Translate

viernes, 29 de noviembre de 2013

UNA FAMILIA DE TOKIO (o cómo sería John Ford con los ojos rasgados)



TÍTULO: Una familia de Tokio. TÍTULO ORIGINAL: Tôkyô kazokuAÑO: 2013. NACIONALIDAD: Japón. DIRECCIÓN: Yoji Yamada. GUIÓN: Yoji Yamada y Emiko Hiramatsu. MÚSICA ORIGINAL: Joe Hisaishi. DIRECCIÓN DE FOTOGRAFÍA: Mafumi Chikamori. INTÉRPRETES PRINCIPALES: Isao Hashizume, Kazuko Yoshiyuki, Masahiko Nishimura, Yui Natsukawa, Tomoko Nakajima, Shozo Hayashiya, Satoshi Tsumabuki, Yu Aoi, Nenji Kobayashi, Jun Fubuki, Narumi Kayashima, Ryuichiro Shibata. PÁGINA WEB OFICIAL: http://www.acontracorrientefilms.com/pelicula/245/una-familia-de-tokio/.

No fue hasta 1950, cuando Rashomon de Akira Kurosawa se proyectó en el Festival de Venecia, ganando el León de Oro la mejor película, cuando Occidente descubrió la cinematografía japonesa. A raíz de ello, los nombres del propio Kurosawa (El idiota -1951-, Vivir -1952, Los siete samuráis -1954-, Trono de sangre -1957-, La fortaleza escondida -1958-, Yojimbo -1961-, Kagemusha, la sombra del guerrero -1980-, Ran -1985-), de Kenji Mizoguchi (La vida de Oharu, mujer galante -1952-, Cuentos de la luna pálida -1953-, El intendente Sansho -1954-, Los amantes crucificados -1954-, La emperatriz Yang Kwei Fei -1955-, El héroe sacrílego -1955-, La calle de la vergüenza -1956-), Yasujiro Ozu (Historia de un vecindario -1947-, Primavera tardía -1949-, Principios de verano -1951-, Cuentos de Tokio -1953-, Primavera precoz -1956-, Otoño tardío -1960-, El otoño de la familia Kohayagawa -1961-), Kaneto Shindo (Los niños de Hiroshima -1952-, La isla desnuda -1960-, Onibaba -1964-), Teinosuke Kinugasa (La puerta del infierno -1953-), Kon Ichikawa (El arpa birmana -1956-), Masaki Kobayashi (Harakiri -1962-, la trilogía La condición humana -1959-1961-), Susumu Hani (Mitasareta seikatsu -1962-), Seijun Suzuki (El vagabundo de Tokio -1966-, Marcado para matar -1967-) o  Shohei Imamura (La venganza es mía -1981-, La balada de Narayama -1983-, Lluvia negra -1989-, La anguila -1997-) pasaron a formar parte de los nombres clásicos de la historia del cine. 



 Kenji Mizoguchi (1898-1956)




Akira Kurosawa (1910-1998)



Yasujiro Ozu (1903-1963)


Con posterioridad, directores tan interesantes como Nagisa Oshima (El imperio de los sentidos -1976-, El imperio de la pasión -1978-), Takeshi Kitano (Boiling Point -1990-, Hana-bi. Flores de fuego -1997-, Brother -2000-, Dolls -2002-, Zatoichi -2003-), Yojiro Takita (Despedidas -2008-) o Hirokazu Koreeda (After Life -1998-, Nadie sabe -2004-, Still Walking -2008), representantes del cine de animación como Hayao Miyazaki (Nausicaa del valle del viento -1984-, Mi vecino Totoro -1988-, Porco Rosso -1992-, La princesa Mononoke -1997-, El viaje de Chihiro -2001-, El castillo ambulante -2004, Ponyo en el acantilado -2008-), Katshuhiro Otomo (Akira -1988-), Hideaki Anno (Neon Genesis Evangelion -1995-), Mamoru Oshii (Ghost in the Shell -1995) o Satoshi Kon (Paprika -2006-) o del cine de terror como Kiyoshy Kurosawa (Cure -1997-), Hideo Nakata (The Ring: El círculo -1998-, Dark Water -2002-), Takashi Miike (Ichi the Killer -2001-, Llamada perdida -2003-, 13 asesinos -2013-) o Takashi Shimizu (La maldición (The grudge) -2002-, Seres extraños -2004-) han seguido manteniendo a Japón en la primera línea de la cinematografía mundial.





