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sábado, 28 de abril de 2012

15º FESTIVAL DE MÁLAGA - CINE ESPAÑOL (ESCENA 14 Y FINAL // INTERIOR - NOCHE)


Hoy, antes de la lectura del Palmarés, ha tenido lugar el pase en la Sección Oficial, fuera de concurso, de la coproducción franco-hispana Adiós a la reina. Realizaremos la reseña de la misma, valoraremos los premios y el Festival, y comentaremos otras cosillas para terminar…

ADIÓS A LA REINA (o qué pasaba en el Palacio de Versalles mientras el pueblo estaba tomando la Bastilla)

TÍTULO: Adiós a la reina. TÍTULO ORIGINAL: Les adieux à la reina. AÑO: 2012. NACIONALIDAD: Francia-España. DIRECCIÓN: Benoit Jacquot. GUIÓN: Benoit Jacquot y Gilles Taurand, adaptando la novela homónima de Chantal Thomas . INTÉRPRETES PRINCIPALES: Léa Seydoux, Diane Kruger, Virginie Ledoyen, Xavier Beauvois, Noémie Lvovsky, Michel Robin, Julie-Marie Parmentier, Lolita Chammah, Vladimir Consigny. MÚSICA ORIGINAL: Bruno Coulais. DIRECCIÓN DE FOTOGRAFÍA: Romain Winding. MONTAJE: Luc Barnier y Nelly Ollivault.

El novelista francés Pierre Michon en su libro Los once (2009), a partir de un cuadro ficticio, donde estarían representados todos los miembros del Comité de Salud Pública, en tiempos de la Revolución Francesa, trazaba una visión profunda de la historia, de la literatura y de la vida (http://elpais.com/diario/2010/12/04/babelia/1291425143_850215.html). Traigo esto a colación por la habilidad creativa que existe en la cultura francesa de generar un relato con multitud de matices a partir de una anécdota mínima. Algo de esto ocurre en Adiós a la reina, que va por derroteros muy distintos a los que la primera apariencia nos podría hacer pensar.





Esta película empieza en el amanecer del 14 de julio de 1789. Su protagonista es la lectora (Léa Seydoux) de la reina María Antonieta (Diane Kruger). Cuando vemos la fecha sobreinscrita en la pantalla, lo primero que pensamos es que vamos a ser testigos de la toma de la Bastilla y que la reconstrucción histórica va a ocupar un lugar central en el film. No es así. A partir de las vivencias de la lectora citada, en los días que transcurren entre el 14 y el 17 de julio de 1789, lo que vamos a contemplar es el análisis de dos temas distintos pero que el film logra relacionar hábilmente: por un lado, la incomunicación o, mejor (según dijo el director del film en la rueda de prensa posterior a su pase), la incomunicabilidad entre los gobernantes y los gobernados e, incluso, entre todos ellos entre sí; por otro, la cuestión de cómo una situación concreta de poder condiciona nuestra identidad o, más exactamente, la identidad que manifestamos frente a los demás. En Adiós a la reina, veremos cómo, a la vez que un régimen se derrumba, se va difuminando lo que los personajes son. Así, en una de las escenas clave de la película, veremos a los nobles de la corte, caminando en medio de la noche por los pasillos como espectros o almas en pena, como entidades a punto de volatilizarse a la vez que va desapareciendo la monarquía absoluta.

En el fondo, Adiós a la reina es un alegato para ser conscientes de lo que realmente somos y de la farsa que nos vemos obligados a representar como consecuencia de unas circunstancias. Si no adquirimos dicha consciencia, estaremos destinados a convertirnos en seres vacíos cuando esas circunstancias varíen según el curso natural de los acontecimientos.






Nota (de 1 a 10): 7.

Lo que más me gustó: su habilidad para apartarse de una perspectiva convencional.

Lo que menos me gustó: hay alguna subtrama que no aporta nada a la historia.


* * *

Tras una semana de Festival, creo que podemos comentar dos cosas en relación al mismo.

En primer lugar, sobre el Palmarés, si lo ven y lo comparan con los sucesivos comentarios que yo he realizado sobre las distintas películas, sólo puedo decir que hay dos películas que me parece que están sobrerrepresentadas en los premios finales: Miel de naranjas y El sexo de los ángeles. Creo que acumulan más galardones de los que se merecen por su solidez como films. Creo que han sido infravaloradas Buscando a Eimish y O Apóstolo. La primera, si no hubiera sido por el Premio de la Organización Católica para Medios de Comunicación, se hubiera ido de vacío. La segunda se ha ido, finalmente, sin ningún galardón. No obstante son la concesión del premio a la mejor opera prima a Ali y el del Jurado Joven a Memoria de mis putas tristes los que más me han sorprendido (y creo que no sólo a mí)…

En segundo lugar, creo que el Festival ha tenido, en general, un nivel muy digno y no ha habido ninguna película que desentonara o tuviera una calidad ínfima. Viendo el nivel de asistencia del público a las distintas sesiones y el magnífico ambiente que ha rodeado el certamen, sigo pensando, como dije en mi primera entrada, que si la industria sabe reconocer la enorme capacidad de marketing que ofrece este Festival, el mismo podría llegar a ser para el cine español lo que Sundance representa para el cine independiente y podría ser un elemento central en la estrategia de volver a llevar al público a las salas para ver cine de nuestro país… Ya veremos qué nos depara el futuro…

* * *

Para terminar, vamos a comentar algunas cosas más ligeras y que, quizás, sean hasta de más interés que las publicadas hasta la fecha.

