la altura de El señor de los anillos. O, quizás,  superior porque creo que esta primera película supera el nivel alcanzado por los anteriores films ambientados en la Tierra Media.




jueves, 13 de diciembre de 2012

EN LA CASA (o cómo estamos rodeados de historias inciertas)



Antes de comenzar la reseña de la película, aviso que ya está en la red el nuevo capítulo de la serie en la web En Bruto:


 

TÍTULO: En la casa. TÍTULO ORIGINAL: Dans la maison. AÑO: 2012. NACIONALIDAD: Francia. DIRECCIÓN: François Ozon. GUIÓN: François Ozon, adaptando la obra teatral El chico de la última fila de Juan Mayorga. MÚSICA ORIGINAL: Philippe Rombi. INTÉRPRETES PRINCIPALES: Fabrice Luchini, Ernst Umhauer, Kristin Scott Thomas, Emmanuelle Seigner, Denis Ménochet, Bastien Ughetto, Jean-François Balmer. PÁGINA WEB OFICIAL: http://www.danslamaison-lefilm.com/.

Desde la Ilustración, Occidente ha confiado en la ciencia y en la razón por encima de filosofías y doctrinas que no consiguieran o no pudieran hacer constatar sus aseveraciones a través de la evidencia empírica. Esta actitud se ha asociado, tradicionalmente, al auge tecnológico, a la Revolución Industrial y al  avance de la democracia. En un momento dado, la firmeza de ese planteamiento ha tendido a agrietarse. El historiador norteamericano Paul Johnson, en su obra Tiempos modernos, se muestra muy seguro en identificar el origen de ello:

El mundo moderno comenzó el 29 de mayo de 1919, cuando las fotografías de un eclipse solar, tomadas en la isla del Príncipe, frente al África Occidental, y en Sobral, Brasil, confirmaron la verdad de una nueva teoría del universo. (…)

En 1905, Albert Einstein, un judío alemán de veintiséis años que trabajaba en la oficina suiza de patentes de Berna, había publicado un trabajo titulado «Acerca de la electrodinámica de los cuerpos en movimiento», que llegó a ser conocido como la teoría especial de la relatividad. (…)

A principios de la década de los veinte comenzó a difundirse, por primera vez en un ámbito popular, la idea de que ya no existían absolutos: de tiempo y  espacio, de bien y mal, del saber y, sobre todo, de valor. En un error quizás inevitable, vino a confundirse la relatividad con el relativismo.”

Si sumamos a ello, la formulación del principio de indeterminación de Heisenberg (http://es.wikipedia.org/wiki/Relaci%C3%B3n_de_indeterminaci%C3%B3n_de_Heisenberg) y la aparición de la física cuántica, terminaron por quebrar la fe en la percepción de un Universo sólido y nítidamente percibido. Se empezó a gestar lo que se ha denominado la posmodernidad y conceptos como “deconstrucción”, “lógica borrosa”, “pensamiento débil”, “otredad”, “multirreferencialidad” empezaron a tener presencia… Y, en ese contexto, sobre todo en disciplinas sociales, se dejó de hablar de “teorías” y se comenzó a emplear el término “relatos”… Ya no hay, por ejemplo, “teorías sobre la crisis económica”, sino “relatos sobre la crisis económica”

El film En la casa, ganador de la Concha de Oro del último Festival de San Sebastián, empieza, precisamente, cuando un profesor lee el relato de un alumno.





sábado, 8 de diciembre de 2012

CÉSAR DEBE MORIR y HOLY MOTORS



Hoy, vamos a salir de los títulos comerciales habituales y vamos a hacer la reseña de dos películas muy peculiares que recorren caminos poco transitados (César debe morir y Holy Motors). Además, vamos a desviar nuestra mirada del cine estadounidense y vamos a dirigirla a Italia y Francia… En la sección CLÁSICOS ETERNOS, hablaremos de Lawrence de Arabia y, en JOYAS OCULTAS, de The Devil and Daniel Johnston. Antes, recordar que ya está en la red el nuevo capítulo de la serie en la web En Bruto y, muy pronto, estará disponible el tercero:





CÉSAR DEBE MORIR (o un cierto retorno a las raíces)

TÍTULO: César debe morir. TÍTULO ORIGINAL: Cesare debe morire. AÑO: 2012. NACIONALIDAD: Italia. DIRECCIÓN: Paolo y Vittorio Taviani. GUIÓN: Paolo y Vittorio Taviani, adaptando la obra teatral Julio César de William Shakespeare. MÚSICA ORIGINAL: Giuliano Taviani y Carmelo Travia. INTÉRPRETES PRINCIPALES: Cosimo Rega, Salvatore Striano, Giovanni Arcuri, Antonio Frasca, Juan Darío Bonetti, Vincenzo Gallo, Rosario Majorana, Francesco de Masi, Gennaro Solito, Vittorio Parrella, Pasquale Crapetti, Francesco Carusone, Fabio Rizzuto, Fabio Cavalli, Maurilio Giaffreda. PÁGINA WEB OFICIAL: http://www.golem.es/cesardebemorir/.



Hasta el año 1945, la trayectoria del cine italiano había sido discreta y apenas había dado títulos que hubieran podido pasar a la historia del séptimo arte. Pero, en ese año, Roberto Rossellini realizó Roma, ciudad abierta y todo cambió. No sólo hizo una obra maestra, sino que creó nueva corriente (el neorrealismo) e inició un cambio en el lenguaje cinematográfico que desembocaría, con posterioridad, en la nouvelle vague francesa y en el free cinema británico y que influiría, de forma decisiva, en todo el cine posterior. Con el neorrealismo, se prescindió de rodar en platós y de utilizar, en todo caso, actores profesionales. Se grababa en la calle y aparecían en los repartos gente de la calle que se interpretaban a ellos mismos. Paisà (1946) y Alemania, año cero (1948) de Rossellini, El limpiabotas (1946), Ladrón de bicicletas (1948) y Umberto D (1952) de Vittorio de Sica, La terra trema (1948) de Luchino Visconti o Arroz amargo (1949) de Giuseppe de Santis supusieron un aire de cambio en el cine italiano y una renovación radical en todo el cine mundial.