Hayao Miyazaki (1941- )



Takeshi Kitano (1947- )


Yoji Yamada es un veterano director de 82 años, realizador de casi 80 películas, poco conocido en España y que, con anterioridad,  había visto cierta repercusión de su obra en nuestro país con la llamada “Trilogía del samurái”: El ocaso del samurái (2002), The hidden blade (2004) y El catador de venenos (2006). Gracias a ella, sabemos que la gran referencia de este autor nipón es, indudablemente, el cine de John Ford. Su mezcla de cinismo y ternura, de humor y drama, su repulsa y desprecio por las malas personas, su cariño entrañable por la gente sencilla y corriente y, sobre todo, su ausencia de retórica y barroquismo se dejaban ver, con total intensidad, en el cine de Yamada, de forma que el lugar de los pistoleros y los cowboys era ocupado por samuráis que veían como su mundo se estaba extinguiendo (es decir, lo mismo que sucedía en El hombre que amaba a Liberty Valance). Yamada ha visto cómo el triunfo en el Festival de Valladolid de 2013 (donde consiguió la Espiga de Oro a la Mejor Película) ha servido para que se estrenara en España su última producción, Una familia de Tokio, remake de la archiconocida (y antes mencionada) Cuentos de Tokio de Yasujiro Ozu, lo cual tampoco es una casualidad.




viernes, 22 de noviembre de 2013

BLUE JASMINE (o los peligros que afrontamos por culpa de un corazón roto)





TÍTULO: Blue Jasmine. TÍTULO ORIGINAL: Blue JasmineAÑO: 2013. NACIONALIDAD: Estados Unidos. DIRECCIÓN Y GUIÓN: Woody Allen. DIRECCIÓN DE FOTOGRAFÍA: Javier Aguirresarobe. INTÉRPRETES PRINCIPALES: Cate Blanchett, Joy Carlin, Richard Conti, Glen Caspillo, Alec Baldwin, Charlie Tahan, Annie McNamara, Sally Hawkins, Daniel Jenks, Max Rutherford, Andrew Dice Clay, Tammy Blanchard, Kathy Tong, Bobby Cannavale, Max Casella, Ali Fedotowsky, Michael Stuhlbarg, Alden Ehrenreich, Tom Kemp, Louis C. K., Peter Sarsgaard. PÁGINA WEB OFICIAL: http://wwws.warnerbros.es/bluejasmine/.



En este blog, ya hemos comentado dos películas de Woody Allen: Midnight in Paris (http://elespectadorimpertinente.blogspot.com.es/2011/05/midnight-in-paris-o-todo-lo-que-usted.html) y A Roma con amor (http://elespectadorimpertinente.blogspot.com.es/2012/09/en-bruto-deep-blue-sea-y-roma-con-amor.html). El director neoyorquino reúne varios méritos que no siempre son valorados suficientemente. El primero de ellos, es la sencillez de su puesta en escena, la cual siempre está al servicio de un mensaje escasamente rígido y dogmático. Por otra parte, no suele encasillarse en un género o punto de vista sino que es capaz de pasar de la comedia más desternillante (Toma el dinero y corre -1969-, Bananas -1971-, La última noche de Boris Grushenko -1975-) a la comedia de corte más clásico (Annie Hall -1977-, Hannah y sus hermanas -1986-), de la comedia de corte más clásico a la comedia fantástica (La rosa púrpura de El Cairo -1985-), de la comedia fantástica a la comedia dramática (Manhattan -1979-) , de la comedia dramática a la comedia filosófica (Recuerdos -1980-, Sombras y niebla -1991-), de la comedia filosófica al drama psicológico (Interiores -1978-), del drama psicológico a la intriga criminal (Delitos y faltas -1989-, Match Point -2005-, Cassandra’s Dream -2007-), de la intriga criminal al falso documental (Zelig -1983-) con pasmosa facilidad. En tercer lugar, cada uno de sus proyectos es llevado a cabo con indudable coherencia sin que ese salto de un género a otro le sirva para perder el pulso de casi ninguna de sus películas. Finalmente (y sin ánimo de agotar el tema), es capaz de dotar a todas sus creaciones de un inconfundible toque personal que sirve para distinguir, sin sombra de duda, cualquier película de Woody Allen aunque no veamos los títulos de crédito o él no aparezca formando parte del reparto. El estilo transparente y conciso de Allen provoca que muchas de sus películas sean despachadas por la crítica con indulgente indiferencia cuando, en general, la mayoría todas sus creaciones son auténticas lecciones de narración cinematográfica que nos enseñan cómo, con una utilización mínima de recursos, se puede conseguir un alto nivel de precisión y profundidad. Blue Jasmine no constituye una excepción en su carrera.








