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martes, 30 de diciembre de 2014

EL HOBBIT: LA BATALLA DE LOS CINCO EJÉRCITOS y RANKINGS DE 2014




Hoy, en este blog, hacemos la reseña de El Hobbit: La batalla de los cinco ejércitos y presentamos los rankings de la películas internacionales y españolas de este año 2014.

EL HOBBIT: LA BATALLA DE LOS CINCO EJÉRCITOS (o los ideales detrás de los tesoros)

TÍTULO: El Hobbit: La batalla de los cinco ejércitos. TÍTULO ORIGINAL: The Hobbit: The Battle of the Five Armies. AÑO: 2014. NACIONALIDAD: Estados Unidos-Nueva Zelanda. DIRECCIÓN: Peter Jackson. GUIÓN: Fran Walsh, Philippa Boyens, Peter Jackson y Guillermo del Toro, adaptando la novela El Hobbit de J. R. R. Tolkien. MÚSICA ORIGINAL: Howard Shore. DIRECCIÓN DE FOTOGRAFÍA: Andrew Lesnie. MONTAJE: Jabez Olssen. INTÉRPRETES PRINCIPALES: Martin Freeman, Richard Armitage, Ian McKellen, Luke Evans, James Nesbitt, Graham McTavish, Stephen Hunter, Dean O’Gorman, Aidan Turner, Adam Brown, Orlando Bloom, Evangeline Lilly, Lee Pace, Cate Blanchett, Hugo Weaving, Christopher Lee, Ian Holm, Stephen Fry, Ryan Gage, John Bell. PÁGINA WEB OFICIAL: http://wwws.warnerbros.es/thehobbitbattleofthefivearmies/.

No sé si se trata de algo voluntario o involuntario, pero la última entrega de El Hobbit puede interpretarse según muchas de las claves de la política internacional contemporánea. Así, tras el hecho que cierra el comienzo de la película, los diferentes bandos enfrentados empiezan a luchar pura y simplemente por la posesión de las riquezas del tesoro de Erebor (¿símbolo, quizás, de que el fin de la Guerra Fría dejó paso a la lucha despiadada por los recursos materiales entre los distintos bloques geopolíticos: http://www.eleconomista.es/empresas-finanzas/noticias/1488333/08/09/el-oro-negro-se-vuelve-amarillo.html?). En este contexto, los intentos de Bilbo Bolsón, en un momento dado del film, por evitar una contienda sangrienta pueden relacionarse con el concepto de soft power que el profesor Joseph S. Nye desarrolló en obras como La paradoja del poder americano (2002), El poder blando: Los medios para el éxito en la política mundial (2004), The Powers to Lead (2008), Comprender los conflictos internacionales (2009) o The Future of Power (2011) y que es el que (aparentemente) guía la política exterior de la Administración Obama. Cuando el conflicto bélico es inevitable, la premisa de que la misma sólo puede estar justificada en presencia de unos ideales elevados y superiores remite a muchas reflexiones de los últimos tiempos sobre cómo la guerra puede ser legítima en función únicamente de unas circunstancias, unos fines y unos procedimientos claramente definidos (http://www.ilustracionliberal.com/10/la-doctrina-de-la-guerra-justa-cesar-vidal.html, http://www.un.org/es/peacekeeping/operations/pkmandates.shtml).

El hecho de que una historia trufada de fantasía y de aventuras pueda remitir a conceptos tan sutiles se debe, en gran medida, a que esta tercera parte de El Hobbit remite al tono intemporal de las grandes epopeyas (La Ilíada, La Odisea, La Eneida, la saga de Arturo o la de los Nibelungos), las cuales siempre acaban apelando a las fuerzas atávicas e inconscientes que siempre están presentes en el devenir del ser humano.





sábado, 27 de diciembre de 2014

TESIS SOBRE UN HOMICIDIO y EL LOBO DETRÁS DE LA PUERTA




ASIGNATURAS PENDIENTES

Hoy, vamos a recuperar dos títulos que se pueden inscribir dentro de la órbita del thriller o del género negro y que vienen de Sudamérica. Muy diferentes entre sí, la argentina Tesis sobre un homicidio de Hernán Goldfrid la podemos englobar dentro de lo que, en este blog, hemos llamado cine negro arty mientras que la brasileña El lobo detrás de la puerta de Fernando Coimbra es, claramente, cine negro dirty.