Fotograma de Roma, ciudad abierta





Aunque el neorrealismo, en su sentido estricto, se agotó pronto, inauguró la edad de oro del cine italiano en la que, aparte de los directores ya mencionados, nombres como Federico Fellini, Michelangelo Antonioni, Alberto Lattuada, Valerio Zurlini, Mario Monicelli, Francesco Rosi, Pier Paolo Pasolini y, ya a partir de los años 60, Bernardo Bertolucci, convirtieron a ese país en una referencia cinematográfica ineludible. Pero esta era de esplendor, por desgracia, pasó. Los nombres que, en los últimos tiempos, han destacado, como Roberto Benigni  (La vida es bella, 1997), Gianni Amelio (con Lamerica -1994- o Las llaves de casa -2004), Paolo Sorrentino (Il divo, 2008), Nanni Moretti (La habitación del hijo, 2001), Marco Tulio Giordana (La mejor juventud, 2003) o Matteo Garrone (Gomorra, 2008), no han tenido el impacto de sus predecesores. De esa etapa de transición entre el esplendor a una época más grisácea, hay que destacar los nombres de los hermanos Paolo y Vittorio Taviani, quienes con títulos como Padre padrone (1977), La noche de San Lorenzo (1982), Good morning Babilonia (1987) o Las afinidades electivas (1996) son, sin duda, los directores italianos vivos más importantes. Con César debe morir, han realizado un interesantísimo ejercicio cinematográfico.




Fotograma de Ladrón de bicicletas


César debe morir narra, en forma semidocumental, cómo unos presos de la cárcel de alta seguridad de Rebibbia preparan la interpretación de la obra Julio César de William Shakespeare. Como la sala teatral del centro penitenciario está en obras, los ensayos los tienen que realizar en las galerías, en el patio, en las celdas… A partir de este sencillo elemento argumental, el núcleo de la trama se centra en la interpretación de la obra teatral por los presos. En cierto modo, la historia acaba suponiendo un triple retorno a las raíces. Desde el punto de vista histórico-político, es el retorno a Roma, el retorno a la única civilización que ha vivido un ciclo completo de nacimiento, desarrollo, auge, conversión en potencia mundial dominante, decadencia y colapso final (desde el punto de vista institucional, puede describirse como la secuencia república-dictadura-Imperio-monarquía prefeudal). Cualquier fenómeno político actual encuentra su paralelo en algún hecho de la historia de Roma porque, en gran medida, esa historia viene a ser la única síntesis disponible del desarrollo de cualquier civilización. Desde el punto de vista temático, es el retorno a Shakespeare, el retorno al autor que ha sabido plasmar en sus obras cualquier pasión, cualquier conflicto y cualquier sentimiento, el autor, que como dijo el crítico Harold Bloom, llevó a cabo “la invención de lo Humano”. Desde el punto de vista estético, es, finalmente, el retorno, en cierta forma, a una envoltura neorrealista, a la utilización de actores no profesionales, al rodaje fuera del plató, al empleo de una fotografía en blanco y negro de fuerte expresividad.








sábado, 17 de noviembre de 2012

SKYFALL (o también las ratas tienen su corazoncito…)



Antes de empezar la reseña de Skyfall, la última película del agente 007, les voy a hacer una pregunta aparentemente fácil: ¿Quiénes fueron los tres primeros actores que interpretaron al personaje de James Bond? Lean después de la reseña y, quizás, se lleven una sorpresa…


TÍTULO: Skyfall. TÍTULO ORIGINAL: Skyfall. AÑO: 2012. NACIONALIDAD: Reino Unido. DIRECCIÓN: Sam Mendes. GUIÓN: Neal Purvis, Robert Wade y John Logan, según el personaje creado por Ian Fleming. MÚSICA ORIGINAL: Thomas Newman. INTÉRPRETES PRINCIPALES: Daniel Craig, Judi Dench, Javier Bardem, Ralph Fiennes, Naomie Harris, Bérénice Marlohe, Albert Finney, Ben Whishaw. PÁGINA WEB OFICIAL: http://www.skyfall-movie.com/site/ y http://www.007.com/skyfall/.

Corre una leyenda urbana en torno a Nunca digas nunca jamás (1983) de Irvin Kershner –de la que, por supuesto, nunca sabremos si es verdad o no-, que gira en torno a cómo iba a ser su secuencia inicial. Hubiésemos visto a un James Bond borracho, mal vestido, con barba de varios días y desconectado  de cualquier obligación y responsabilidad en alguna playa del Caribe. Entonces, hubiesen llegado dos caballeros británicos a su casa, elegantemente vestidos, que se dirigirían a él: “Señor Bond, venimos a buscarle para que se reincorpore al Servicio Secreto de Su Majestad…”. Bond hubiese respondido, en parte amargado, en parte desilusionado: “No quiero saber nada de ustedes”. Sin embargo, los dos caballeros volverían a la carga: “¿Es que acaso no le preocupa su país?”. “Ya no”, respondería el agente 007. Finalmente, le darían el argumento definitivo: “Es que es ella quien se pide…”. “¿Quién es ella?”, preguntaría Bond. “La reina”, le dirían sin ningún asomo de duda. Sólo entonces, Bond iría a su habitación y, tras unos minutos, saldría perfectamente afeitado, impecablemente vestido y completamente sobrio, preparado para afrontar su nueva misión.

Aunque no aparece tal como la hemos narrado, parte del espíritu de esta secuencia aparece al principio de la última entrega de la serie Bond y ello es así porque encaja a la perfección con algunos de los temas que se desarrollan a partir de la compleja trama de Skyfall.





viernes, 16 de noviembre de 2012

LOOPER (o ¿es posible luchar contra uno mismo?)



TÍTULO: Looper. TÍTULO ORIGINAL: Looper. AÑO: 2012. NACIONALIDAD: Estados Unidos. DIRECCIÓN Y GUIÓN: Rian Johnson. MÚSICA ORIGINAL: Nathan Johnson. INTÉRPRETES PRINCIPALES: Joseph Gordon-Levitt, Bruce Willis, Emily Blunt, Paul Dano, Noah Segan, Piper Perabo, Jeff Daniels, Tracie Thoms. PÁGINA WEB OFICIAL: http://www.loopermovie.com/.

En una entrada anterior, cuando realizamos la reseña de Código fuente (http://elespectadorimpertinente.blogspot.com.es/2011/04/torrente-4-lethal-crisis-y-codigo.html), ya dimos un repaso a las películas que trataban el tema del viaje en el tiempo y recomendamos un libro que recogía diversos relatos que afrontaban esa misma cuestión. Hoy, cuando hablamos de Looper, podríamos detenernos en la capacidad de la ciencia-ficción para desarrollar planteamientos de carácter social, político, ético o filosófico. 