50 ANIVERSARIO DEL ASESINATO DEL PRESIDENTE KENNEDY

Hoy, 22 de noviembre, se cumplen 50 años del asesinato en 1963 del presidente estadounidense John Fitzgerald Kennedy en Dallas. Con motivo de ello, vamos a dar un repaso a una serie de películas que, directa o indirectamente, están relacionadas con la figura del presidente asesinado y con su magnicidio y con las circunstancias históricas que jalonaron su mandato.

PATRULLERO PT 109 (1963) de Leslie H. Martinson


TÍTULO: Patrullero PT 109. TÍTULO ORIGINAL: PT 109AÑO: 1963. NACIONALIDAD: Estados Unidos. DIRECCIÓN: Leslie H. Martinson. GUIÓN: Richard L. Breen, Howard Sheehan y Vincent X. Flaherty, adaptando un libro de Robert J. Donovan. MÚSICA ORIGINAL: David Buttolph y William Lava. DIRECCIÓN DE FOTOGRAFÍA: Robert Surtees. INTÉRPRETES PRINCIPALES: Cliff Robertson, Ty Hardin, James Gregory, Robert Culp, Grant Williams, Lew Gallo, Errol John, Michael Pate, Robert Blake, William Douglas, Biff Elliot, Norman Fell.

La primera película que comentamos es este film bélico en el que se narran las vivencias del futuro presidente como oficial de la Marina en el Pacífico, durante la II Guerra Mundial. Durante este período, tuvo una dura experiencia militar en el patrullero cuyo nombre da título a la película. Patrullero PT 109 es una entretenida película que se deja ver con interés y, evidentemente, no puede evitar mostrar la personalidad de su protagonista sabiendo que el mismo llega a ser presidente de los Estados Unidos, con lo cual se pone énfasis especialmente en sus especiales cualidades de empatía y liderazgo (lo verdaderamente interesante hubiera sido que la película se hubiera realizado antes de que JFK accediera a la presidencia, con lo cual al retrato del personaje podría atribuírsele una mayor objetividad).

Como curiosidades, podemos decir que Cliff Robertson fue sugerido como protagonista por el propio Kennedy y que el director del film (Leslie H. Martinson) fue un prolífico realizador de episodios para famosas series de televisión (Maverick, The Green Hornet, Ironside, Misión imposible, La tribu de los Brady, Mannix, Cannon, Barnaby Jones, Dallas, Con ocho basta, La isla de la fantasía) y de la película Batman: La película (1966), primer largometraje que adaptaba para el cine al famoso personaje del cómic (con anterioridad, se habían hecho, en 1943 y 1949, dos seriales dirigidos por Lambert Hillyer y Spencer Gordon Bennet, respectivamente).




viernes, 15 de noviembre de 2013

LA CABAÑA EN EL BOSQUE y EL JUEGO DE ENDER



LA CABAÑA EN EL BOSQUE (o enciclopedia portátil del género de terror)

TÍTULO: La cabaña en el bosque. TÍTULO ORIGINAL: The Cabin in the WoodsAÑO: 2012. NACIONALIDAD: Estados Unidos. DIRECCIÓN: Drew Goddard. GUIÓN: Joss Whedon y Drew Goddard. MÚSICA ORIGINAL: David Julyan. INTÉRPRETES PRINCIPALES: Kristen Connolly, Chris Hemsworth, Anna Hutchison, Fran Kranz, Jesse Williams, Richard Jenkins, Bradley Whitford, Brian White, Amy Acker, Tim de Zarn, Tom Lenk, Sigourney Weaver. PÁGINA WEB OFICIAL: http://www.goodfilms.es/catalogo/la-cabana-en-el-bosque/ y http://www.discoverthecabininthewoods.com/.

