Translate

jueves, 25 de julio de 2013

LOBEZNO INMORTAL (o también los superhéroes necesitan psicoterapia)




TÍTULO: Lobezno inmortal. TÍTULO ORIGINAL: The WolverineAÑO: 2013. NACIONALIDAD: Estados Unidos. DIRECCIÓN: James Mangold. GUIÓN: Mark Bomback y Scott Frank. MÚSICA ORIGINAL: Marco Beltrami. INTÉRPRETES PRINCIPALES: Hugh Jackman, Rila Fukushima, Svetlana Khodchenkova, Will Yun Lee, Famke Janssen, James Fraser, Nobuaki Kakuda, Tao Okamoto, Hiroyuki Sanada, Garret Sato, Brian Tee, Luke Webb, Ken Yamamura, Hal Yamanouchi, Ian McKellen, Patrick Stewart. PÁGINA WEB OFICIAL: http://www.lobeznoinmortal.es/.

Si el pasado 21 de junio se estrenaba El hombre de acero (http://elespectadorimpertinente.blogspot.com.es/2013/06/el-hombre-de-acero-o-kar-el-alias-clark.html), llevando a la gran pantalla una nueva versión del Superman de DC Comics, ahora le ha tocado el turno a otro de los personajes más emblemáticos de la Marvel, la gran competidora de aquella, intentando enderezar uno de los grandes fiascos de las adaptaciones del mundo del cómic al cine. Pero lo mejor será que vayamos yendo por partes.

El origen de todo fueron los X-Men, el grupo de mutantes que, en España, fueron conocidos como la Patrulla X, y que fueron creados por Stan Lee y Jack Kirby en 1963. Después de unos primeros años sin suficiente éxito, en 1975 se relanzó la franquicia con Uncanny X-Men (en España, La Imposible Patrulla-X), con guión de Len Wein y dibujo de Dave Cockrum (http://www.elmundo.es/especiales/2011/05/cultura/comic/x_men_01.html). Casi inmediatamente, se hizo cargo de las historias Chris Claremont, el cual permaneció elaborando los guiones durante un largo período de 16 años y dio a la saga su etapa de mayor esplendor (http://www.elmundo.es/especiales/2011/06/cultura/comic/chris_claremont_01.html), de forma que sus tiradas superaban a las del propio Spiderman.

Este éxito fue el que hizo que los X-Men fueran adaptados al cine, con X-Men (2000) y X-Men 2 (2003) de Bryan Singer – esta, uno de los dos grandes títulos de la serie- y X-Men. La decisión final (2006) de Brett Ratner. A su vez, en 2011, se hizo una precuela de la saga, X-Men: Primera generación, de Matthew Vaughn, que es la segunda gran película que todo este ciclo nos ha dejado.






De la larga galería de personajes que han ido integrando los mutantes de X-Men, el más carismático de todos es, indudablemente, Lobezno (Wolverine, en el inglés original), un tipo mal encarado, de trato difícil y que, a veces, roza la pura psicopatía (http://www.elmundo.es/especiales/2009/04/cultura/lobezno/lobezno_03.html). Ese carácter oscuro, que da a su personalidad una acusada ambivalencia, y que comparte con otro personaje como el Batman moderno, que también conoció, gracias a ese rasgo, un enorme desarrollo y enriquecimiento, permitió inyectar una gran fuerza dramática en sus historias y hallar numerosos matices psicológicos a su comportamiento. Sin embargo, como antes anticipábamos, la primera versión cinematográfica del personaje en solitario, X-Men Orígenes: Lobezno (2009) de Gavin Hood, supuso una gran decepción, quizás no por la película en sí, sino, más bien, por el desaprovechamiento que se hacía de las posibilidades del atormentado protagonista. Con Lobezno inmortal, surgía la posibilidad de arreglar el desaguisado.
Esta película está inspirada, parcialmente en Lobezno. Honor (en Estados Unidos, simplemente The Wolverine), cómic con guión del antes mencionado Chris Claremont, dibujo de Frank Miller y tinta de Joe Rubinstein (http://www.elmundo.es/especiales/2013/07/cultura/comic/lobezno_honor.html). Como este, se desarrolla, casi íntegramente, en Japón e, igualmente, también traza un arco de redención para el personaje, humanizándolo y ayudándonos a encontrar en él rasgos de afectividad que rompen con su imagen brutal y desaforada. Los espectadores, desde X-Men Orígenes: Lobezno, ya conocen la raíz de su sufrimiento, por lo que se trataba, si se quería cambiar la dinámica, de cómo narrar, en última instancia, un proceso de superación que le permitiese mirar el mundo desde un punto de vista menos angustiado. Es decir, había que adoptar un enfoque novedoso y poco trillado para abordar la historia y hay que admitir que ello ha sido conseguido plenamente.






viernes, 19 de julio de 2013

STAR TREK: EN LA OSCURIDAD (o la noche más oscura de la Federación Unida de Planetas)


La entrada de hoy está dedicada a mi amigo Juan Ignacio Amador, quien comparte con los navegantes de la Enterprise su condición de explorador apasionado e incansable.