Curiosamente, en contra de lo que se piensa (ya que ello se atribuye a un film posterior, al que después nos referiremos), una de las primeras obras cinematográficas que inició esa tendencia (aparte del antecedente de 1984 de Michael Anderson, del año 1956) fue un famoso cortometraje del año 1962, titulado La Jetée (que también trataba de un viaje en el tiempo, aunque bastante peculiar), el cual se hallaba dirigido por Chris Marker, cineasta que ha fallecido recientemente (en julio de 2012):





Con posterioridad, hay que mencionar, entre otras obras, Lemmy contra Alphaville (1965) de Jean-Luc Godard, Fahrenheit 451 (1966) de François Truffaut, 2001: Una odisea del espacio (1968) de Stanley Kubrick –que suele considerarse, con notoria injusticia, como la primera obra de ciencia-ficción “seria”-, THX1138 (1971) de George Lucas, La naranja mecánica (1971) de Stanley Kubrick, Blade Runner (1982) de Ridley Scott, Matrix (1999) de los hermanos Wachowski o Hijos de los hombres (2006) de Alfonso Cuarón. Looper bebe del espíritu de todos estos títulos y, por ello, tiene todas las papeletas para convertirse en la película de culto del año. Se lo merecería, porque se trata de un magnífico film.



Cartel de Looper










lunes, 29 de octubre de 2012

LO IMPOSIBLE (o la obra cinematográfica como estado de ánimo)



TÍTULO: Lo imposible. TÍTULO ORIGINAL: Lo imposible. AÑO: 2012. NACIONALIDAD: España. DIRECCIÓN: Juan Antonio Bayona. GUIÓN: Sergio G. Sánchez. MÚSICA ORIGINAL: Fernando Velázquez. INTÉRPRETES PRINCIPALES: Naomi Watts, Ewan McGregor, Tom Holland, Samuel Joslin, Oaklee Pendergast, Geraldine Chaplin, Marta Etura. PÁGINA WEB OFICIAL: http://www.loimposible-lapelicula.com/.

Aunque el cine siempre ha tendido a reflejar las circunstancias sociales de cada momento histórico, ha habido coyunturas en las que ha sido el arte que mejor ha sabido reflejar el estado de ánimo de una época. Si quisiéramos saber qué se sentía, qué se pensaba, cómo eran las vivencias y qué inquietudes existían durante la Depresión del 29, no tendríamos más que ver El pan nuestro de cada día (1934) de King Vidor, Las uvas de la ira (1940) de John Ford o la filmografía de dicho período de Frank Capra (El secreto de vivir -1936-, Vive como quieras -1938-, Caballero sin espada -1939- o Juan Nadie -1941-). Para tener una impresión de primera mano de cómo se encontraba la Italia de la posguerra, bastaría con recuperar Roma, ciudad abierta (1945) o Paisà (1946) de Roberto Rossellini, Ladrón de bicicletas (1948) de Vittorio de Sica o La terra trema (1948) de Luchino Visconti. Si sintiéramos curiosidad por el sentimiento de paranoia existente durante la Guerra Fría, nada más fácil que revisar La guerra de los mundos (1953) de Byron Haskin, Invasores de Marte (1953) de William Cameron Menzies, La humanidad en peligro (1954) de Gordon Douglas, La invasión de los ladrones de cuerpos (1956) de Don Siegel, ¿Teléfono rojo?, volamos hacia Moscú (1964) de Stanley Kubrick, Punto límite (1964) de Sidney Lumet o La noche de los muertos vivientes (1968) de George A. Romero. Para conocer el espíritu crítico de los años 60, nada mejor que contemplar La jauría humana (1966) o Bonnie y Clide (1967) de Arthur Penn, Los profesionales (1966) y A sangre fría (1967) de Richard Brooks, El graduado (1967) de Mike Nichols o En busca de la felicidad (1971) de Robert Mulligan. Como habrán observado, en la lista figuran títulos pertenecientes a géneros (la ciencia-ficción, el western…), que, en principio, parecen alejados de cualquier intención de retratar la realidad. Sin embargo, los que enumeramos, han cumplido ese objetivo del mismo modo que lo han podido hacer películas de corte realista. Con Lo imposible, sucede algo similar.






domingo, 21 de octubre de 2012

EL ARTISTA Y LA MODELO y BLANCANIEVES


EL ARTISTA Y LA MODELO (o la delgada línea que separa la inspiración del vacío)

TÍTULO: El artista y la modelo. TÍTULO ORIGINAL: El artista y la modelo. AÑO: 2012. NACIONALIDAD: España-Francia. DIRECCIÓN: Fernando Trueba. GUIÓN: Fernando Trueba y Jean-Claude Carrière. INTÉRPRETES PRINCIPALES: Aida Folch, Jean Rochefort, Claudia Cardinale, Götz Otto, Chus Lampreave, Christian Sinniger, Martin Gamet, Mateo Deluz. PÁGINA WEB OFICIAL: http://elartistaylamodelo.com/es/home.


Mi amigo Freijanez es artista. Su obra se inscribe en el “Expresionismo Lírico” y se compone de cuadros, pinturas-cerámicas y figuras y esculturas. Pueden ver una amplia muestra de su trabajo en www.freijanez.com. En cualquier obra que reprodujéramos aquí, veríamos más allá de ella misma. Su contemplación es instalarse en un estado de ánimo, en una emoción, en un instante único cristalizado en una forma y un color. 




Rama Multicolor



Tetera Roja



                                                       Noche de crisálidas




 
Elegía para dos opuestos



El proceso por el cual la realidad, en su más amplio sentido, genera una obra de arte es complejo y, en gran medida, misterioso. En el centro del mismo, se encuentra la inspiración, un ente escurridizo pero de cuya existencia cuadros como los de Freijanez dan testimonio.