La cabaña en el bosque es una película que ha nacido de la colaboración de Drew Goddard, director del film (que, con anterioridad, había sido productor y guionista en las series Alias y Perdidos y guionista en la serie Buffy, cazavampiros y en los largometrajes Monstruoso -2008- y Guerra Mundial Z -2013, http://elespectadorimpertinente.blogspot.com.es/2013/08/guerra-mundial-z-o-que-aseaditos-son.html -) y Joss Whedon, coguionista de la cinta junto al anterior (y que ha sido director en las series Buffy, cazavampiros, Angel, The Office, Glee y Agentes de SHIELD y de los largometrajes Los vengadores -2012, http://elespectadorimpertinente.blogspot.com.es/2012/06/los-vengadores-o-la-union-hace-la.html - y Mucho ruido y pocas nueces -2012-). Aunque, en algunos de los títulos mencionados, podemos encontrar antecedentes lejanos de lo que han hecho en la película que hoy reseñamos, La cabaña en el bosque constituye una sorpresa mayúscula que, por desgracia, va a provocar que cualquier película de terror que veamos a partir de ahora va a resultarnos, inevitablemente, aburrida.







Para que puedan hacerse una idea de cómo es esta película pero de modo que no lleguemos a revelar las sorpresas que la misma contiene, podemos decir que La cabaña en el bosque es como si una de las productoras de cine de terror de los años 80 (cualquiera de las que realizó Viernes 13 -1980- de Sean S. Cunningham, Aquella casa al lado del cementerio -1981- de Lucio Fulci, El día de los muertos -1985- de George A. Romero, House -1986- de Steve Miner, El terror llama a su puerta -1987- de Fred Dekker o Terroríficamente muertos -1988- de Sam Raimi) le hubieran podido encargar un guión a H. P. Lovecraft y George Orwell, conjuntamente, y, una vez escrito, le hubieran encomendado la dirección a Guillermo del Toro, concediéndole holgura en el presupuesto, aunque sin llegar a las altas cifras de los grandes blockbusters de temporada (el coste final ha estado en torno a los 30 millones de euros; el de Los vengadores fue de 220 millones de euros, el de El caballero oscuro: La leyenda renace, de 250). Con eso, se tendrán que conformar porque, si cuento algo más, les reventaría el film (y hay mucho que reventar).

La cabaña en el bosque es uno de los artilugios narrativos más originales de los últimos tiempos porque, aparte de su explosiva mezcla de tópicos del género, se une una variedad de interpretaciones posibles que se van apuntando con sutil inteligencia (desde la apelación de uno de los personajes, casi al principio de la película, a que llega un punto en que es necesario que la sociedad se desmorone al hecho –mitad ironía, mitad convicción seria- de que Estados Unidos, visto como el último reducto posible de salvación, tampoco son capaces de cumplir con su misión). En definitiva, un título a revisar una y otra vez y a estudiar en profundidad para detectar con todos los guiños y homenajes que se suceden a lo largo de la trama.

En relación a esto último, no se extrañen de que, en un momento dado, aparezca una referencia a Madrid. Los lectores habituales de este blog ya tienen que conocer el motivo: http://elespectadorimpertinente.blogspot.com.es/2011/02/los-ojos-de-julia-o-de-terror-tambien.html.



Nota (de 1 a 10): 8,5.

Lo que más me gustó: Su habilísimo crescendo narrativo, que lleva a un impresionante tramo final.

Lo que menos me gustó: Que no sea tomada en serio.


* * *



EL JUEGO DE ENDER (o, quizás, Johan Huizinga tenía razón *)

TÍTULO: El juego de Ender. TÍTULO ORIGINAL: Ender’s GameAÑO: 2013. NACIONALIDAD: Estados Unidos. DIRECCIÓN Y GUIÓN: Gavin Hood, adaptando la novela homónima de Orson Scott Card. MÚSICA ORIGINAL: Steve Jablonsky. INTÉRPRETES PRINCIPALES: Asa Butterfield, Harrison Ford, Hailee Steinfeld, Abigail Breslin, Ben Kingsley, Viola Davis, Aramis Khight, Suraj Partha, Moises Arias, Khylin Rambo, Jimmy ‘Jax’ Pinchak, Nonso Anozie, Connor Carroll, Stevie Ray Dallimore, Andrea Powell. PÁGINA WEB OFICIAL: http://es.eonefilms.com/films/el-juego-de-ender y http://endersgamemovie.tumblr.com/.