En relación a determinadas curiosidades, debo destacar a las siguientes personas:

ACTOR CON MÁS PERSONALIDAD: Antonio Dechent, por enorgullecerse de haber hecho bajar la mirada a Nick Nolte en una de las escenas que compartían en A puerta fría.

ACTRICES CON MÁS PERSONALIDAD: Nadhira Mohamed, Memona Mohamed y Aziza Brahim, por su defensa de la causa saharaui.

DIRECTOR CON MÁS PERSONALIDAD: Abdelatif Hwadir que, ante una pregunta mía en la rueda de prensa posterior al pase de Kanimambo, dijo sin empacho que Robert McKee, uno de los grandes gurús del mundo del guión y que había sido profesor suyo, le parecía “un absoluto gilipollas”.

DIRECTORA CON MÁS PERSONALIDAD: Patricia Ferreira, por la defensa que hizo de la educación pública.

ACTOR MÁS GUAPO: En este apartado, tuve que pedir opinión a una chica, a Carolina Galiano, que trabaja en la organización del Festival, y optó por Llorenç González, de El sexo de los ángeles. Para quien no lo conozca, puede ver los episodios de la serie Gran Hotel en la página web de Antena 3 y comprobar si está o no de acuerdo. (Por cierto, Carolina, muchas gracias por tu colaboración desinteresada…).

ACTRIZ MÁS GUAPA: Manuela Vellés. Cuando la vi, comprendí perfectamente por qué Julio Medem le dio el papel protagonista en Caótica Ana a pesar de que no tenía ninguna experiencia en el mundo del cine: la fuerza que transmite su presencia es absolutamente espectacular… Confieso que me dejó deslumbrado…

Tengo que mencionar tres encuentros concretos que he tenido a lo largo de la semana.

Por un lado, uno breve que tuve con el Presidente del Jurado, Gonzalo Suárez, director al que admiro especialmente porque creo que comparto un poco del carácter que transmite en su filmografía (un "poco" ácrata. Me pareció una persona absolutamente amable y educada y creo que debo manifestar este hecho.

Por otro, también fue muy agradable la conversación que tuve con el hijo (Sergio Molina) y la esposa del ya fallecido Paul Naschy (cuyo verdadero nombre era Jacinto Molina), uno de los grandes representantes del cine de terror español. Son dos personas encantadoras y fueron muy clarificadoras sus revelaciones sobre las circunstancias por las que ha tenido que pasar Paul Naschy para hacer su cine y ser reconocido en España (en realidad, su reconocimiento es, aún, mayor fuera de España que en nuestro propio país).

Finalmente, también hacer mención a Fernando Méndez Leite, director de cine y que fue el encargado de ser el representante de la organización en las ruedas de prensa. Yo siempre he pensado que es un sabio del cine. Su conversación con él me lo confirmó y, además, me demostró que es un auténtico caballero. Le deseo mucha suerte en sus futuros proyectos (y si lee esto, él sabrá por qué lo digo).

Bueno, pues el Festival se ha acabado. Ha sido una gran semana de cine y como la protagonista de El viaje de Chihiro, al final de la película, ahora nos toca mirar atrás, con nostalgia, hacia los días que han pasado…

Espero que hayan disfrutado con la cobertura que, en este blog, hemos hecho del Festival…


(FUNDIDO A NEGRO)



15º FESTIVAL DE MÁLAGA - CINE ESPAÑOL (ESCENA 13 // EXTERIOR - DIA)





Pues ya tenemos Palmarés del 15º Festival de Málaga - Cine Español, año 2012. Estos son los premios:

MEJOR PELÍCULA: Los niños salvajes de Patricia Ferreira.

Premio del Jurado: Carmina o revienta de Paco León.

Mención especial: Kanimambo de Adán Aliaga, Carla Subirana y Abdelatif Hwadir.

MEJOR DIRECCIÓN: Imanol Uribe por Miel de naranjas.

MEJOR ACTOR: Antonio Dechent por A puerta fría.

MEJOR ACTRIZ: Carmina Barrios por Carmina o revienta.

MEJOR ACTOR DE REPARTO: ex-aequo  a Álex Monner por Los niños salvajes y a Álvaro Cervantes por El sexo de los ángeles.

MEJOR ACTRIZ DE REPARTO: Aina Clotet por Los niños salvajes.

Mención especial del jurado: Ángela Molina por Miel de naranjas.


MEJOR GUIÓN: Patricia Ferreira y Virgina Yagüe por Los niños salvajes.

MEJOR BANDA SONORA: Aziza Brahim por Wilaya.