El cine ha intentado en varias ocasiones atrapar la esencia de la inspiración. Aunque Moulin Rouge (1952) de John Huston y El loco del pelo rojo (1956) de Vincente Minnelli se aproximaron a ella, quizás acabaron centrándose más en las biografías de Toulouse-Lautrec y Vincent van Gogh, respectivamente. La joven de la perla (2003) de Peter Webber, sí abordó cómo tuvo lugar la elaboración de una pintura concreta por Johannes Vermeer pero, en última instancia, la reconstrucción de una época y el análisis de unas circunstancias sociales tuvieron mayor peso en la trama. El sol del membrillo (1992) de Víctor Erice sí que entró de lleno en intentar escudriñar el enigma, a través del complejo proceso de creación del pintor Antonio López, pero es la propia dificultad del mismo lo que acaba acaparando nuestra atención. Es quizás, El artista y la modelo uno de los films que ha logrado entrar en el verdadero núcleo de la cuestión. Probablemente, porque sólo la ficción y las metáforas sirven para llegar al fondo de lo que es difícil expresar a través de las palabras.









martes, 16 de octubre de 2012

MÁTALOS SUAVEMENTE (o ¿cómo sería una película si Tarantino decidiera ponerse en plan cafre?)



TÍTULO: Mátalos suavemente. TÍTULO ORIGINAL: Killing Them Softly. AÑO: 2012. NACIONALIDAD: Estados Unidos. DIRECCIÓN: Andrew Dominik. GUIÓN: Andrew Dominik, adaptando la novela Cogan’s Trade de George V. Higgins. INTÉRPRETES PRINCIPALES: Brad Pitt, Scott McNairy, Ben Mendelsohn, James Gandolfini, Vincent Curatola, Ray Liotta, Trevor Long, Max Casella, Sam Shepard, Slaine. PÁGINA WEB OFICIAL: http://www.deaplaneta.com/es/matalos-suavemente.

El cine negro, junto al western y el musical, es uno de los grandes géneros de la historia del cine. Pero, frente a la relativa decadencia de los dos últimos, el género noir conserva gran parte de su fuerza y vigor. Bien sea en la línea de recrear el canon tradicional de este tipo de películas (como en Muerte entre las flores -1990- y El hombre que nunca estuvo allí -2001- de los hermanos Coen, L. A. Confidential -1997- de Curtis Hanson, Camino a la perdición -2002- de Sam Mendes, La Dalia Negra -2006- de Brian de Palma o Enemigos públicos -2009- de Michael Mann) o intentando actualizar su estética, encontrando nuevos caminos (como en Reservoir Dogs -1992-  y Jackie Brown -1997- de Quentin Tarantino, Heat -1995- de Michael Mann, Fargo -1996- y No es país para viejos -2007- de los hermanos Coen, Una historia de violencia -2005- y Promesas del Este -2007- de David Cronenberg, American Gangster -2007- de Ridley Scott, La noche es nuestra -2007- de James Gray, Dueños de la calle -2008- de David Ayer o la serie televisiva The Wire), todos los años nos suele deparar algún título estimable. En esta ocasión, ha sido Mátalos suavemente, que se inscribe en la segunda de las tendencias descritas.






domingo, 30 de septiembre de 2012

EN BRUTO, THE DEEP BLUE SEA y A ROMA CON AMOR



Normalmente, la atención de los medios se vuelca en las grandes superproducciones y tienden a asociar a ellas el éxito cinematográfico. Evidentemente, esto es profundamente inexacto. Ha habido obras con grandes presupuestos que han significado grandes fracasos artísticos y comerciales y películas “pequeñas” que han contado con el favor de crítica y público. En la entrada de hoy de nuestro blog, vamos a hablar de títulos que se salen de los parámetros habituales de los blockbusters pero que, no por ello, tienen su indudable interés.

Uno de las innovaciones que, en los últimos años, ha favorecido la distribución de obras de presupuesto limitado ha sido internet. El pasado 28 de septiembre, en el Salón de Actos del Cortijo del Alamillo, en Sevilla, tuvo lugar la presentación de la web-serie En Bruto, realizada por la productora Made in En Bruto, con El Chirrio Producciones (http://elchirrioproducciones.blogspot.com.es/) como productora colaboradora. La serie, creación de Pepo Chenoll y de mi amigo Ignacio Nieto, tiene como origen el cortometraje homónimo, que pueden ver en el siguiente enlace:





Dicho cortometraje, que constituía un homenaje implícito al cine de Luis García Berlanga (tanto por su carácter coral como por su referencia al “Imperio Austro-Húngaro”: http://www.eldia.es/2010-11-15/gastronomia/2-Berlanga-ultimo-emperador-austrohungaro.htm), constituye el punto de partida de la serie, cuyos sucesivos capítulos podrán verse en la siguiente página web:



El capítulo 0 está en la red desde hoy, 30 de septiembre:

http://www.madeinenbruto.com/#!cap%C3%ADtulo-0


Es decir, ya podemos saber qué pasa con el famoso diamante del Imperio Austrohúngaro…





THE DEEP BLUE SEA (o la fuerza de la pasión)

TÍTULO: The Deep Blue Sea. TÍTULO ORIGINAL: The Deep Blue Sea. AÑO: 2011. NACIONALIDAD: Reino Unido. DIRECCIÓN: Terence Davies. GUIÓN: Terence Davies, adaptando una obra teatral de Terence Rattigan. MÚSICA ORIGINAL: Samuel Barber. INTÉRPRETES PRINCIPALES: Rachel Weisz, Tom Hiddleston, Simon Russell Beale, Ann Mitchell, Jolyon Coy, Karl Johnson, Harry Hadden-Paton, Sarah Kants, Oliver Ford Davies, Barbara Jefford. PÁGINA WEB OFICIAL: http://www.facebook.com/TheDeepBlueSeaFilm y http://www.musicboxfilms.com/the-deep-blue-sea-movies-1.php.

Es conocida la habilidad británica para hacer cine de época, para reflejar tiempos pasados, gracias a las magníficas ambientaciones y el saber hacer interpretativo. The Deep Blue Sea es otro buen ejemplo de todo ello. Dirigida por Terence Davies (que consiguió hacer una obra maestra con La casa de la alegría -2000-), adapta una obra teatral de Terence Rattigan, que ya fue llevada al cine con anterioridad, en 1955, por Anatole Litvak, con Vivien Leigh como protagonista (http://www.imdb.es/title/tt0047978/). En esta ocasión, Davies, aunque mantiene muchas de las virtudes que demostró con La casa de la alegría, no consigue alcanzar el mismo nivel que consiguió con dicho film.





jueves, 20 de septiembre de 2012

HOLMES & WATSON. MADRID DAYS (o la poética de la nostalgia)



TÍTULO: Holmes & Watson. Madrid Days. TÍTULO ORIGINAL: Holmes & Watson. Madrid Days. AÑO: 2012. NACIONALIDAD: España. DIRECCIÓN: José Luis Garci. GUIÓN: José Luis Garci, María San Román Riveiro, Andrea Tenuta y Eduardo Torres-Dulce. MÚSICA ORIGINAL: Pablo Cervantes. INTÉRPRETES PRINCIPALES: Gary Piquer, José Luis García Pérez, Victor Clavijo, Belén López, Macarena Gómez, Manuela Velasco, Leticia Dolera, Jorge Roelas, Manuel Tejada, Enrique Villén, Inocencio Arias, Carlos Hipólito.