Era extraño que, hasta ahora, no se hubiera adaptado al cine la famosa novela de ciencia-ficción de Orson Scott Card, uno de los grandes clásicos del género de las últimas tres décadas (http://es.wikipedia.org/wiki/El_juego_de_Ender). La posible explicación radica en que, por un lado, los adeptos a la saga a la que la obra dio lugar podían ser especialmente críticos si la película se apartaba demasiado del esquema fundamental de la trama o si no llegaba a satisfacer las expectativas creadas y, por otro, que el sorprendente giro que se produce cerca del desenlace podía conducir tanto al entusiasmo de los espectadores como a cierta frialdad de los mismos, con el riesgo que ello conlleva en un mercado como el cinematográfico en el que la recaudación y las opiniones generadas en el primer fin de semana en cartel suelen marcar el destino económico de un proyecto. Al final, se han atrevido a realizar la adaptación, encargando la dirección a Gavin Hood, cineasta sudafricano autor de la celebrada Tsotsi (2005) y de la despreciada X-Men Orígenes: Lobezno (2009) y que, con el film que hoy comentamos, se ha redimido de su anterior fracaso.

Al igual que la novela, la película narra cómo la humanidad ha tenido que hacer frente a la invasión de una raza de alienígenas (llamados “los insectores”) y se prepara para una nueva batalla contra la misma con el fin de acabar, definitivamente, con la amenaza que supone. Ante ello, el joven Ender Wiggin es elegido por la Fuerza Militar Internacional, en virtud de las cualidades potenciales demostradas, para recibir una formación intensiva de cara a liderar las tropas constituidas. La trama se centrará, fundamentalmente, en dicho período de formación, en el que, aparte de su progreso como futuro comandante del ejército, seremos testigos de la (conflictiva) evolución psicológica del protagonista, de las difíciles rivalidades con muchos de sus compañeros, de las contradicciones morales a las que se verá sometido él y la organización a la que pertenece y, todo ello, para acabar mostrando un claro paralelismo de la situación narrada con muchas de las circunstancias actuales.












Lo sorprendente de esta adaptación es que, sabiendo mantener la espectacularidad, se le da un espacio privilegiado a lo intimista e introspectivo, de forma que acaba siendo la historia de un proceso acelerado (excesivamente acelerado) de paso de la juventud a la madurez y que hace pensar, a lo largo de buena parte de su metraje, que es como si todo el Napoleon (1927) de Abel Gance se hubiera construido y desarrollado exclusivamente a partir de su famosa secuencia inicial de la batalla de las bolas de nieve:






Todo ella lleva a un gran (y sorprendente) desenlace que era especialmente arriesgado. Igual puede encantar que puede no agradar demasiado. En mi opinión, es espléndido porque, sin restar un ápice a la acción, supone inyectar una dosis de originalidad que siempre es de agradecer en este tipo de producciones y enriquece y, a la vez, refuerza el abanico de las lecturas que se le pueden dar al film.

Con dos grandes interpretaciones de Asa Butterfield y Harrison Ford, la claridad narrativa y visual con que está narrada la película ayuda a que la misma sea un ejemplo de agilidad y transparencia que la hace apta para todo tipo de públicos. Ello, no obstante, no es obstáculo para que, simultáneamente, sea una reflexión más bien amarga (aunque, de algún modo, optimista) sobre los mecanismos que llevan a convertir en legítima la utilización de la violencia y a conseguir la aceptación social de la misma. Por su éxito en unir su condición de blockbuster con la de película que no teme ni a la profundidad temática ni al atrevimiento en su guión, podemos decir que El juego de Ender es, sin duda, una de las grandes sorpresas de la temporada.



Nota (de 1 a 10): 8,5.

Lo que más me gustó: La extraordinaria audacia de su desenlace. Su claridad narrativa y visual.

Lo que menos me gustó: La caracterización algo burda del personaje del hermano de Ender.


* Johan Huizinga (1872-1945) fue un filósofo e historiador holandés que, en su obra Homo ludens (1938), afirmó que el juego era una función tan esencial en el ser humano como la reflexión o el trabajo.