STAR TREK: EN LA OSCURIDAD (o la noche más oscura de la Federación Unida de Planetas)



TÍTULO: Star Trek: En la oscuridad. TÍTULO ORIGINAL: Star Trek Into DarknessAÑO: 2013. NACIONALIDAD: Estados Unidos. DIRECCIÓN: J. J. Abrams. GUIÓN: Roberto Orci, Alex Kurtzman y Damon Lindelof, basándose en la serie creada por Gene Roddenberry. MÚSICA ORIGINAL: Michael Giacchino. INTÉRPRETES PRINCIPALES: Chris Pine, Zachary Quinto, Zoe Saldana, Karl Urban, Simon Pegg, John Cho, Benedict Cumberbatch, Anton Yelchin, Bruce Greenwood, Alice Eve, Noel Clarke, Chris Hemsworth. PÁGINA WEB OFICIAL: http://www.startrek-es.com/ y http://www.startrekmovie.com/.



J. J. Abrams es uno de los grandes renovadores del género de acción en los últimos años, a pesar de que su primer gran éxito fue como productor con la serie de televisión Felicity (http://www.imdb.com/title/tt0134247/). Sin embargo, su irrupción en ese tipo de producción con las series Alias (http://www.imdb.com/title/tt0285333/) y, sobre todo, Perdidos (http://www.imdb.com/title/tt0411008/) supuso una radical ruptura de esquemas, en los que la mezcla de tramas complejas (pero férreamente lógicas), giros inesperados, adopción de puntos de vista insólitos, brillante factura visual y homenajes implícitos a referentes míticos daban como resultado historias muy distintas a las que la costumbre y la rutina nos tenían habituados. En el cine, trasladó ese estilo a Mission: Impossible III (2006), convirtiendo esta tercera entrega en, indudablemente, la mejor de toda la franquicia (aquí, el muy sutil homenaje implícito era a Hitchcock y a su Con la muerte en los talones, ya que toda la historia se basaba en un macguffin completamente hueco: la famosa “pata de conejo”). Posteriormente, como productor, también llevó a cabo un magnífico ejercicio de estilo con la incomprendida Monstruoso (Cloverfield, 2008) de Matt Wilson, narrada íntegramente a través de una supuesta grabación de vídeo casero y que supuso un nuevo avance en su reformulación del género. Posteriormente con Star Trek (2009), en la que utilizaba como referente un clásico de John Ford (que, por supuesto, no vamos a revelar cuál es), y Super 8 (2011), posiblemente su mejor película hasta la fecha (http://elespectadorimpertinente.blogspot.com.es/2011/09/capitan-america-el-primer-vengador-y.html), que era todo un homenaje al cine de los 80 (sobre todo, el de Spielberg) y una hermosa historia que recogía el espíritu de la bildungsroman tradicional (http://es.wikipedia.org/wiki/Bildungsroman). Con su última película, Star Trek: En la oscuridad, sigue con la emblemática saga galáctica (antes de emprender la ardua tarea de abordar la séptima entrega de la también emblemática La guerra de las galaxias: http://www.elmundo.es/elmundo/2013/01/25/cultura/1359071800.html) y su intento por adaptarla a los nuevos tiempos y ampliar el público devoto de la misma. 





viernes, 12 de julio de 2013

HANNAH ARENDT y LA MEJOR OFERTA


La entrada de hoy está dedicada a mi amiga Lourdes López Macías, que fue la primera en apreciar la calidad de "La mejor oferta".