MEJOR FOTOGRAFÍA: Sergi Gallardo por El sexo de los ángeles.

MEJOR MONTAJE: Koldo Idígoras por The Pelayos.

PREMIO DE LA CRÍTICA: A puerta fría de Xavi Puebla.

PREMIO SIGNIS (de la Organización Católica para Medios de Comunicación): Buscando a Eimish de Ana Rodríguez Rosell.

Mención especial: A puerta fría de Xavi Puebla.

PREMIO ASECAN A LA MEJOR ÓPERA PRIMA: Ali de Paco R. Baños.

PREMIO JURADO JOVEN: Memorias de mis putas tristes de Henning Carlsen.

PREMIO ALMA AL MEJOR GUIÓN NOVEL: Remedios Crespo por Miel de naranjas.

PREMIO DEL PÚBLICO: Carmina o revienta de Paco León.

Hasta aquí, la noticia y el apunte de urgencia. Esta tarde, valoraremos...

viernes, 27 de abril de 2012

15º FESTIVAL DE MÁLAGA - CINE ESPAÑOL (ESCENA 12 // INTERIOR - DÍA)


O APÓSTOLO (o el terror servido en dibujos)

TÍTULO: O Apóstolo. AÑO: 2012. NACIONALIDAD: España. DIRECCIÓN Y GUIÓN: Fernando Cortizo. INTÉRPRETES PRINCIPALES (voces): Carlos Blanco, Xosé Manuel Olveira “Pico”, Paul Naschy, Jorge Sanz, Celso Bugallo, Geraldine Chaplin, Manuel Manquiña, Luis Tosar, Pedro Alonso, Isabel Blanco, Atilano Franco, Jacobo Rey. MÚSICA ORIGINAL: Xavier Font, Philip Glass y Arturo Vaquero. DIRECCIÓN DE FOTOGRAFÍA: Matthew Hazelrig. MONTAJE: Fernando Alfonsín.

Siempre hemos dicho en este blog que, en el cine español, el género de terror tiene una gran tradición (de hecho, dedicamos casi toda una entrada a hacer una revisión general del mismo: http://elespectadorimpertinente.blogspot.com.es/2011/02/los-ojos-de-julia-o-de-terror-tambien.html). Uno de sus principales representantes, el actor y director Paul Naschy, hizo su última aportación al mundo del cine con esta película que se ha presentado hoy en la 15º edición del Festival de Cine de Málaga. Es un homenaje más dentro de los muchos homenajes que se hacen en esta película a otros títulos clásicos. Este hecho, que no tiene nada de especial, cobra importancia si decimos que se trata de un film de animación. La confluencia de ambas circunstancias hace de O Apóstolo una rara avis, una película de dibujos animados que el público adulto aficionado al terror casi disfrutará más que el público más joven.





O Apóstolo es el primer largometraje de animación español rodado en la modalidad stop-motion, es decir, primero se ruedan los movimientos de personas reales y, después, se pasan al formato de animación. Aunque ello proporciona un gran realismo a las imágenes y una enorme expresividad a los gestos de los personajes, la contrapartida es un rodaje lento. En la rueda de prensa posterior al pase de la película, el director, Fernando Cortizo, afirmó que el trabajo de cada día servía para completar sólo 1-2 segundos del metraje.

Como hemos dicho con anterioridad, la película está llena de homenajes a películas clásicas de terror: Psicosis (alguien que huye y acaba en el sitio equivocado), Nosferatu (el sacerdote que domina la aldea a la que llega el protagonista está claramente inspirado en el vampiro de dicho film), El exorcista (la figura del sacerdote joven que busca afrontar la amenaza sobrenatural que se cierne sobre todos los personajes)… Y todas estas referencias, están unificadas por una atmósfera de terror clásico, influido por el de las películas de la Hammer.

Siendo la primera vez que una película de animación participa en la Sección Oficial, creo que la elección de este film es plenamente acertada: se trata de una obra absolutamente digna, narrada con gran agilidad e inteligencia y que abre un camino nuevo a las posibilidades del cine español. Hay que dar la enhorabuena a todo el equipo porque, habiéndose arriesgado con un film complejo, el resultado final es altamente satisfactorio.




Nota (de 1 a 10): 7.

Lo que más me gustó: su atmósfera de terror clásico. Una magnífica banda sonora.

Lo que menos me gustó: la canción que explica una parte de la trama.



LA SUERTE EN TUS MANOS (o cuántas complicaciones aparecen cuando todo te sale bien)

TÍTULO: La suerte en tus manos. AÑO: 2012. NACIONALIDAD: Argentina-España. DIRECCIÓN: Daniel Burman. GUIÓN: Daniel Burman y Sergio Dubcovsky. INTÉRPRETES PRINCIPALES: Jorge Drexler, Valeria Bertuccelli, Norma Aleandro, Luis Brandoni, Salo Pasik, Silvina Bosco, Eugenia Guerty, Silvana Sosto. Lucciano Pizzicchini, Tomás Sala, Paloma Álvarez, Gabriel Schultz, Mucio Manchini, Sura Sepúlveda, Fagner Pavan, Fernando Diego Barletta, Olivier Ubertalli. MÚSICA ORIGINAL: Nico Cota. DIRECCIÓN DE FOTOGRAFÍA: Daniel Sebastián Ortega. MONTAJE: Luis Barros.