TESIS SOBRE UN HOMICIDIO (o las babas del diablo son abundantes)

TÍTULO: Tesis sobre un homicidio. TÍTULO ORIGINAL: Tesis sobre un homicidio. AÑO: 2013. NACIONALIDAD: Argentina-España. DIRECCIÓN: Hernán Goldfrid. GUIÓN: Patricio Vega, adaptando una novela de Diego Paszkowski. MÚSICA ORIGINAL: Sergio Moure. DIRECCIÓN DE FOTOGRAFÍA: Rodrigo Pulpeiro. MONTAJE: Pablo Barbieri Carrera. INTÉRPRETES PRINCIPALES: Ricardo Darín, Alberto Ammann, Calu Rivero, Arturo Puig, Fabián Arenillas, Mara Bestelli, Antonio Ugo, José Luis Mazza, Mateo Chiarino, Natalia Santiago, Ezequiel de Almeida, Cecilia Atán. PÁGINA WEB OFICIAL: https://es-es.facebook.com/TesisSobreUnHomicidio.

Se suele afirmar que el género negro viene a ser la continuación natural del género policíaco pero, en gran medida, esta afirmación es profundamente inexacta. En todo caso, podría admitirse que es la continuación por negación de las características esenciales que dan identidad a las novelas de detectives de Agatha Christie, Gaston Leroux o Gilbert Keith Chesterton. Efectivamente, el género policíaco es altamente racionalista y casi podríamos afirmar que consiste en un acto de fe hacia el positivismo y el uso de la lógica y la razón para desentrañar cualquier misterio. El género negro es, realmente, lo contrario. Los enigmas se resuelven gracias a la violencia y la ambigüedad y la turbiedad se apoderan del ambiente de modo que las tramas siempre son opacas y confusas. Desde el punto de vista filosófico, la novela negra, al contrario que la novela policíaca, es la duda constante y sistemática sobre el poder del positivismo para ordenar la realidad.

Esta dimensión del género negro converge con la de muchas obras literarias y cinematográficas que también han querido representar el carácter escurridizo y difícilmente aprehensible de la realidad presuntamente tangible. En 1959, en el libro Las armas secretas de Julio Cortázar, se incluía el relato Las babas del diablo. En el mismo, la interpretación de lo que se podía ver en una fotografía cambiaba ostensiblemente según el punto de vista que se adoptase. Yendo más lejos, lo que se ponía en cuestión no era la interpretación de la imagen sino la propia capacidad de nuestra mirada para dar cuenta precisa de lo que realmente estaba sucediendo y podía suceder. Aún más, cabía reflexionar si la realidad podía dar una interpretación unívoca y sin ambigüedades o si ello no era más que ilusión condenada a la frustración. Michelangelo Antonioni decidió adaptar en 1966 y, de ahí, nació Blowup. Cambió la anécdota de fondo pero mantuvo la obsesión por una fotografía como eje de la narración. Mucho más desasosegante que el relato original, la sensación de vacío que transmitía era mucho más acusada y turbadora. A partir de esta película, hubo otros muchos títulos que ahondaron en el mismo concepto: La conversación (1974) de Francis Ford Coppola, Impacto (1981) de Brian de Palma (cuyo título original, Blow Out, remitía directamente al clásico de Antonioni) o, incluso, Instinto básico (1992) de Paul Verhoeven y su secuela, Instinto básico 2 (2006) de Michael Caton-Jones. Tesis sobre un homicidio se puede situar en la misma línea.






jueves, 18 de diciembre de 2014

INTERSTELLAR (o todo está ya determinado)



INTERSTELLAR (o todo está ya determinado)

TÍTULO: Interstellar. TÍTULO ORIGINAL: Interstellar. AÑO: 2014. NACIONALIDAD: Estados Unidos-Reino Unido. DIRECCIÓN: Christopher Nolan. GUIÓN: Jonathan Nolan y Christopher Nolan. MÚSICA ORIGINAL: Hans Zimmer. DIRECCIÓN DE FOTOGRAFÍA: Hoyte Van Hoytema. MONTAJE: Lee Smith. INTÉRPRETES PRINCIPALES: Matthew McConaughey, Anne Hathaway, Jessica Chastain, Michael Caine, John Lithgow, William Devane, Wes Bentley, David Gyasi, Casey Affleck, Topher Grace, Matt Damon. PÁGINA WEB OFICIAL: http://wwws.warnerbros.es/interstellar/ y http://www.interstellarmovie.net/.