HANNAH ARENDT (o “intentar comprender no es lo mismo que perdonar”)

TÍTULO: Hannah Arendt. TÍTULO ORIGINAL: Hannah ArendtAÑO: 2012. NACIONALIDAD: Alemania-Francia-Luxemburgo. DIRECCIÓN: Margarethe von Trotta. GUIÓN: Pam Katz y Margarethe von Trotta. MÚSICA ORIGINAL: André Mergenthaler. INTÉRPRETES PRINCIPALES: Barbara Sukowa, Axel Milberg, Janet McTeer, Julia Jentsch, Ulrich Noethen, Michael Degen, Nicholas Woodeson, Victoria Trauttmansdorff, Klaus Pohl, Friederike Becht. PÁGINA WEB OFICIAL: http://www.surtseyfilms.es/peliculas/hannah-arendt/.

El 11 de mayo de 1960, el Mossad capturó al norte de Buenos Aires al criminal de guerra nazi Adolf Eichmann (el máximo responsable de la organización logística del Holocausto) y lo trasladó, nueve días más tarde, de manera oculta a Israel. Aparte del conflicto diplomático que se originó por esta operación de los servicios secretos del Estado hebreo, la polémica más importante que se originó fue a raíz de la celebración del juicio posterior del anterior jerarca nazi en la ciudad de Ramla el cual fue cubierto para la revista The New Yorker por la filósofa alemana Hannah Arendt (http://es.wikipedia.org/wiki/Hannah_Arendt), quien era judía, tuvo que huir de Alemania con la llegada de Hitler al poder y estuvo recluida en un campo de internamiento francés tras la invasión germana del país galo. En el largo artículo que publicó para exponer su visión del proceso (Eichmann en Jerusalén: Un estudio sobre la banalidad del mal: http://es.wikipedia.org/wiki/Eichmann_en_Jerusal%C3%A9n._Un_estudio_sobre_la_banalidad_del_mal), defendió dos tesis que causaron una enorme controversia:

1.- La primera, que, frente a la visión convencional de un Eichmann como representación absoluta del mal, ella realmente lo veía como un ser mediocre que no tenía nada de extraordinario y que se había limitado a ser un obediente servidor que se había limitado a cumplir órdenes. Para Arendt, ello no constituía ningún atenuante sino que era la muestra de cómo un régimen totalitario consigue que el sujeto logre apagar su sentido crítico y su capacidad de razonamiento para convertirse en un simple títere que lo único que hace es seguir las directrices que le marcan sin poner en duda las mismas. Es decir, el totalitarismo implicaba el fin de la condición del ser humano como sujeto moral.

2.- La segunda tesis suponía una profunda crítica al papel de los consejos judíos, que habían sido promovidos por el nazismo y que, pese a que se convirtieron en la referencia para el pueblo hebreo y acabaron ostentando una cierta función de liderazgo, acabaron colaborando con los nazis en la organización del Holocausto al participar en la identificación de los habitantes de los guetos y en la elaboración del inventario de sus bienes. Para Arendt, si los consejos judíos no hubieran existido, la cifra de muertos por el Holocausto hubiera sido menor de la que realmente fue ya que los nazis se hubieran encontrado con mayores trabas y obstáculos para ejecutar su acción.

Ambas tesis, que tenían un papel reducido en un largo artículo de 300 páginas que se fue publicando a lo largo de cinco entradas en la revista antes mencionada, fueron, no obstante, las protagonistas de una áspera polémica posterior, en la que se acusaba a Arendt de intentar exculpar, al menos parcialmente, a Eichmann y, por otra parte, de acusar al pueblo judío de su propio intento de exterminio. Esta polémica es la que ocupa la parte central del film de Margarethe von Trotta y constituye su eje fundamental.






Resulta, hasta cierto punto, sorprendente que los dos postulados antes expuestos pudieran causar tantos problemas a la filósofa alemana, sobre todo porque, más que ser atacados por lo que literalmente querían decir, fueron retorcidos en su interpretación para hacerlos más fácilmente atacables. Ni Arendt exculpaba a Eichmann ni hacía responsables a los judíos de su propio genocidio. A lo que apuntaba era al hecho de que, lo peor en un régimen totalitario, era que los individuos prescindían de su dimensión moral y, de una manera fría, burocrática y sin reflexión sobre las consecuencias de sus actos podían cometer los actos más atroces sin ningún tipo de remordimiento de conciencia posterior.