La suerte en tus manos es el octavo largometraje de ficción del realizador argentino Daniel Burman (siendo los más conocidos hasta la fecha en España Todas las azafatas van al cielo -2002- y El abrazo partido -2004-). Según dijo en la rueda de prensa Jorge Drexler (que ha hecho un paréntesis en su trayectoria como cantante para protagonizar este film), a Daniel Burman no le agradaba el cine que tendía a angustiar al espectador. Y la mejor prueba de ello es la película que estamos comentando: si están desanimados, La suerte en tus manos va a ser un buen antídoto para solucionar el problema.





Desafortunadamente, el gran problema de esta película es (aproximadamente) su primera mitad: divaga, salta de tema en tema sin demasiado orden ni concierto, no logramos captar cuál es su propósito. Pero gracias a la sobriedad de Drexler, a la simpatía que irradia Valeria Bertuccelli, la irónica elegancia de Norma Aleandro y el cínico humor de Luis Brandoni, la película logra remontar el vuelo y la segunda parte es chispeante y original. Por ello, el film logra salvarse y merece la pena verlo por el optimismo del que está impregnado, sin que el mismo sea caricaturesco o artificial. Además, así podrán descubrir un grupo de rabinos que tocan heavy-metal. ¿Qué más se puede pedir?



Nota (de 1 a 10): 5.

Lo que más me gustó: consigue que su tono optimista no caiga en la caricatura.

Lo que menos me gustó: la primera mitad de la película carece de ritmo.

* * *

Bueno, pues las trece películas de la Sección Oficial ya se han visto. Mañana, fuera de concurso, se pasará Adiós a la reina y a las 12:00, se leerá el Palmarés del Festival.

Recordemos las notas que hemos puesto a las películas en este blog (y vamos a hacer una clasificación personal de las mismas):

1.- A PUERTA FRÍA.- 7,5
2.- KANIMAMBO.- 7
3.- LOS NIÑOS SALVAJES.- 7
4.- BUSCANDO A EIMISH.- 7
5.- O APÓSTOLO.- 7
6.- CARMINA O REVIENTA.- 7
7.- THE PELAYOS.- 6,5
8.- MIEL DE NARANJAS.- 6
9.- MEMORIA DE MIS PUTAS TRISTES.- 6
10.- ALI.- 5
11.- LA SUERTE EN TUS MANOS.- 5
12.- WILAYA.- 5
13.- EL SEXO DE LOS ÁNGELES.- 4

Mi palmarés personal (que no creo que coincida con el oficial) sería el siguiente:

MEJOR PELÍCULA: A puerta fría de Xavi Puebla.
MEJOR DIRECCIÓN: Abdelatif Hwadir, Carla Subirana y Adán Aliaga por Kanimambo.
MEJOR GUIÓN: Patricia Ferreira y Virginia Yagüe por Los niños salvajes.
MEJOR ACTOR: Antonio Dechent por A puerta fría.
MEJOR ACTRIZ: Carmina Barrios por Carmina o revienta.
MEJOR ACTOR DE REPARTO: Karra Elejalde, Eduard Fernández y Carlos Santos por Miel de naranjas.
MEJOR ACTRIZ DE REPARTO: Verónica Forqué por Ali.
MEJOR BANDA SONORA ORIGINAL: Xavier Font, Philip Glass y Arturo Vaquero por O Apóstolo.
MEJOR FOTOGRAFÍA: Pau Mirabet por Buscando a Eimish.
MEJOR VESTUARIO: Miel de naranjas.
MEJOR MAQUILLAJE: Memoria de mis putas tristes.

Si me preguntan qué película va a ganar, pienso que la Biznaga de Oro a la Mejor Película va a ir para Los niños salvajes. Creo que Antonio Dechent también va a ganar el premio a Mejor Actor. Los restantes premios tienen un abanico mucho más amplio. Así que mañana veremos…

jueves, 26 de abril de 2012

15º FESTIVAL DE MÁLAGA - CINE ESPAÑOL (ESCENA 11 // INTERIOR - NOCHE)


LOS ÚLTIMOS CRISTEROS (o Dreyer resucita en México)

TÍTULO ORIGINAL: Los últimos cristeros. AÑO: 2011. NACIONALIDAD: México-Holanda. DIRECCIÓN. Matías Meyer. GUIÓN: Matías Meyer e Israel Cárdenas, adaptando la novela Rescoldo, los últimos cristeros de Antonio Estrada. INTÉRPRETES PRINCIPALES: Alejandro Limón, Jesús Moisés Rodríguez, Antonio García, Salvador Ferreiro, Abel Lozano, José Esparza, Sandra Rosales. DIRECCIÓN DE FOTOGRAFÍA: Gerardo Barroso Alcalá. MONTAJE: León Felipe González.