Sin duda alguna, Christopher Nolan es uno de los directores más importantes de los últimos 15 años. Realizador de gran talento visual, a ello une una capacidad descomunal de levantar artefactos narrativos complejos que acaban funcionando como precisos mecanismos de relojería y una habilidad ya contrastada para crear atmósferas originales y sugerentes. Nolan fue capaz de narrar una historia en sentido inverso en Memento (2000), de desarrollar un thriller en el día eterno del verano de Alaska en Insomnio (2002), de convertir la obsesión de un mago en metáfora de la creación narrativa en El truco final (El prestigio) (2006), de elevar las adaptaciones de comics a la categoría de obras fílmicas de primer nivel en Batman Begins (2005), El caballero oscuro (2008) y El caballero oscuro: La leyenda renace (2012) - http://elespectadorimpertinente.blogspot.com.es/2012/07/moonrise-kingdom-y-el-caballero-oscuro.html - y de crear una obra instalada a medio camino entre la realidad, la vigilia y el sueño en Origen (2010). Por ello, era lógico que Interstellar haya despertado tanta expectación porque era razonable pensar que la aproximación de Nolan a la ciencia-ficción podía dar lugar a una obra maestra indiscutible. El resultado final es, en gran medida, ambivalente.




sábado, 29 de noviembre de 2014

THE ACT OF KILLING, EFECTOS SECUNDARIOS y DOS VIDAS



ASIGNATURAS PENDIENTES

Las películas que hoy comentamos tienen en común que versan sobre engaños, manipulaciones y distorsiones de la realidad.

THE ACT OF KILLING (o los torturadores se confiesan)

TÍTULO: The Act of Killing. TÍTULO ORIGINAL: The Act of Killing. AÑO: 2012. NACIONALIDAD: Dinamarca-Noruega-Reino Unido. DIRECCIÓN: Joshua Oppenheimer y Christine Cynn. DIRECCIÓN DE FOTOGRAFÍA: Carlos Arango de Montis y Lars Skree. MONTAJE: Nils Pagh Andersen, Erik Andersson, Charlotte Much Bengtsen, Ariadna Fatjó-Vilas, Janus Billeskov Jansen, Mariko Montpetit. PÁGINA WEB OFICIAL: http://theactofkilling.com/ y http://www.actofkilling.com/.

No exagero un ápice cuando digo que The Act of Killing es uno de los documentales más importantes de toda la historia del cine. Y ello, a pesar de que su punto de partida es una mentira, una gran mentira que sirve para mostrar la verdad desnuda y sin tapujos.

Entre 1965 y 1966, en Indonesia, se desató una brutal represión en el contexto del ascenso al poder del presidente Suharto. Con la excusa de perseguir a los comunistas, se desarrolló, a través de organizaciones paramilitares, una política de detenciones masivas de opositores y de representantes de minorías como la china, que llevó al asesinato de más de 500.000 personas. El equipo de The Act of Killing estableció contacto con varias de las personas que habían participado como agentes represores colaborando en la tortura y ejecución de los detenidos y les dijo que iban a hacer una película, con ellos mismos como protagonistas, en la que iban a glorificar su actuación Esa premisa sirvió para infundirles confianza y que hablaran de forma desinhibida sobre qué hicieron, cómo procedieron y cómo tuvo lugar la explosión de violencia institucionalizada amparada por la dictadura. Y ello sirve para proporcionarnos uno de los documentos más espeluznantes que hayamos podido ver jamás en una pantalla de cine.





viernes, 14 de noviembre de 2014

OPEN WINDOWS y STELLA CADENTE



ASIGNATURAS PENDIENTES

En nuestra sección Asignaturas pendientes, hoy hablamos de dos películas españolas que, cada una a su manera, explora territorios nuevos y desconocidos: Open Windows de Nacho Vigalondo y Stella cadente de Luis Miñarro.