Que esta opinión supusiera que Arendt fuera criticada sin piedad invita a una reflexión sobre las causas del ataque. Es inevitable pensar que, en el fondo, los argumentos de Arendt se dirigieran, no sólo a los hechos acaecidos durante el mandato de Hitler, sino que, en un sentido más profundo, acababan siendo un diagnóstico del gran mal de nuestro tiempo: el individuo, con miedo a asumir las consecuencias de sus propios actos, se entrega al calor confortante de la burocracia para diluir su papel en la marcha de los acontecimientos y parapetarse tras la mecánica de los procedimientos para abdicar de su responsabilidad en los mismos. En la medida en que Arendt apuntó a ese mal esencial, era lógico que se rebelaran quienes pretendían acogerse a su perversa dinámica para vivir en el reino de la “irresponsabilidad” permanente.

Aunque el film desarrolla con gran rigor, precisión y claridad su tema central y la interpretación de Barbara Sukowa es bastante convincente, quizás cabe achacarle una cierta limitación en su uso de los recursos visuales y una gran pobreza en los flash-backs que relatan el pasado de la protagonista. De este modo, la película acaba apasionando más por el tema que trata que por el tratamiento que se le da al mismo. No obstante, su gran fuerza y profundidad hacen que la cinta sea vista con interés e invite, sobremanera, a su reflexión y discusión posterior. Y, sobre todo, el uso de las imágenes reales de Eichmann durante su juicio en Israel nos obliga a mirar al mal frente a frente e intentar discernir su auténtica condición.


Nota  (de 1 a 10): 7,5.

Lo que más me gustó: La claridad con que se desarrolla el tema central del film.

Lo que menos me gustó: Visualmente, es muy limitado. Sobre todo, hay que incluir en su debe la pobreza narrativa de los flash-backs.




LA MEJOR OFERTA (o la falsificación considerada como una de las bellas artes)

TÍTULO: La mejor oferta. TÍTULO ORIGINAL: La migliore offertaAÑO: 2013. NACIONALIDAD: Italia. DIRECCIÓN Y GUIÓN: Giuseppe Tornatore. MÚSICA ORIGINAL: Graham Reynolds. INTÉRPRETES PRINCIPALES: Geoffrey Rush, Jim Sturgess, Sylvia Hoeks, Donald Sutherland, Dermot Crowley, Liya Kebede, Philip Jackson, Kiruna Stamell, Lynn Swanson, Miles Richardson, Sylvia De Fanti, Gerry Shanahan, Anton Alexander, Katie McGovern. PÁGINA WEB OFICIAL: http://www.filmax.com/peliculas/la-mejor-oferta.6.



Giuseppe Tornatore tendrá siempre un rincón en la historia del cine con Cinema Paradiso (1988). La entrañable historia de un niño que mantiene una relación de estrecha amistad con el proyector del cine de su pueblo desprendía un calor y una emoción difícilmente alcanzados en cualquier película de los últimos treinta años y, por ello, tuvo un gran éxito de público que se ha prolongado en el tiempo al ser una de las películas recordadas con más cariño por la mayoría de los espectadores. (La crítica, como suele suceder con este tipo de películas, fue más tibia: http://www.fotogramas.es/Peliculas/Cinema-Paradiso/Critica). Desde entonces, la obra de Tornatore no ha tenido un título de tanto éxito como este pero con La mejor oferta es muy posible que haya alcanzado otra cima que haga que los aficionados al séptimo arte dividan sus opiniones sobre cuál es su mejor película. Y, además, ello le va a permitir librarse de esa tan temida condición de ser un director de un único hit para ser considerado como un maestro de primera fila.

Porque La mejor oferta es un film que reúne una inmensidad de virtudes y capas narrativas por debajo de su fachada estrictamente clásica. Sus primeros veinte minutos podrían ser el manual perfecto de cómo ejecutar la introducción de una película: sin que la trama empiece a desarrollarse, hay dinamismo y, sobre todo, una presentación excelsa del protagonista, interpretado por un soberbio Geoffrey Rush. Es inevitable, en dicho comienzo, mientras vamos viendo los lotes de subasta, recordar el final de Ciudadano Kane, en el que también los objetos que pertenecieron al protagonista son vendidos al mejor postor de manera indiscriminada. Rememorando al Charles Foster Kane de la obra maestra de Welles, La mejor oferta pone (de modo sutil) las cartas sobre la mesa y nos muestra cómo su protagonista esconde un secreto que escinde su personalidad (genial, el detalle de la vela de la tarta de cumpleaños que divide visualmente su rostro) y que sólo es un eco más de la mecánica que toda falsificación conlleva.