Aunque puede parecer una afirmación sorprendente, me atrevo a decir que no es fácil entender el cine de José Luis Garci. Sobre todo, porque la tentación es dejarse llevar por las apariencias y emitir un juicio precipitado y superficial. De entrada, si analizamos toda su obra, lo cómodo sería dividirla en dos etapas. La primera (1977-1987), sería el testimonio de una época de profundos cambios en la sociedad española. Las películas que integran la que podríamos denominar la “Trilogía de la Transición” (Asignatura pendiente -1977-, Solos en la madrugada -1978- y Las verdes praderas -1979-), el díptico adscrito al “género negro” (El crack -1981- y El crack 2 -1983-) y la “Trilogía de la Melancolía” (Volver a empezar -1982, primera película en lengua española en ganar el Oscar a la Mejor Película en Lengua no Inglesa-, Sesión continua -1984- y Asignatura aprobada -1987-) serían el reflejo de una época y, quizás, de la evolución desde la esperanza al desencanto. Tras el paréntesis que supusieron las dos temporadas de Historias del otro lado, serie realizada para Televisión Española, lo convencional es decir que el cine de Garci dio, a partir de 1994, un giro hacia los modos y maneras del cine clásico (el de los años 40 y 50, el de los años de máximo esplendor de Hollywood y el de la madurez de genios como Renoir, Ophüls o Dreyer). Así, habría una “Trilogía del Melodrama” (con Canción de cuna -1994-, La herida luminosa -1997- y El abuelo -1998-), una “Trilogía de la Posguerra” (You're the one -2000-, Historia de un beso -2002- y Tiovivo c. 1950 -2004-) y, tras Ninette (2005), la que podríamos llamar “Trilogía de la Historia” (con Luz de domingo -2007-, Sangre de mayo -2008- y Holmes & Watson. Madrid Days -2012-). Si nos quedamos ahí, no habríamos dicho nada que estuviera en contra de la opinión extendida de críticos y entendidos. Y, sin embargo, nos estaríamos equivocando completamente.





Si me preguntasen cuál sería la primera película que habría de ver de Garci para comprender su cine de forma cabal, no lo dudaría dos veces: Sesión continua. En ella, es donde se percibe más claramente la visión del director y la que nos hace descubrir que la división en dos etapas que antes hemos hecho tiene mucho de falacia. Allí descubriremos que, para Garci, el cine es una realidad de repuesto, un espacio idealizado donde ampararnos de la intemperie de la vida, un lugar en el que todo es posible y todo acaba teniendo su solución, que es reflejo de la realidad pero que evita sus asperezas y severidades. Y, al final, resulta evidente que, su primera etapa, detrás de su apariencia testimonial, encierra, al igual que todo su cine posterior, la nostalgia por un mundo que, en última instancia, sólo puede existir proyectado en una pantalla. Sólo desde esa perspectiva, se puede entender Holmes & Watson. Madrid Days, película que encierra otro posible equívoco. Si se quiere ver este film como la narración de la investigación de unos asesinatos llevada a cabo por Sherlock Holmes y su inseparable Watson, el espectador se decepcionaría. Porque, afortunadamente, va más allá. Holmes y Watson son como las cámaras, los ojos, las miradas que registran el languidecer de una era, el lento final de un mundo destinado a extinguirse.





lunes, 3 de septiembre de 2012

PROMETHEUS (o el moderno Frankenstein)


Hoy, hablo de Prometheus de Ridley Scott, de Rio Bravo de Howard Hawks y de El viaje de Chihiro de Hayao Miyazaki.


PROMETHEUS (o el moderno Frankenstein)

TÍTULO: Prometheus. TÍTULO ORIGINAL: Prometheus. AÑO: 2012. NACIONALIDAD: Estados Unidos. DIRECCIÓN: Ridley Scott. GUIÓN: Jon Spaihts y Damon Lindelof. MÚSICA ORIGINAL: Marc Streitenfeld. INTÉRPRETES PRINCIPALES: Noomi Rapace, Michael Fassbender, Charlize Theron, Idris Elba, Guy Pearce, Logan Marshall-Green, Sean Harris, Rafe Spall, Emun Elliot, Benedict Wong, Kate Dickie, Patrick Wilson. PÁGINA WEB OFICIAL: http://www.prometheuslapelicula.es/.

Tras adquirir experiencia en el mundo de la publicidad y debutar en la dirección con Los duelistas (1977), el británico Ridley Scott alcanzó la fama y el prestigio con Alien, el octavo pasajero (1979) y Blade Runner (1982). Estos dos films, que se convirtieron en clásicos de la ciencia-ficción prácticamente desde el momento de su estreno, han cimentado la consideración de Scott como uno de los grandes de la historia de la cinematografía, a pesar de los altibajos de su carrera posterior. No obstante, no cabe negar la gran calidad de títulos como La sombra del testigo (1987), Black Rain (1989), Thelma & Louise (1991), Gladiator (2000), Black Hawk derribado (2001), El reino de los cielos (2005) o American Gangster (2007), que definen una trayectoria brillante y muy personal. Con Prometheus, el director ha querido realizar una precuela del primero de sus grandes éxitos, es decir, ha intentado explicar los hechos que anteceden a Alien. No está claro si esta intención ha beneficiado al resultado final de la cinta.





domingo, 29 de julio de 2012

MOONRISE KINGDOM y EL CABALLERO OSCURO: LA LEYENDA RENACE


Hoy, escribo sobre Moonrise Kingdom, El caballero oscuro: La leyenda renace, Rebeca y Cielo negro.

MOONRISE KINGDOM (o los problemas de la vida en agradables miniaturas).

