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martes, 29 de octubre de 2013

EL ATLAS DE LAS NUBES (o cuando la filosofía es rentable)



ASIGNATURAS PENDIENTES

EL ATLAS DE LAS NUBES (o cuando la filosofía es rentable)

TÍTULO: El atlas de las nubes. TÍTULO ORIGINAL: Cloud AtlasAÑO: 2012. NACIONALIDAD: Estados Unidos-Alemania-Hong Kong-Singapur. DIRECCIÓN: Andy Wachowski, Lana Wachowski y Tom Tykwer. GUIÓN: Andy Wachowski, Lana Wachowski y Tom Tykwer, adaptando la novela homónima de David Mitchell. MÚSICA ORIGINAL: Reinhold Heil, Johnny Klimek y Tom Tykwer. INTÉRPRETES PRINCIPALES: Tom Hanks, Halle Berry, Jim Broadbent, Hugo Weaving, Susan Sarandon, Hugh Grant, Jim Sturgess, Doona Bae, Ben Whishaw, Keith David, James D’Arcy, Xun Zhou, Robert Fyfe, Martin Wuttke, Robin Morrissey, Brody Nicholas Lee. PÁGINA WEB OFICIAL: http://wwws.warnerbros.es/cloudatlas/.

Los hermanos Wachoski consiguieron la fama y un lugar inamovible en la historia del cine con Matrix (1999). Esta compleja película que podía ser considerada, de entrada, como una historia de ciencia-ficción, ofrecía otros significados filosóficos posibles, que podían remitir al “mito de la caverna” de Platón o a La vida es sueño de Pedro Calderón de la Barca. Algunas circunstancias personales de los directores, conocidas más tarde (http://www.fotogramas.es/Noticias/Lana-Wachowski-explica-su-cambio-de-sexo),  invitaban a otras interpretaciones, insospechadas en un principio. Las dos películas que completaron la trilogía (Matrix Reloaded -2003- y Matrix Revolutions -2003-) no tuvieron el mismo éxito ni la misma favorable recepción crítica que el primer título (posiblemente porque, por un lado, la historia inicial derivó en una trama de acción que, aunque espectacular, no era nada original y, por otro, los conceptos filosóficos se volvieron demasiado elevados para el gran público). Con posterioridad, su labor como productores en V de Vendetta (2005) de James McTeigue y, nuevamente en la dirección, en Speed Racer (2008) no les permitieron tener la misma repercusión que habían alcanzado anteriormente. Con El atlas de las nubes, codirigida con el director alemán Tom Tykwer y estrenada en Estados Unidos el 25 de octubre de 2012 y en España el 22 de febrero de 2013, pretendieron repetir el éxito que habían conocido pero, frente a Matrix, las diferencias de opinión entre crítica y público fueron especialmente acusadas.








El atlas de las nubes desarrolla una trama que se desarrolla a lo largo de varios siglos y se centra en seis momentos temporales distintos (1849, 1936, 1973, 2012, 2144 y 2321). Esto último puede generar cierta confusión pero, conforme la película va avanzando, iremos descubriendo que lo que sucede en cada uno de ellos guarda una íntima conexión con lo sucedido en el momento cronológicamente anterior, ilustrándose, con ello, la idea central de la película: que las decisiones valientes, arriesgadas y éticamente correctas de una persona, aunque puedan parecer insignificantes o intrascendentes, pueden mostrar sus efectos positivos mucho después de cuando las mismas han sido tomadas y puestas en práctica. Al mismo tiempo, también incide en la idea de la profunda interrelación entre todos los seres humanos (los del pasado, los del presente y los del futuro), con el fin de recalcar la importancia de la responsabilidad moral de cada individuo. En este sentido, considero que no son justos los juicios que han tildado a este film de especialmente críptico o indescifrable. De hecho, desde casi el principio la película pone las cartas sobre la mesa y deja claro al espectador que todas las historias que se nos van a mostrar están relacionadas de cara a expresar una moraleja bastante nítida.

En consonancia con la ambiciosa propuesta de El atlas de las nubes, la construcción de la historia, la dirección artística, su textura visual y el diseño de montaje son de una gran complejidad y brillantez, convirtiendo a la película, con independencia de su hondura temática, en un grandioso espectáculo visual. Asimismo, merece destacarse el trabajo del reparto, al encarnar los mismos actores a los distintos personajes de cada historia, lo cual refuerza la idea de “interrelación” que el film desea transmitir. Como su principal defecto, cabe mencionar, sin duda, que el nivel del maquillaje luce por debajo del alcanzado por las restantes áreas técnicas.