martes, 9 de julio de 2013

#littlesecretfilm



 #littlesecretfilm

Hoy, nos vamos a detener en un curioso proyecto cinematográfico que se ha puesto en marcha en España y que, recordando un poco al movimiento Dogma danés (http://elespectadorimpertinente.blogspot.com.es/2013/05/la-caza-o-cuando-nada-puede-volver-ser.html), ha creado un manifiesto (http://littlesecretfilm.com/LittlesecretfilmManifiestoCastellano.pdf) donde se recogen los principios que deben regir la producción y realización de un film para poder ser adscrito a esta denominación: el largometraje debe ser producido en secreto, sin ninguna comunicación en prensa y redes sociales hasta el día de su estreno; el largometraje será grabado a lo largo de un máximo de 24 horas ininterrumpidas, sin limitación temporal para su preproducción y posproducción; la grabación se efectuará en tecnología digital HD, pudiendo incluir material previo de archivo en cualquier otro formato; no contará con guión dialogado previo y el rodaje avanzará mediante improvisaciones; el equipo técnico estará constituido por un máximo de diez personas y ninguna recibirá remuneración económica por su colaboración; el largometraje será financiado exclusivamente por el director; finalmente, el largometraje será estrenado de manera gratuita en internet. #littlesecretfilm no quiere convertirse en un movimiento o escuela sino, más bien, en convertirse en una alternativa por la que poder encauzar determinadas inquietudes cinematográficas.

Las películas ya realizadas, a las que se puede acceder a través de la página web http://littlesecretfilm.com/, suelen tener un toque experimental evidente pero, en muchas ocasiones, es emocionante comprobar que, con unas reglas tan rígidas y con la escasez de medios empleados, se obtengan sorprendentes resultados que logren evocar eso tan etéreo que llamamos “la magia del cine” y que hace que siempre tengamos la ilusión de que, cuando vemos una película, encontremos algo que no habíamos esperado hallar. Aunque ya hay dieciséis películas realizadas, voy a comentar las siete que considero más interesantes.


MANIC PIXIE DREAM GIRL (AN INTERNET LOVE STORY)

TÍTULO: Manic pixie dream girl (An internet love story). TÍTULO ORIGINAL: Manic pixie dream girl (An internet love story)AÑO: 2013. NACIONALIDAD: España. DIRECCIÓN: Pablo Maqueda. GUIÓN: Pablo Maqueda y Rocío León.  INTÉRPRETES PRINCIPALES: Rocío León.

ENLACE WEB A LA PELÍCULA: http://vimeo.com/58633538.

En este film, aparece una cantante ficticia, Roma Rises, que es una estrella internacional del pop (en realidad, tiene un gran parecido con una artista real, pero no vamos a desvelar de quién se trata). Ella y muchas de sus seguidoras (su presidenta de club de fans, una videobloguera que analiza las tendencias de la moda, una admiradora modesta…) van revelando sus pensamientos a través de internet. Pero, claro está, la artista también tiene sus detractores y  una chica utilizará la red para denostarla y criticarla. A partir de ahí, una corriente imparable podrá en marcha los acontecimientos. A partir de su sencillez formal, Pablo Maqueda desarrolla en este film una ácida reflexión sobre los tiempos actuales y es capaz de plantear en la segunda parte de la película un sorprendente giro narrativo que dinamita todo lo que habíamos visto en la primera mitad. Manic pixie dream girl (An internet love story) es una de las grandes sorpresas del año y revela en Pablo Maqueda a un talento a seguir en los próximos años.




Nota (de 1 a 10): 8.

Lo que más me gustó: La sencilla brillantez con que está narrada la historia. Su giro final. Rocío León.

Lo que menos me gustó: Sorprendentemente, nada.



16TH FOLK ROOM

TÍTULO: 16th Folk Room. TÍTULO ORIGINAL: 16th Folk RoomAÑO: 2013. NACIONALIDAD: España. DIRECCIÓN: Víctor Alonso. ARTISTAS QUE INTERVIENEN: Kilkawley Family, James Burton, Hank Dogs, The Galleons, Lucy Kitt, The Bara Bara Band, Josienne Clark, Lorraine Wood, Trobadour Rose, Michele Stodart, Pete Greenwood, Maggie Jane Rose, Indigo Earth, Winston Skerrit, Jack Day, Joe Wilkes.