TÍTULO: Moonrise Kingdom. TÍTULO ORIGINAL: Moonrise Kingdom. AÑO: 2012. NACIONALIDAD: Estados Unidos. DIRECCIÓN: Wes Anderson. GUIÓN: Wes Anderson y Roman Coppola. MÚSICA ORIGINAL: Alexandre Desplat. INTÉRPRETES PRINCIPALES: Bruce Willis, Edward Norton, Bill Murray, Frances McDormand, Tilda Swinton, Harvey Keitel, Jason Schwartzmann, Kara Hayward, Jared Gilman. PÁGINA WEB OFICIAL: www.moonrisekingdom.com

El cine independiente norteamericano (dentro de lo escurridizo de su definición) ha dado mucho de sí en cuanto a grandes películas y grandes directores. Entre estos últimos, hay nombres que ya son auténtica historia de la cinematografía (John Cassavetes, Robert Altman, Woody Allen, Alan Rudolph, los hermanos Coen, Gus van Sant, Steven Soderbergh, ¿Terrence Malick?, ¿David Lynch?, ¿Quentin Tarantino?…). Habiendo puesto muchos de ellos un pie en la industria tradicional hollywoodense, en los últimos tiempos hay un realizador que se ha mantenido fiel a esta tendencia, ha aportado un estilo fresco y personal, de gran originalidad, y que se ha convertido, por méritos propios, en la joya de la corona de esta escuela: su nombre es Wes Anderson. Realizador de Academia Rushmore (1998), Los Tenenbaums (2001), Life Aquatic (2004), Viaje a Darjeeling (2007) y Fantástico Sr. Fox (2009), con Moonrise Kingdom (2012) ha conseguido, probablemente, su obra maestra y un film que, para cualquier espectador, es imposible comparar con cualquier otro porque no hay ninguno que se le pueda parecer.




miércoles, 4 de julio de 2012

MALAS NOTICIAS (TOO BIG TO FAIL) (o ¿alguien sabe lo que está pasando?)


Hoy, vamos a hablar de Malas noticias (Too big to fail) de Curtis Hanson, de La condesa descalza de Joseph L. Mankiewicz y de Arrebato de Iván Zulueta.

MALAS NOTICIAS (TOO BIG TO FAIL) (o ¿alguien sabe lo que está pasando?)

Antes que nada, indicar que si quieres leer un análisis, desde un punto de vista económico, de la película que a continuación comentamos, pueden hacerlo en mi blog de economía: http://eldedoeneldato.blogspot.com.es/2012/07/analisis-de-malas-noticias-too-big-to.html

TÍTULO: Malas noticias (Too big to fail). TÍTULO ORIGINAL: Too big to fail. AÑO: 2011. NACIONALIDAD: Estados Unidos. DIRECCIÓN: Curtis Hanson. GUIÓN: Peter Gould, adaptando un libro de Andrew Ross Sorkin. MÚSICA ORIGINAL: Marcelo Zarvos. INTÉRPRETES PRINCIPALES: William Hurt, James Woods, Paul Giamatti, Topher Grace, Billy Crudup, Ayad Akhtar, Cynthia Nixon, Kathy Baker, John Heard, Edward Asner, Bill Pullman, Matthew Modine, Ajay Mehta, Michael O’Keefe, Evan Handler.

Aprovechando su salida en DVD, hoy vamos a comentar una película para la televisión que, por su calidad y por su interés, que va más allá de lo estrictamente cinematográfico, merece la pena conocer. Se trata de Malas noticias (Too big to fail), una producción de la HBO, que narra la caída de Lehman Brothers y todos los avatares posteriores para evitar el colapso del sistema financiero norteamericano. La HBO es la cadena de televisión estadounidense, por cable y satélite, que ha realizado las series de mayor prestigio de los últimos tiempos: The Sopranos, The Wire, Hermanos de Sangre, A dos metros bajo tierra, Sexo en Nueva York, True Blood, Boardwalk Empire, Juego de Tronos… La calidad habitual de sus producciones se ha trasladado a esta cinta que, más que un telefilm al uso, es un título de factura cinematográfica que podría ser exhibida en cualquier sala junto al resto de títulos de la cartelera sin que el público percibiera la diferencia de su origen.

Malas noticias (Too big to fail) está dirigida por Curtis Hanson (realizador de films tan notables como Malas influencias -1990-, La mano que mece la cuna -1992-, L. A. Confidential -1997-, posiblemente su obra maestra, o Jóvenes prodigiosos -2000-) y cuenta con un reparto extraordinario, debiendo destacar a William Hurt (en el papel de Henry Paulson, Secretario de Estado), James Woods (como Richard Fuld, presidente de Lehman Brothers), Paul Giamatti (que da vida a Ben Bernanke, presidente del Sistema de la Reserva Federal), Billy Crudup (quien interpreta a Timothy Geithner, presidente de la Reserva Federal de Nueva York y actual Secretario del Tesoro), Edward Asner (como el multimillonario Warren Buffet), Bill Pullman (que pone rostro a Jamie Dimon, presidente de JP Morgan), Ajay Mehta (como Vikram Pandit, presidente de Citigroup) o Evan Handler (interpretando a Lloyd Blankfein, presidente de Goldman Sachs), entre otros…





martes, 12 de junio de 2012

LOS VENGADORES (o ¿la unión hace la fuerza?)


Hoy, hablo de Los vengadores de Joss Whedon, El tigre de Esnapur y La tumba india de Fritz Lang y de Los ojos sin rastro de Georges Franju.

LOS VENGADORES (o ¿la unión hace la fuerza?)

TÍTULO: Los Vengadores. TÍTULO ORIGINAL: The Avengers. AÑO: 2012. NACIONALIDAD: Estados Unidos. DIRECCIÓN: Joss Whedon. GUIÓN: Zak Penn y Joss Whedon, adaptando una novela gráfica de Stan Lee y Jack Kirby. MÚSICA ORIGINAL: Alan Silvestri. INTÉRPRETES PRINCIPALES: Robert Downey Jr., Chris Evans, Mark Ruffalo, Chris Hemsworth, Scarlett Johansson, Jeremy Renner, Tom Hiddleston, Clark Gregg, Cobie Smulders, Stellan Skarsgard, Samuel L. Jackson, Gwyneth Paltrow, Harry Dean Stanton. PÁGINA WEB OFICIAL: http://es.marvel.com/vengadores/.