Como este blog aparece en la página web del diario mexicano Reforma, vamos a salirnos de la Sección Oficial del Festival y vamos a adentrarnos en la Sección Territorio Latinoamericano, donde, en el día de hoy, ha tenido lugar el pase de la producción mexicana Los últimos cristeros.

Este film narra las andanzas de las últimas partidas que se levantaron en armas contra el Gobierno durante la llamada Guerra Cristera (1926-1929). El motivo de dicho levantamiento fue la legislación promulgada por el presidente Plutarco Elías Calles que imponía fuertes restricciones al libre desenvolvimiento de la Iglesia Católica, La guerra terminó con el triunfo de las fuerzas gubernamentales y la derrota de los “cristeros”. Este film narra las andanzas de una de las últimas partidas, que se negó a acogerse a la amnistía declarada por el Gobierno cuando el conflicto estaba resuelto. Pero si nos quedamos en la superficie de la historia, creo que no entenderemos el fondo real de esta película…





Desde el mismo inicio del film, iremos viendo a unos combatientes derrotados, huyendo como espectros (casi parecería que se dirigen al Comala de Pedro Páramo, la novela que publicara Juan Rulfo en 1955, pueblo en el que sólo vivían los fantasmas del pasado). Apenas se hablan, apenas se miran, todo es una huida hacia ninguna parte (o quizás hacia un desenlace muy concreto).

Conforme avanza la película, iremos percibiendo dos influencias muy concretas. Una, por su parecido temático, la de El fuera de la ley (1976) de Clint Eastwood. Otra más sutil, proviene del cine ascético de Dreyer (quizás pasado por el filtro de Carlos Reygadas, compatriota del director). Porque, en última instancia, de lo que la película nos habla es de un grupo de personas que se entrega hasta el final a una convicción, que no entiende de términos medios ni de componendas y se entrega a su idea hasta las últimas consecuencias. Cuando, al final, veamos a quienes no se han rendido, los veremos con una estética similar al Cristo crucificado, sumergiéndose en el agua como una especie de bautismo final para el que no caben imágenes adicionales: su destino último será su propio sacrificio, sin aceptar pacto que ponga en cuestión sus convicciones…

En consonancia con este mensaje, Matías Meyer (que dirigió con anterioridad films como Wadley -2008- o El calambre -2009-) también lleva hasta sus últimas consecuencias el estilo elegido para el film: seco, áspero, casi un ejercicio de ascesis que, quizás, el gran público no va a llegar a entender, pero que es absolutamente coherente con el fondo de la película.




Nota (de 1 a 10): 7
.
Lo que más me gustó: lleva su estilo hasta las últimas consecuencias.

Lo que menos me gustó: no va a ser una película mayoritaria.

15º FESTIVAL DE MÁLAGA - CINE ESPAÑOL (ESCENA 10 // INTERIOR - NOCHE)


Hoy has sido el día de la pareja (en sentido muy amplio) en el Festival de Cine de Málaga…

BUSCANDO A EIMISH (o el amor verdadero sí es posible)

TÍTULO: Buscando a Eimish. AÑO: 2012. NACIONALIDAD: España. DIRECCIÓN Y GUIÓN: Ana Rodríguez Rosell. INTÉRPRETES PRINCIPALES: Óscar Jaenada, Manuela Vellés, Jan Cornet, Emma Suárez, Carlos Leal, Clara Würnell, Birol Ünel, Roberto Hoyas. MÚSICA ORIGINAL: Antonio Escobar. CANCIONES ORIGINALES: Alondra Bentley y Nine Stories. DIRECCIÓN DE FOTOGRAFÍA: Pau Mirabet. MONTAJE: Mapa Pastor.

Buscando a Eimish es una película que va a dividir de modo absoluto a los espectadores. Y no por los motivos habituales. En este blog, ya hemos comentado con anterioridad cintas destinadas a ser admiradas sólo por un público minoritario (El árbol de la vida, Los pasos dobles, en este mismo Festival Kanimambo) por su peculiar utilización del lenguaje cinematográfico. En este caso, el motivo es muy distinto: esta película cree que el amor verdadero, con todas sus implicaciones (estabilidad de la pareja, pervivencia de la familia) es posible. Y, claro está, a algunos esto les deja estupefactos. Si, además, les digo que “eimish” significa utopía en bereber, comprenderán que estamos hablando de algo en lo que cada vez se cree menos…





Si no se acepta la premisa enunciada, será imposible entrar en el juego que propone el film. Y esto, que, a priori, puede parecer un hándicap que dificulte su éxito en las taquillas puede ser, paradójicamente, su gran baza en el futuro. Mi intuición es que esta película va a funcionar muy bien gracias por el boca a boca y que se va a encontrar con un segmento de público que se vuelca con títulos cuyo mensaje coincide con el que Buscando a Eimish pregona.