ENLACE WEB A LA PELÍCULA: http://www.acordesurbanos.com/16thfolkroom/

El planteamiento de esta película es sencillo: una serie de artistas de la escena folk londinense van pasando por una habitación de hotel para interpretar una canción. Aunque los artistas no son muy conocidos, el nivel artístico que demuestran es muy alto. Y es inevitable que ello nos haga reflexionar sobre dónde se hace buena música hoy en día y por qué determinados cantantes y grupos no encuentran la forma para darse a conocer y que puedan ser conocidos por el público. Todos saldríamos ganando…





 Nota (de 1 a 10): 7.

Lo que más me gustó: Que en poco más de una hora hay más música que en una semana entera de radiofórmulas convencionales.

Lo que menos me gustó: Que no haya ninguna información sobre los artistas.



LOS DESÓRDENES SENTIMENTALES

TÍTULO: Los desórdenes sentimentales. TÍTULO ORIGINAL: Los desórdenes sentimentalesAÑO: 2013. NACIONALIDAD: España. DIRECCIÓN: Ramón Alfonso. MÚSICA ORIGINAL: DoKashiteru y Javolenus. INTÉRPRETES PRINCIPALES: Emilio Linder, Belén Riquelme, Arlett Biot, Isabel Marsal, Robert De La Fuente.

ENLACE WEB A LA PELÍCULA: http://www.youtube.com/watch?v=7uJezkQI94k.

La juventud y la madurez se reflejan mutuamente para mostrarnos que sus problemas no son, en el fondo, tan diferentes. Sólo el paso del tiempo hace que el idealismo se trueque en resignación y la ilusión, en una especie de cinismo amargo en el que, a pesar de todo, aún pervive una débil esperanza. En el centro de todo, las relaciones personales que, en vez de ser la vía liberadora con la que se sueña, acaban siendo un callejón sin salida y una fuente de nuevas angustias. Todo ello queda maravillosamente reflejado en este film de Ramón Alfonso que sorprende por su lucidez y su decisión en retratar a unos personajes con los que tenemos más parecido de lo que estaríamos dispuestos a confesar.




Nota (de 1 a 10): 7.

Lo que más me gustó: Su contundente retrato de las fragilidades humanas.

Lo que menos me gustó: A un personaje le sobra, en algunos momentos, un poco de histrionismo.



CINEMA VERITÉ, VERITÉ

TÍTULO: Cinema verité, verité. TÍTULO ORIGINAL: Cinema verité, veritéAÑO: 2013. NACIONALIDAD: España. DIRECCIÓN: Elena Manrique. GUIÓN (historia): Elena Manrique y Helena Morales. MÚSICA ORIGINAL: Nono y Sasa. INTÉRPRETES PRINCIPALES: Sasa, Vicky Fox, Ruth Díaz, Patricia Méndez, Sonia Barba, Amaya Lemur, Mónica Caballero, Chus Gutiérrez, Alexandru Filimon, Ke-Jong, Alba Fernández, Mar Balaguer, Diego Garrido, Cira Miró, Ángela García Ferriz, Beatriz Palomo, Helena Morales, Elena Manrique, Jesús Vázquez Viedma.

ENLACE WEB A LA PELÍCULA: http://vimeo.com/58282092

Ya el título del film invita a pensar que la ironía y un ácido humor van a estar presentes en la propuesta. Y, efectivamente, es así. Pero también hay una sorprendente mezcla de influencias que pasan por Woody Allen, Rainer Werner Fassbinder, Pedro Almodóvar o Adaptation (El ladrón de orquídeas) (2002) de Spike Jonze, con guión de Charlie Kaufman. A la vez que una sensación de derrota invade a la protagonista, el sentido del humor y un cierto optimismo impregnan a las tramas paralelas (la de la fiesta y la de las guionistas), de forma que la historia deja un sabor agridulce que resulta muy curioso. Al final, no sabremos a cuál de las dos sensaciones atenernos: es decir, como la vida misma, verité, verité





Nota (de 1 a 10): 6,5.

Lo que más me gustó: Su sorprendente mezcla de sabor a derrota y chispeante optimismo.

Lo que menos me gustó: Un cierto exceso de subtramas y de personajes.



LA PÁJARA

TÍTULO: La pájara. TÍTULO ORIGINAL: La pájaraAÑO: 2013. NACIONALIDAD: España. DIRECCIÓN: Jimina Sabadú. GUIÓN: Jimina Sabadú (idea original), Enrique López Lavigne, Jaime Adalid, Hugo Álvarez Gómez, Ion Arretxe, Patricia Estevan, Alba García, Ángel Paísán, Cristina Pineda y Antonio Trashorras Gómez. INTÉRPRETES PRINCIPALES: Jaime Adalid, Hugo Álvarez Gómez, Ion Arretxe, Patricia Estevan, Alba García, Ángel Paisán, Cristina Pineda, Antonio Trashorras Gómez.