OPEN WINDOWS (o cuando internet ya es –casi- la realidad)

TÍTULO: Open Windows. TÍTULO ORIGINAL: Open Windows. AÑO: 2014. NACIONALIDAD: España-Estados Unidos. DIRECCIÓN Y GUIÓN: Nacho Vigalondo. MÚSICA ORIGINAL: Jorge Magaz. DIRECCIÓN DE FOTOGRAFÍA: Jon D. Domínguez. MONTAJE: Bernat Vilaplana. INTÉRPRETES PRINCIPALES: Elijah Wood, Sasha Grey, Neil Maskell, Adam Quintero, Daniel Pérez Prada, Jake Klamburg, Nacho Vigalondo, Carlos Areces, Raúl Cimas, Michelle Jenner, Julián Villagrán. PÁGINA WEB OFICIAL: http://es.eonefilms.com/films/open-windows.

Nacho Vigalondo, con sólo tres largometrajes, se ha convertido en un realizador con una de las miradas más originales del panorama cinematográfico español.  Los cronocrímenes (2007), la cual influyó, incluso, en la trama de la quinta temporada de la serie Perdidos (Lost), situaba una historia de carácter fantástico (relacionada con viajes en el tiempo) en un entorno banal y cotidiano. Con Extraterrestre (2011, http://elespectadorimpertinente.blogspot.com.es/2012/03/luces-rojas-y-extraterrestre.html), sucedía algo similar ya que la aparición de una nave alienígena venía a complicar la situación de un extraño triángulo amoroso y de unas peculiares relaciones vecinales. Cuando nos habíamos acostumbrado a las marcianadas de este director cántabro (ahí están, además, los cortometrajes 7:35 de la mañana -2003- y Choque -2005- para demostrar que dicho término es absolutamente apropiado), Open Windows supone un giro sorprendente e inesperado en su carrera, ya que este film supone un salto tanto cualitativo como cuantitativo en el aspecto técnico.

Todos sabemos la importancia que internet ha cobrado en la vida actual. Todos hemos acabado viendo la realidad a través de un intermediario digital constituido por páginas web, redes sociales, webcams, llamadas a través de Skype e imágenes y vídeos de baja resolución cuyo contexto siempre supone una incógnita y un misterio. En medio de tal maremágnum, cabe plantearse si nuestra percepción de las cosas coincide con lo que, en el fondo, es la auténtica realidad o si, incluso, dicha percepción se ha convertido en la realidad en la que estamos instalados, escurridiza, ambigua y dispuesta a desvanecerse del mismo modo que una pompa de jabón.




viernes, 31 de octubre de 2014

ESPECIAL HALLOWEEN



Hoy, en la noche del 31 de octubre al 1 de noviembre, publicamos un ESPECIAL HALLOWEEN en este blog de cine. Empezaremos con la reseña de [REC] 4, que se ha estrenado hoy. En la sección Clásicos Eternos, hablaremos de Nosferatu de F. W. Murnau y de La noche de los muertos vivientes de George A. Romero. En la sección Joyas Ocultas, intentaremos que los lectores del blog descubran La noche del terror ciego (1971) de Amando de Ossorio y Sie tötete in Ekstase (1971) de Jesús Franco.

[REC] 4: APOCALIPSIS (o Ángela Vidal: nunca te olvidaremos)

TÍTULO: [REC] 4: Apocalipsis. TÍTULO ORIGINAL: [REC] 4: Apocalipsis. AÑO: 2014. NACIONALIDAD: España. DIRECCIÓN: Jaume Balagueró. GUIÓN: Jaume Balagueró y Manu Díez. MÚSICA ORIGINAL: Arnau Bataller. DIRECCIÓN DE FOTOGRAFÍA: Pablo Rosso. MONTAJE: David Gallart. INTÉRPRETES PRINCIPALES: Manuela Velasco, Mark Schardan, María Alfonso Rosso, Hector Colomé, Paco Manzanedo, Ismael Fritschi, Críspulo Cabezas, Mariano Venancio, Khaled Kouka, Paco Obregón, Cristian Aquino, Javier Laorden, Carlos Zabala. PÁGINA WEB OFICIAL: http://movies.filmax.com/rec4/ y https://es-la.facebook.com/RecFilmax.