La historia es la de una pareja formada por Lucas (Óscar Jaenada) y Eimish (Manuela Vellés). Un día, Eimish deja la casa donde ambos viven, sin que exista un motivo obvio. A partir de ahí, Lucas se dedicará a buscar a Eimish por Alemania e Italia e intentará reconstruir la relación. Toda la película se impregna de la metáfora del viaje como proceso de cambio que no sólo afecta a los protagonistas sino a todas las personas que, de uno u otro modo, están relacionados con ellos. Al mismo tiempo, a lo largo de una sucesión de flash-backs, iremos conociendo la vida de Eimish y comprendiendo las causas de su comportamiento, en el que tiene un peso muy importante la figura de su madre, papel  interpretado por una magnífica Emma Suárez. Como presencia curiosa y magnetizante, está la del actor turco-alemán Birol Ünel (que pudimos ver en Contra la pared –2004- de Fatih Akin y en Transylvania –2006- de Tony Gatlif), y que viene a ser una especie de conciencia o de ángel guardián de uno de los personajes secundarios, y que creo que aporta un contrapunto clarificador a la historia.

En resumen, Buscando a Eimish es una película original, surcada por un leve, soterrado y amable sentido del humor, con un tono aparentemente ingenuo y naïf, pero que encierra muchos elementos que servirán para alimentar y reverdecer un romanticismo tan alicaído en los tiempos actuales.





Nota (de 1 a 10): 7.

Lo que más me gustó: Manuela Vellés, Emma Suárez y Birol Ünel.

Lo que menos me gustó: Le hubiese venido muy bien un poco más de ritmo.



EL SEXO DE LOS ÁNGELES (o donde caben dos, caben tres)

TÍTULO: El sexo de los ángeles. AÑO: 2012. NACIONALIDAD: España. DIRECCIÓN: Xavier Villaverde. GUIÓN: Ana Maroto, Xavier Villaverde y José Antonio Vitoria. INTÉRPRETES PRINCIPALES: Astrid Bergès-Frisbey, Llorenç González, Álvaro Cervantes, Sonia Méndez, Lluïsa Castell, Julieta Marocco, Marc Pociello, Marc García Coté, Ricard Farré. MÚSICA ORIGINAL: Eduardo Molinero. DIRECCIÓN DE FOTOGRAFÍA: Sergi Gallardo. MONTAJE: Guillermo Represa. PÁGINA WEB OFICIAL: www.elsexodelosangeles.es

El sexo de los ángeles está emparentada con Jules et Jim (1962) de François Truffaut, Teorema (1968) o la relativamente más reciente Limpieza en seco (1997) de Anne Fontaine, es decir, con películas donde una pareja abre sus lazos emocionales a un tercero y ese tercero pasa a ser uno más de la relación. En este caso, los tres lados del triángulo son los jóvenes actores Astrid Bergès-Frisbey, Llorenç González y Álvaro Cervantes. El resultado final, sin embargo, no me ha gustado.



En gran medida, los distintos giros que van conformando la trama creo que son excesivamente forzados, impostados y faltos de verosimilitud. El tono de comedia que va adquiriendo el film conforme avanza tiene un alto grado de artificialidad y parece más relacionado con el afán de acomodar el film a la estructura de comedias románticas conocidas por el público que con el propósito de ajustar las distintas situaciones que van surgiendo al espíritu de la historia. Aunque hay que reconocer que la historia está narrada con agilidad y que el grupo de baile de hip-hop que aparece en distintos momentos del film es magnífico, poco más puedo destacar de esta cinta.



Nota (de 1 a 10): 4.

Lo que más me gustó: su agilidad.

Lo que menos me gustó: toda la historia está impostada y le falta naturalidad.

miércoles, 25 de abril de 2012

15º FESTIVAL DE MÁLAGA - CINE ESPAÑOL (ESCENA 9 // INTERIOR - NOCHE)


Hoy, dos películas de jóvenes y adolescentes en el Festival. Jornada accidentada, además, por un problema técnico en el pase de Los niños salvajes

ALI (o cómo llevar con aplomo la máscara de supervivencia)

TÍTULO: Ali. AÑO: 2011. NACIONALIDAD: España. DIRECCIÓN: Paco R. Baños. GUIÓN: Paco R. Baños y Rafael Cobos. INTÉRPRETES PRINCIPALES: Nadia de Santiago, Verónica Forqué, Adrián Lamana, Luis Marco, Angy Fernández, Julián Villagrán, Clara Vázquez. MÚSICA ORIGINAL: Julio de la Rosa. DIRECCIÓN DE FOTOGRAFÍA: Álvaro Gutiérrez. MONTAJE: José Manuel García Moyano.

Después del pase de la película, su director Paco R. Baños declaró que el cine independiente norteamericano era su principal referente fílmico, citando, expresamente, películas como Buffalo 66 (1998) de Vincent Gallo o al director Wes Anderson, realizador de películas como Los Tenenbaums (2001), Life Aquatic (2004) o Viaje a Darjeeling (2007). A partir de esa afirmación, se pueden comprender muchos de los defectos y virtudes de Ali porque los comparte, en gran medida, con esa vertiente del cine estadounidense. El llamado cine indie se puede dividir en dos corrientes bien diferenciadas: una, más conectada con el llamado “realismo social” o con el “realismo sucio” (como representante paradigmático, Gus van Sant) y, otra, más amable que es donde se integraría las influencias manifestadas por Paco R. Baños. Esta segunda corriente se caracteriza por tener un tono más amable, próximo a la comedia, y con la presencia de elementos líricos y/o fantásticos. Con esto, estamos ya describiendo la película a comentar.