ENLACE WEB A LA PELÍCULA: http://vimeo.com/58176529

A veces, una historia sencilla nos atrapa por la originalidad de su enfoque. La pájara viene a ser un anticuento de hadas. Aquí, el hada que aparece inopinadamente no llevará a los personajes a un mundo de ensueño sino que los devolverá, simplemente, al gris mundo real. Pero en ese gesto descubriremos la dignidad de quienes, hasta ese momento, sólo habíamos visto su mezquindad y estrechez de miras. En realidad, lo único que pretendían era protegerse de un entorno hostil que sabe poco de la poesía oculta de los objetos. De poesía y de un lirismo muy personal va sobrado este film que nos descubre la mirada única e irrepetible de Jimina Sabadú.





Nota (de 1 a 10): 7.

Lo que más me gustó: La peculiar, personal y original poesía que se desprende de la historia.

Lo que menos me gustó: Una mayor brevedad en algunas escenas hubiese hecho mejorar el conjunto.


KILN

TÍTULO: KILN. TÍTULO ORIGINAL: KILNAÑO: 2013. NACIONALIDAD: España. DIRECCIÓN: Héctor García Barnés. MÚSICA ORIGINAL: Tania Campoy, Star Mafia Boy y Javi Diesel. INTÉRPRETES PRINCIPALES: Tania Campoy, Esther Gombau, Star Mafia Boy, Javi Diesel, Hector García Barnés.

ENLACE WEB A LA PELÍCULA: http://vimeo.com/58435248

Este film es un documental ficticio sobre la historia de un grupo de rock (KILN) que, dentro de 300 años, será el más emblemático durante la II Guerra de Sistemas. A partir de ahí, imaginen ironía, sarcasmo, sentido del humor y una velada crítica al vedetismo de muchos grupos y artistas que imaginan que son el centro del Universo. Divertida, cáustica y juguetona, nos hace pasar un buen rato y sorprendernos, continuamente, por su originalidad.





Nota (de 1 a 10): 7.

Lo que más me gustó: La originalidad de la propuesta. Su peculiar sentido del humor.

Lo que menos me gustó: En algunos momentos, los personajes tienden a exagerar su pose.



ANFIBIA

TÍTULO: Anfibia. TÍTULO ORIGINAL: AnfibiaAÑO: 2013. NACIONALIDAD: España. DIRECCIÓN Y GUIÓN (idea original): Hugo Álvarez Gómez. MÚSICA ORIGINAL: Oscar Saladin. INTÉRPRETES PRINCIPALES: Ana Varela, Helena Moreno, Luis Andrés, Teresa López, Javier Páez, Romeo Rodríguez, Ángel Paisán y Roxana Gómez.

ENLACE WEB A LA PELÍCULA: http://www.youtube.com/watch?v=d5aYRj5GVzY.
 
Anfibia empieza siendo un laberinto, una radiografía de la angustia o, más bien, de una angustia indefinida cuyo perfil se nos parece escapar. Sin embargo, mientras se nos va narrando el cuento de un sapo, no podemos evitar pensar que, quizás, todo tiene una salida y que la luz al final del túnel empieza a vislumbrarse. Y, efectivamente, se vislumbra. Influida por el cine de David Lynch (en especial, creo que por INLAND EMPIRE -2006-) y el de Roman Polanski (sobre todo, por Repulsión -1965-), el gran mérito de Anfibia es que logra distanciarse de sus referencias y dar un giro final en el que la reflexión sobre un tema actual pero, a la vez, sobre los mecanismos y subterfugios a los que el ser humano  se aferra para evadirse de la realidad se muestra ácida, precisa, contundente y, sobre todo, impregnada de un toque personal indudable y evidente.





Nota (de 1 a 10): 7.

Lo que más me gustó: La solidez final de la narración cuando, en la mayor parte del metraje, parece, simplemente, una pura alucinación. El monólogo en la bañera.