Por todo lo expuesto, considero que El atlas de las nubes es una magnífica película. Porque el cine de hoy necesita propuestas valientes y originales, que, más allá del puro espectáculo, también sepan desarrollar ideas profundas. Porque, en los tiempos actuales, más allá de complacerse en visiones cortoplacistas y superficiales, merece la pena que haya creaciones que aporten una enriquecedora amplitud de miras. Y porque, a pesar de todas las valoraciones negativas que ha tenido la película, con un presupuesto de 102 millones de dólares USA, su recaudación a nivel mundial ya había ascendido (sólo a julio de 2013) a 130,5 millones. Lo cual sirve para demostrar que no sólo las películas de acción y de superhéroes (que, no lo duden, también en este blog nos gustan) pueden ser rentables. Y creo que ello es una excelente noticia.



Nota (de 1 a 10): 9.

Lo que más me gustó: La ambición de la propuesta. Un guión fascinante. La monumentalidad del montaje. Su fuerza visual. La ambientación de un Seúl futurista.

Lo que menos me gustó: El maquillaje no siempre es acertado. El enlace entre la historia de Luisa Rey y la de Timothy Cavendish puede pasar fácilmente desapercibido.


sábado, 26 de octubre de 2013

HOMENAJE A MANOLO ESCOBAR Y AMPARO SOLER LEAL


HOMENAJE A MANOLO ESCOBAR Y AMPARO SOLER LEAL




Manolo Escobar (1931-2013)




Amparo Soler Leal (1933-2013)

Si el pasado 24 de octubre aparecía la noticia de la muerte del cantante y actor Manolo Escobar (http://www.elmundo.es/cultura/2013/10/24/5268fd7661fd3d19768b456e.html), el 25 de octubre era el fallecimiento de la actriz Amparo Soler Leal (http://www.elmundo.es/cultura/2013/10/25/526a3dae684341ab558b456c.) el que nos consternaba. Siendo dos personajes muy diferentes, ambos tienen en común la gran popularidad que los acompañaba desde los años 60 y que sus carreras, en gran medida, son un reflejo de los cambios que, desde entonces, se han producido en la sociedad española. Una de las grandes virtudes del cine es que, aparte de sus estrictos valores artísticos, su condición de ser uno de los pilares básicos de la cultura de masas (junto a la televisión y la música pop) hace que las transformaciones sociales encuentren, casi inmediatamente, su eco en las películas que se estrenan en la gran pantalla.



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Es conocido que Manolo Escobar consiguió su fama como cantante pero ello no fue impedimento para que entre los años 1963 y 1982 hiciera veinte películas. De ellas, las mejores quizás sean las que interpretara hasta 1968, bajando, desde entonces, la calidad de los films en los que intervino. Por ello, destacamos dos títulos de esos primeros años:


UN BESO EN EL PUERTO

TÍTULO: Un beso en el puerto. TÍTULO ORIGINAL: Un beso en el puertoAÑO: 1966. NACIONALIDAD: España. DIRECCIÓN: Ramón Torrado. GUIÓN: Luis Tejedor, José Osuna, Enrique Bariego, José María Iglesias, Ramón Torrado y Tono. MÚSICA ORIGINAL: Daniel Montorio. DIRECCIÓN DE FOTOGRAFÍA: Francisco Fraile. INTÉRPRETES PRINCIPALES: Manolo Escobar, Ingrid Pitt, Antonio Ferrandis, Manuel Alexandre, Joaquín Roa, Arturo López, José Orjas, María Isbert, Luis Sánchez Polack.











Nota (de 1 a 10): 7.

Lo que más gustará: La habilidad con la que está desarrollado el enredo. Su agilísimo ritmo.

Lo que menos puede gustar: A día de hoy, puede resultar ingenua.



PERO… ¿EN QUÉ PAÍS VIVIMOS?

TÍTULO: Pero… ¿en qué país vivimos? TÍTULO ORIGINAL: Pero… ¿en qué país vivimos? AÑO: 1967. NACIONALIDAD: España. DIRECCIÓN: José Luis Sáenz de Heredia. GUIÓN: José María Palacio y José Luis Sáenz de Heredia. MÚSICA ORIGINAL: Carlos Castellanos Gómez, María Cinta, Gregorio García Segura y Antonio Guijarro. DIRECCIÓN DE FOTOGRAFÍA: Alfredo Fraile. INTÉRPRETES PRINCIPALES: Manolo Escobar, Concha Velasco, Alfredo Landa, Gracita Morales, Antonio Ferrandis, Joaquín Prat, José María Caffarel, Tomás Blanco, Emiliano Redondo, Adriano Domínguez, Joaquín Pamplona, Erasmo Pascual.







Nota (de 1 a 10): 7.

Lo que más gustará: La originalidad de su planteamiento.

Lo que menos puede gustar: Seguramente, la sociedad española era menos abierta y avanzada de lo que muestra el film.


El primer film es una comedia de enredo que, de modo indirecto, reflejaba el auge que el turismo había alcanzado en nuestro país. Con un magnífico ritmo y ayudada por la colaboración de Tono en el guión (uno de los escritores españoles dedicados al humor más importantes del siglo XX), es una película que cuenta con un espléndido reparto y una dirección, la de Ramón Torrado, que desde el primer momento le coge el aire a la historia y la ejecuta con una indiscutible agilidad. 