Como principales virtudes de Ali, en consonancia con su estilo y con las propias intenciones del realizador, están su “frescura y su insolencia”, aportadas en gran medida, por una magnífica pareja protagonista, Nadia de Santiago y Verónica Forqué, que hacen de hija y madre, respectivamente. Nadia interpreta a Ali, una chica áspera que no quiere enamorarse ni tener compromisos serios. Las negativas experiencias sentimentales de su madre le han disuadido de repetir los mismos errores. Su relación con un chico que está enamorado de ella (interpretado por Luis Marco) es problemática y casi tiene un perfil de montaña rusa. A partir de este planteamiento, la historia que se nos narra es la de un proceso de aprendizaje en que Ali aprenderá a abrirse emocionalmente y a irse quitando la máscara que se ha construido para sobrevivir en medio de las restricciones que ella misma se ha impuesto por miedo e inseguridad.

Toda la trama está salpicada de irónicos e imaginativos detalles visuales, de personajes y situaciones que hacen de contrapuntos humorísticos y poéticos (hay que prestar mucha atención al personaje de Julián Villagrán, que aporta elementos que inyectan gran originalidad a la narración) y en una música que se va ajustando al proceso gradual de cambio que experimenta la protagonista.

Pero, cayendo en el gran peligro del cine indie, la no adscripción a ningún género concreto provoca que la historia vaya dando bandazos de tono en las diversas fases de trama que generan desconcierto y cierta dispersión en el argumento. Al principio, parece una obra imbuida del espíritu del movimiento de los “jóvenes airados” británicos, de finales de los 50 y principios de los 60, pasamos después a situaciones que nos pueden hacer recordar otras películas española como Historias del Kronen (1995) de Montxo Armendáriz, Yo soy la Juani (2006) de Bigas Luna o Mentiras y gordas (2009) de Alfonso Albacete y David Menkes, pero, al final, descubriremos que se trata, básicamente, de una comedia romántica que, quizás, tiene miedo de serlo.

Aportando elementos interesantes y resultando, en última instancia, una película agradable, le falta quizás solidez y consistencia para ser una película redonda que, por los elementos manejados y por la inteligencia que se intuye en el director del film, podría haber sido.





Nota (de 1 a 10): 5.

Lo que más me gustó: su frescura. Nadia de Santiago y Verónica Forqué.

Lo que menos me gustó: sus bandazos de género.



Antes que nada, agradecer la actitud de hoy de los miembros del equipo de Los niños salvajes, que han acudido al Festival, con quienes lo estamos cubriendo. Por un problema técnico, el pase de la película estuvo interrumpido casi dos horas. Cuando se pudo dar una solución, quienes vinieron a representar al film (su directora Patricia Ferreira, la productora Miriam Porté y los actores Marina Comas, Alex Monner, Albert Baró, Ana Fernández y Aina Clotet), por propia voluntad, decidieron dar dos ruedas de prensa, una para los que esperamos a ver el final de la película y otra para quienes, por la tarde, decidieron ver el segundo pase de ese desenlace. Su disponibilidad y su sincero agradecimiento a los que estábamos allí presentes son gestos merecedores de mi aplauso.

LOS NIÑOS SALVAJES (ELS NENS SALVATGES) (o cuando la rebeldía cambia de nombre)

TÍTULO: Los niños salvajes (Els nens salvatges). AÑO: 2012. NACIONALIDAD: España. DIRECCIÓN: Patricia Ferreira. GUIÓN: Patricia Ferreira y Virgina Yagüe. INTÉRPRETES PRINCIPALES: Marina Comas, Álex Monner, Albert Baró, Aina Clotet, Ana Fernández, Francesc Orella, José Luis García Pérez, Eduardo Velasco, Clara Segura,, Montse Germán, Emma Vilarasau, Mercè Pons. MÚSICA ORIGINAL: Pablo Cervantes. DIRECCIÓN DE FOTOGRAFÍA: Sergi Gallardo. MONTAJE: Antonio Frutos.

La rebeldía del adolescente es un tema clásico en la historia del cine. Desde la lejana Cero en conducta (1933) de Jean Vigo, pasando por Rebelde sin causa (1955) de Nicholas Ray, Los 400 golpes (1959) de François Truffaut, Rebelión en las aulas (1967) de James Clavell, En el abismo (1979) de Jonathan Kaplan, Rebeldes (1983) y La ley de la calle (1983) de Francis Ford Coppola, Mentes peligrosas (1995) de John N. Smith, Kids (1995) y Ken Park (2002) de Larry Clark o, más recientemente, La clase (2008) de Laurent Cantet. Entre estas películas, las hay menos duras y las hay especialmente crudas y amargas. Los niños salvajes se sitúa en esa transición donde la rebeldía juvenil muta en un comportamiento mucho más descarnado e implacable y muestra muchas de las carencias y falta de referentes de la situación actual. Sólo por ese motivo y por las reflexiones que suscita su historia, ya merecería la pena ver esta película.