Lo que menos me gustó: El happy end de la historia parece un poco postizo (aunque no sé si es, en realidad, irónico o un homenaje a INLAND EMPIRE de David Lynch).

viernes, 5 de julio de 2013

ANTES DEL ANOCHECER (o cuando el bla, bla, bla entra por la puerta, el amor salta por la ventana)


TÍTULO: Antes del anochecer. TÍTULO ORIGINAL: Before MidnightAÑO: 2013. NACIONALIDAD: Estados Unidos. DIRECCIÓN: Richard Linklater. GUIÓN: Richard Linklater, Julie Delpy, Ethan Hawke. MÚSICA ORIGINAL: Graham Reynolds. INTÉRPRETES PRINCIPALES: Ethan Hawke, Julie Delpy, Seamus Davey-Fitzpatrick, Jennifer Prior, Charlotte Prior, Xenia Kalogeropoulou, Walter Lassally, Ariane Labed, Yiannis Papadopoulos, Athina Rachel Tsangari, Panos Koronis, Enrico Forcadi, Manolis Goussias, Anouk Servera, Yota Argyropoulou, Serafeim Radis. PÁGINA WEB OFICIAL: http://www.acontracorrientefilms.com/pelicula/205/antes-del-anochecer/ y http://www.sonyclassics.com/beforemidnight/.

Hasta ahora, ya habíamos comentado en el blog muchas películas dedicadas, directa o indirectamente, al tema de la pareja: Los próximos tres días de Paul Haggis (http://elespectadorimpertinente.blogspot.com.es/2011/04/los-proximos-tres-dias-tourist-y-mas.html), The Artist de Michel Hazanavicius (http://elespectadorimpertinente.blogspot.com.es/2011/04/los-proximos-tres-dias-tourist-y-mas.html), Buscando a Eimish de Ana Rodríguez Rosell (http://elespectadorimpertinente.blogspot.com.es/2012/04/15-festival-de-malaga-cine-espanol_26.html), Moonrise Kingdom de Wes Anderson (http://elespectadorimpertinente.blogspot.com.es/2012/07/moonrise-kingdom-y-el-caballero-oscuro.html), Holmes & Watson. Madrid Days de José Luis Garci (http://elespectadorimpertinente.blogspot.com.es/2012/09/holmes-watson-madrid-days-o-la-poetica.html), The  Deep Blue Sea (http://elespectadorimpertinente.blogspot.com.es/2012/09/en-bruto-deep-blue-sea-y-roma-con-amor.html), Amor (http://elespectadorimpertinente.blogspot.com.es/2013/01/amor-o-la-cara-oculta-del-romanticismo.html), Blue Valentine de Derek Cianfrance (http://elespectadorimpertinente.blogspot.com.es/2013/03/blue-valentine-o-no-lo-llames-amor.html), To the Wonder de Terrence Malick (http://elespectadorimpertinente.blogspot.com.es/2013/04/to-wonder.html), Ayer no termina nunca de Isabel Coixet (http://elespectadorimpertinente.blogspot.com.es/2013/04/16-festival-de-malaga-cine-espanol-2013.html) y Stockholm de Rodrigo Sorogoyen (http://elespectadorimpertinente.blogspot.com.es/2013/04/16-festival-de-malaga-cine-espanol-2013_25.html). Como ven, no son precisamente pocas. Y es que uno de los grandes temas de la narrativa cinematográfica sigue estando presente en los films actuales. No obstante, nos faltaba por tratar la que ha acabado siendo la trilogía definitiva sobre el amor, sus vicisitudes y las dificultades de la convivencia. Si para el mundo de la mafia, está la trilogía de El Padrino; si para la ciencia ficción está la de La guerra de las galaxias; si para la fantasía heroica está la de El señor de los anillos y si para el imaginario de los superhéroes está la de Batman (http://elespectadorimpertinente.blogspot.com.es/2012/07/moonrise-kingdom-y-el-caballero-oscuro.html), para los problemas derivados de las relaciones de pareja están Antes del amanecer (1995), Antes del atardecer (2004) y, ahora, Antes del anochecer (2013) de Richard Linklater.

Durante veinte años, hemos podido seguir cómo se cruzaban, se separaban, se volvían a cruzar y se unían los caminos recorridos por los personajes interpretados por Ethan Hawke y Julie Delpy. Los empezamos conociendo, en Antes del amanecer, en un tren destino a Viena donde se encontraban y surgía entre ellos un poderoso chispazo romántico. En Antes del atardecer, volvían a coincidir en París y estaba claro que, a pesar de que él estuviera casado, sus destinos iban a quedar enlazados desde ese momento en adelante. En Antes del anochecer, los volvemos a ver pero, esta vez, más allá de la etapa de enamoramiento, contemplamos qué ha sucedido con ellos después de casi diez años de convivencia. Y, claro, ya nada es igual.