El paso del cine mudo al cine sonoro significó que pasara a hacerse, casi con exclusividad, películas musicales, con el fin de aprovechar de modo inmediato las nuevas posibilidades técnicas existentes. El cantor de Jazz (1927) de Alan Crossland, La melodía de Broadway (1929) de Harry Beaumont, El desfile del amor (1929) y Monte Carlo (1930) de Ernest Lubitsch o Kiss Me Again (1930) y Girl Crazy (1932) de William A. Seiter hicieron temer que el género musical ejerciera un dominio creativo absoluto en detrimento de otras opciones narrativas. Pero ello, evidentemente, no sucedió. Ya en Aleluya (1929) de King Vidor, a pesar de que también se trataba de un musical, se descubrió algo paradójico: el poder expresivo del silencio. El silencio, que antes era lo normal en un film, se convertía ahora en un arma comunicativa de primer orden. Pero, con posterioridad, el avance técnico introducido dio lugar, p. ej., a todo un nuevo género cinematográfico (de paso, hay que decir que uno de los más importantes de la historia del cine), como fue el género negro, con Código Criminal (1931) y Scarface (1932) de Howard Hawks. John Ford aportó los títulos más brillantes de su etapa expresionista con La patrulla perdida (1934) y El delator (1935). En Europa, grandes maestros como Jean Renoir (La Chienne -1931-, Boudou salvado de las aguas -1932-) o Fritz Lang (M, el vampiro de Düsseldorf -1931-, El testamento del Dr. Mabuse -1933-), quienes ya venían de triunfar del mudo, aportaron sus primeras obras maestras al cine sonoro. En el año 1940, cuando Charles Chaplin realice El gran dictador (1940) no es que ayude a consolidar la nueva tecnología (que ya estaba claramente consolidada) y no sólo significará su renuncia al cine mudo (que siempre había defendido hasta Tiempos modernos -1936-) sino que habrá abierto nuevos caminos para el cine sonoro que, sólo con oír el discurso final de la película, basta con intuir:





Traigo a colación todo esto por el papel que el 3D ha desempeñado, hasta ahora, en la historia del cine. Cuando resucitó esta opción con un nivel técnico notable, tras los cutres experimentos del pasado (con la mítica Fort Ti -1953- de William Castle como buque insignia), los resultados conseguidos por Avatar (2009) de James Cameron indicaban que podía haber una gran eclosión de los films tridimensionales, ya no sólo centrados en el cine de acción y espectáculo, sino con obras de mayor enjundia. Sea porque la crisis ha retraído el posible crecimiento en el número de espectadores, sea porque no se ha querido arriesgar por parte de la industria en invertir en introducir esta técnica en géneros diferentes a los que hasta ahora han copado esta tecnología, ni el 3D tiene visos de generalizarse (a pesar de que podría ser una solución contra la piratería y las descargas ilegales de películas) ni los resultados estrictamente artísticos han sido espectaculares (si hacemos excepción del film anteriormente citado del director de Titanic y, en menor medida, de Las aventuras de Tintín: El secreto del Unicornio http://elespectadorimpertinente.blogspot.com.es/2011/11/margin-call-y-las-aventuras-de-tintin.html y La invención de Hugo http://elespectadorimpertinente.blogspot.com.es/2012/03/la-invencion-de-hugo-o-la-reinvencion.html).

Por ello, tenía gran expectación sobre qué podía ocurrir con Los vengadores, ya que este film albergaba varios puntos de interés. El primero, que en él convergían tramas de varias de las adaptaciones de cómics de la Marvel de años anteriores, al aunar a varios de los personajes que las protagonizaban: Iron Man (2008) y Iron Man 2 (2010) de Jon Favreau, Hulk (2003) de Ang Lee y El increíble Hulk (2008) de Louis Leterrier, Thor (2011) de Kenneth Branagh y Capitán América: El primer vengador (2011) de Joe Johnston. Como consecuencia de ello, reunía un excelente reparto liderado por Robert Downey, Jr., Mark Ruffalo, Scarlett Johansson y Samuel L. Jackson… Y, todo ello, en una película tridimensional, podía significar un punto de inflexión definitivo para la industria del cine. Pero nuestro gozo, en parte, en un pozo…



sábado, 28 de abril de 2012

15º FESTIVAL DE MÁLAGA - CINE ESPAÑOL (ESCENA 14 Y FINAL // INTERIOR - NOCHE)


Hoy, antes de la lectura del Palmarés, ha tenido lugar el pase en la Sección Oficial, fuera de concurso, de la coproducción franco-hispana Adiós a la reina. Realizaremos la reseña de la misma, valoraremos los premios y el Festival, y comentaremos otras cosillas para terminar…

ADIÓS A LA REINA (o qué pasaba en el Palacio de Versalles mientras el pueblo estaba tomando la Bastilla)

TÍTULO: Adiós a la reina. TÍTULO ORIGINAL: Les adieux à la reina. AÑO: 2012. NACIONALIDAD: Francia-España. DIRECCIÓN: Benoit Jacquot. GUIÓN: Benoit Jacquot y Gilles Taurand, adaptando la novela homónima de Chantal Thomas . INTÉRPRETES PRINCIPALES: Léa Seydoux, Diane Kruger, Virginie Ledoyen, Xavier Beauvois, Noémie Lvovsky, Michel Robin, Julie-Marie Parmentier, Lolita Chammah, Vladimir Consigny. MÚSICA ORIGINAL: Bruno Coulais. DIRECCIÓN DE FOTOGRAFÍA: Romain Winding. MONTAJE: Luc Barnier y Nelly Ollivault.

El novelista francés Pierre Michon en su libro Los once (2009), a partir de un cuadro ficticio, donde estarían representados todos los miembros del Comité de Salud Pública, en tiempos de la Revolución Francesa, trazaba una visión profunda de la historia, de la literatura y de la vida (http://elpais.com/diario/2010/12/04/babelia/1291425143_850215.html). Traigo esto a colación por la habilidad creativa que existe en la cultura francesa de generar un relato con multitud de matices a partir de una anécdota mínima. Algo de esto ocurre en Adiós a la reina, que va por derroteros muy distintos a los que la primera apariencia nos podría hacer pensar.