La segunda película muestra, de modo más claro y abierto, cómo entre los elementos que pasaban por ser los tradicionales de nuestra cultura y la influencia de los fenómenos que procedían del exterior que empezaban a ganar peso se había empezado a establecer una contienda que, ya en tiempos de la movida, a finales de los 70 y principios de los 80, quedará claramente dilucidada (sobre cuáles serían nuestros elementos genuinos, habría mucho de qué hablar y Santiago Auserón, en su reciente libro El ritmo perdido traza una hipótesis, cuando menos, sorprendente: http://www.europapress.es/cultura/libros-00132/noticia-santiago-auseron-estamos-preocupados-banderas-final-todo-acaban-siendo-marcas-futboleras-20121026153549.html). Aparte de ello, no es menos evidente que la publicidad y la sociedad de consumo habían avanzado sustancialmente en los años 60 y este film es uno de los primeros que muestra dicha realidad. Manolo Escobar y Concha Velasco formaron una de las parejas cinematográficas más populares de la época y, aquí, como en sus restantes films, se percibe que entre ellos hay una química evidente que hace que la película funcione con agilidad y que la misma se vea con agrado.


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Amparo Soler Leal es una actriz con una larga y exitosa carrera teatral y cinematográfica a sus espaldas. Tiene en su haber casi setenta películas, siendo algunas de ellas obras maestras indiscutibles del cine español. Ya que resulta tan difícil escoger, creo que, para valorar sus cualidades como actriz, podemos mencionar dos títulos muy diferentes entre ellos pero muy significativos en su trayectoria y evolución.


MI HIJA HILDEGART

TÍTULO: Mi hija Hildegart. TÍTULO ORIGINAL: Mi hija Hildegart.  AÑO: 1977. NACIONALIDAD: España. DIRECCIÓN: Fernando Fernán Gómez. GUIÓN: Rafael Azcona y Fernando Fernán Gómez. MÚSICA ORIGINAL: Luis Eduardo Aute. DIRECCIÓN DE FOTOGRAFÍA: Cecilio Paniagua. INTÉRPRETES PRINCIPALES: Amparo Soler Leal, Carmen Roldán, Manuel Galiana, Carles Velat, Pedro Díez del Corral, José María Mompín, Guillermo Marín.





Nota (de 1 a 10): 8.

Lo que más gustará: Su certero retrato del pensamiento utópico convertido en duro autoritarismo.

Lo que menos puede gustar: Deja poco resquicio para el optimismo.



BEARN O LA SALA DE LAS MUÑECAS

TÍTULO: Bearn o la sala de las muñecas. TÍTULO ORIGINAL: Bearn o la sala de las muñecas.  AÑO: 1983. NACIONALIDAD: España. DIRECCIÓN: Jaime Chávarri. GUIÓN: Lola Salvador Maldonado, adaptando la novela homónima de Llorenç Villalonga. MÚSICA ORIGINAL: Francisco Guerrero. DIRECCIÓN DE FOTOGRAFÍA: Hans Burmann. INTÉRPRETES PRINCIPALES: Fernando Rey, Ángela Molina, Amparo Soler Leal, Imanol Arias, Alfredo Mayo, Juana Ginzo, William Layton, Eduardo MacGregor.







Nota (de 1 a 10): 9.

Lo que más gustará: Su esmerada reconstrucción de una época.

Lo que menos puede gustar: Es más intimista que espectacular.


En uno y otro film, Amparo Soler Leal interpreta a dos personajes radicalmente distintos. En la primera, es una revolucionaria que intenta que su hija siga sus ideales y que tenga una conducta ajustada a ellos. Sin embargo, esa actitud le llevará a adoptar una postura fuertemente rígida y autoritaria hacia ella hasta el punto de querer anular, por completo, su personalidad. Basada en el caso real de Hidelgart Rodríguez Carballeira (http://es.wikipedia.org/wiki/Hildegart_Rodr%C3%ADguez_Carballeira), el cual sacudió la sociedad española de los años 30, constituye un magnífico retrato psicológico en el cual la dirección de Fernando Fernán Gómez y la interpretación de Amparo Soler Leal son pilares esenciales. En Bearn, sin embargo, Amparo Soler Leal encarna a la representante de una nobleza decadente que contempla cómo la sociedad que conoce está empezando a cambiar irremisiblemente. La película es una adaptación de la novela homónima del autor mallorquín Llorenç Villalonga que la definió, precisamente, como la crónica de “un mundo que se acaba”. La actriz hace una caracterización prodigiosa de un personaje que, consciente a su modo, de que nada va a ser como siempre ha sido, decide vivir sus últimos días aferrándose a unos modos y maneras abocados a la extinción. Bearn es una hermosísima película en la que destacan, especialmente, las interpretaciones de un reparto en auténtico estado de gracia.