Pero es que, además,  desde el punto de vista estrictamente cinematográfico, la realizadora Patricia Ferreira (que dirigió con anterioridad Sé quién eres -2000-, El alquimista impaciente -2002-, o Para que no me olvides -2005-) despliega una gran inteligencia en mantener la intriga de la trama y en desarrollar una estructura no lineal que es fundamental para enriquecer la historia desde diversos puntos de vista. También destaca el joven trío protagonista (Marina Comas, Álex Monner y Albert Baró) que se desenvuelve delante de cámara con gran desparpajo y desenvoltura.

A partir de una anécdota mínima, la narración va adquiriendo un creciente crescendo dramático hasta llegar a un brutal y desolador desenlace y, a lo largo del metraje, se irán desgranando cuáles son los problemas que afectan a los adolescentes, a sus familias y a sus profesores, siendo un testimonio de gran relevancia sociológica.

Los niños salvajes es ya (junto a A puerta fría), una de las grandes candidatas a conseguir el premio a la mejor película del Festival y su reparto seguro que se llevará algunos de los restantes galardones en liza.

Posiblemente, la objeción que tengo que hacer a la película es que, siendo verosímil, y seguramente ajustadas a la realidad, muchas de las cosas que vemos en ella, flaquea si evaluamos la consistencia de su diagnóstico. La atribución de responsabilidades que intuimos en el film es débil desde el punto de vista racional (quizás por ello, es un aspecto que ocupa un lugar muy, muy secundario) y deja al espectador con más preguntas que respuestas. Pero, al final, ello acaba siendo una virtud, en la medida en que generará un debate que, en los tiempos actuales, es más necesario que nunca.





Nota (de 1 a 10): 7.

Lo que más me gustó: su magnífico pulso narrativo. El trío protagonista.

Lo que menos me gustó: la debilidad de su diagnóstico.

martes, 24 de abril de 2012

15º FESTIVAL DE MÁLAGA - CINE ESPAÑOL (ESCENA 8 // INTERIOR - NOCHE)


WILAYA (o campamentos en el desierto)

TÍTULO: Wilaya. AÑO: 2012. NACIONALIDAD: España. DIRECCIÓN Y GUIÓN: Pedro Pérez Rosado. INTÉRPRETES PRINCIPALES: Nadhira Mohamed, Memona Mohamed, Aziza Brahim, Ainina Sidagmet, Mohamed Moulud, Jatra Malainin Mami, Lasria Gasem Mohamed, Buyema Fateh Lahsen. MÚSICA ORIGINAL: Aziza Brahim. DIRECCIÓN DE FOTOGRAFÍA: Óscar Durán. MONTAJE: Iván Aledo.

La situación de los campos de refugiados saharauis es, en gran medida, desconocida e ignorada en España. Habiendo sido el Sahara Occidental una antigua colonia española hasta el año 1975, es bastante paradójico que la preocupación por este territorio haya ido remitiendo en nuestro país hasta que sólo sea noticia la llegada de niños procedentes de dichos campamentos para pasar aquí sus vacaciones… El realizador valenciano Pedro Pérez Rosado, que ya en el año 1996 dirigió el documental Sahara: un pueblo y en  2004, Cuentas de la guerra saharaui,  ha intentado con Wilaya realizar un nuevo acercamiento a esta realidad.






La historia del film se centra en dos hermanas saharauis. Una de ellas, Fatimetu, ha pasado la mayor parte de su vida en España junto a una familia de acogida. La otra, Hayat, salvo un viaje a nuestro país para ser operada por sus problemas de movilidad, sólo conoce la realidad de los campos de refugiados. Cuando muere la madre de ambas, Fatimetu viaja hasta Wilaya para reencontrarse con su hermana. A partir de ahí, el choque de mentalidades y el proceso de enriquecimiento mutuo entre las dos hermanas, por un lado, y la influencia y conocimiento del entorno, por otro, constituirán el nervio del film.

Reconociendo el trabajo y la voluntad empeñados por todo el equipo en el proyecto, el exquisito gusto visual con que el film está realizado y el loable propósito que lo acompaña, su gran problema es que lo que se ajustaría mejor al formato de documental queda forzado y con menor capacidad expresiva trasladado al terreno de la ficción. Porque, aunque parezca contradictorio, lograr la espontaneidad en el relato fílmico no es nada fácil y requiere de mucha preparación (valga la paradoja). Equivocar el formato y los recursos expresivos empleados supone, irremisiblemente, menoscabar el grado de verismo de una historia y perder capacidad de conexión con los espectadores. Esto sucede con Wilaya que, a pesar de todo, se deja ver con agrado y tiene una gran agilidad narrativa que permite que sea seguida con interés.

Nota (de 1 a 10): 5.

Lo que más me gustó: da a conocer una realidad ignorada.

Lo que menos me gustó: no se maneja bien el terreno entre la ficción y el documental en que se mueve la película.