Esta película empieza en el amanecer del 14 de julio de 1789. Su protagonista es la lectora (Léa Seydoux) de la reina María Antonieta (Diane Kruger). Cuando vemos la fecha sobreinscrita en la pantalla, lo primero que pensamos es que vamos a ser testigos de la toma de la Bastilla y que la reconstrucción histórica va a ocupar un lugar central en el film. No es así. A partir de las vivencias de la lectora citada, en los días que transcurren entre el 14 y el 17 de julio de 1789, lo que vamos a contemplar es el análisis de dos temas distintos pero que el film logra relacionar hábilmente: por un lado, la incomunicación o, mejor (según dijo el director del film en la rueda de prensa posterior a su pase), la incomunicabilidad entre los gobernantes y los gobernados e, incluso, entre todos ellos entre sí; por otro, la cuestión de cómo una situación concreta de poder condiciona nuestra identidad o, más exactamente, la identidad que manifestamos frente a los demás. En Adiós a la reina, veremos cómo, a la vez que un régimen se derrumba, se va difuminando lo que los personajes son. Así, en una de las escenas clave de la película, veremos a los nobles de la corte, caminando en medio de la noche por los pasillos como espectros o almas en pena, como entidades a punto de volatilizarse a la vez que va desapareciendo la monarquía absoluta.

En el fondo, Adiós a la reina es un alegato para ser conscientes de lo que realmente somos y de la farsa que nos vemos obligados a representar como consecuencia de unas circunstancias. Si no adquirimos dicha consciencia, estaremos destinados a convertirnos en seres vacíos cuando esas circunstancias varíen según el curso natural de los acontecimientos.






Nota (de 1 a 10): 7.

Lo que más me gustó: su habilidad para apartarse de una perspectiva convencional.

Lo que menos me gustó: hay alguna subtrama que no aporta nada a la historia.


* * *

Tras una semana de Festival, creo que podemos comentar dos cosas en relación al mismo.

En primer lugar, sobre el Palmarés, si lo ven y lo comparan con los sucesivos comentarios que yo he realizado sobre las distintas películas, sólo puedo decir que hay dos películas que me parece que están sobrerrepresentadas en los premios finales: Miel de naranjas y El sexo de los ángeles. Creo que acumulan más galardones de los que se merecen por su solidez como films. Creo que han sido infravaloradas Buscando a Eimish y O Apóstolo. La primera, si no hubiera sido por el Premio de la Organización Católica para Medios de Comunicación, se hubiera ido de vacío. La segunda se ha ido, finalmente, sin ningún galardón. No obstante son la concesión del premio a la mejor opera prima a Ali y el del Jurado Joven a Memoria de mis putas tristes los que más me han sorprendido (y creo que no sólo a mí)…

En segundo lugar, creo que el Festival ha tenido, en general, un nivel muy digno y no ha habido ninguna película que desentonara o tuviera una calidad ínfima. Viendo el nivel de asistencia del público a las distintas sesiones y el magnífico ambiente que ha rodeado el certamen, sigo pensando, como dije en mi primera entrada, que si la industria sabe reconocer la enorme capacidad de marketing que ofrece este Festival, el mismo podría llegar a ser para el cine español lo que Sundance representa para el cine independiente y podría ser un elemento central en la estrategia de volver a llevar al público a las salas para ver cine de nuestro país… Ya veremos qué nos depara el futuro…

* * *

Para terminar, vamos a comentar algunas cosas más ligeras y que, quizás, sean hasta de más interés que las publicadas hasta la fecha.

En relación a determinadas curiosidades, debo destacar a las siguientes personas:

ACTOR CON MÁS PERSONALIDAD: Antonio Dechent, por enorgullecerse de haber hecho bajar la mirada a Nick Nolte en una de las escenas que compartían en A puerta fría.

ACTRICES CON MÁS PERSONALIDAD: Nadhira Mohamed, Memona Mohamed y Aziza Brahim, por su defensa de la causa saharaui.

DIRECTOR CON MÁS PERSONALIDAD: Abdelatif Hwadir que, ante una pregunta mía en la rueda de prensa posterior al pase de Kanimambo, dijo sin empacho que Robert McKee, uno de los grandes gurús del mundo del guión y que había sido profesor suyo, le parecía “un absoluto gilipollas”.

DIRECTORA CON MÁS PERSONALIDAD: Patricia Ferreira, por la defensa que hizo de la educación pública.

ACTOR MÁS GUAPO: En este apartado, tuve que pedir opinión a una chica, a Carolina Galiano, que trabaja en la organización del Festival, y optó por Llorenç González, de El sexo de los ángeles. Para quien no lo conozca, puede ver los episodios de la serie Gran Hotel en la página web de Antena 3 y comprobar si está o no de acuerdo. (Por cierto, Carolina, muchas gracias por tu colaboración desinteresada…).

ACTRIZ MÁS GUAPA: Manuela Vellés. Cuando la vi, comprendí perfectamente por qué Julio Medem le dio el papel protagonista en Caótica Ana a pesar de que no tenía ninguna experiencia en el mundo del cine: la fuerza que transmite su presencia es absolutamente espectacular… Confieso que me dejó deslumbrado…

Tengo que mencionar tres encuentros concretos que he tenido a lo largo de la semana.

Por un lado, uno breve que tuve con el Presidente del Jurado, Gonzalo Suárez, director al que admiro especialmente porque creo que comparto un poco del carácter que transmite en su filmografía (un "poco" ácrata. Me pareció una persona absolutamente amable y educada y creo que debo manifestar este hecho.

Por otro, también fue muy agradable la conversación que tuve con el hijo (Sergio Molina) y la esposa del ya fallecido Paul Naschy (cuyo verdadero nombre era Jacinto Molina), uno de los grandes representantes del cine de terror español. Son dos personas encantadoras y fueron muy clarificadoras sus revelaciones sobre las circunstancias por las que ha tenido que pasar Paul Naschy para hacer su cine y ser reconocido en España (en realidad, su reconocimiento es, aún, mayor fuera de España que en nuestro propio país).

Finalmente, también hacer mención a Fernando Méndez Leite, director de cine y que fue el encargado de ser el representante de la organización en las ruedas de prensa. Yo siempre he pensado que es un sabio del cine. Su conversación con él me lo confirmó y, además, me demostró que es un auténtico caballero. Le deseo mucha suerte en sus futuros proyectos (y si lee esto, él sabrá por qué lo digo).

Bueno, pues el Festival se ha acabado. Ha sido una gran semana de cine y como la protagonista de El viaje de Chihiro, al final de la película, ahora nos toca mirar atrás, con nostalgia, hacia los días que han pasado…

Espero que hayan disfrutado con la cobertura que, en este blog, hemos hecho del Festival…


(FUNDIDO A NEGRO)