En 2007, [REC] de Jaume Balagueró y Paco Plaza significó todo un aldabonzado dentro del género de terror en España: 78 minutos de adrenalina pura en la que, bajo el formato de la grabación de un reportaje televisivo, se desarrollaba una historia de zombies en las que el horror plasmado de forma documental y uns ráfagas de un humor muy peculiar daban originalidad a un argumento que podía resultar poco novedoso. Dos años después, [REC] 2, con los mismos directores, la historia continuaba mediante la utilización de múltiples puntos de vista, reflejados mediante un sistema multicámara. En 2012, [REC] 3, dirigida por Paco Plaza (http://elespectadorimpertinente.blogspot.com.es/2012/04/rec-3-genesis-o-apologia-de-la.html), cambiaban las reglas del juego: se abandonaba la cámara subjetiva y se pasaba a una realización más convencional. Aunque a algunos no les gustaba el cambio de técnica de realización, a mi me pareció que aportaba aire fresco a la franquicia y proporcionaba detalles muy interesantes que no debían ser menospreciados.

Ahora, siete años después, llega la entrega final. Y a todos los que nos consideramos fans de la saga, nos ha faltado paciencia suficiente para esperar más allá del día del estreno y ver qué desenlace tiene la historia de la reportera dicharachera que acaba mezclada en una trama de muertos vivientes y posesiones demoníacas.





sábado, 25 de octubre de 2014

MAGICAL GIRL (o toda historia es un puzle al que siempre le falta una pieza)




MAGICAL GIRL (o toda historia es un puzle al que siempre le falta una pieza)

TÍTULO: Magical Girl. TÍTULO ORIGINAL: Magical Girl. AÑO: 2014. NACIONALIDAD: España. DIRECCIÓN Y GUIÓN: Carlos Vermut. DIRECCIÓN DE FOTOGRAFÍA: Santiago Racaj. MONTAJE: Emma Tusell. INTÉRPRETES PRINCIPALES: Luis Bermejo, Bárbara Lennie, José Sacristán, Lucía Pollán, Israel Elejalde, Marisol Membrillo, Elisabet Gelabert, Miquel Insúa. PÁGINA WEB OFICIAL: http://magicalgirlfilm.com/ y http://blog.magicalgirlfilm.com/.

En los últimos años, ha adquirido peso relevante en el cine española la tendencia de las llamadas películas low cost o de bajo presupuesto. A falta de recursos económicos, la imaginación en los argumentos, el desarrollo de tramas originales y novedosas y la puesta en práctica de un estilo rompedor e innovador se han convertido en las señas de identidad de este cine que se ha consolidado como alternativa ante la situación de precariedad industrial que está viviendo el sector. En este blog, ya hemos comentando películas que se inscriben esta línea como Stockholm (2013) de Rodrigo Sorogoyen (http://elespectadorimpertinente.blogspot.com.es/2013/04/16-festival-de-malaga-cine-espanol-2013_25.html), Casting (2013) de Jorge Naranjo (http://elespectadorimpertinente.blogspot.com.es/2013/04/16-festival-de-malaga-cine-espanol-2013_21.html), Gente en sitios (2013) de Juan Cavestany, La herida (2013) de Fernando Franco (tratamos estas dos películas en la misma entrada: http://elespectadorimpertinente.blogspot.com.es/2014/02/gente-en-sitios-y-la-herida.html) o las películas adscritas al movimiento #littlesecretfilm (http://elespectadorimpertinente.blogspot.com.es/2013/07/littlesecretfilm.html y http://elespectadorimpertinente.blogspot.com.es/2013/12/litttlesecretfilm-segunda-parte.html). Carlos Vermut ya consiguió una cierta repercusión con su primer largometraje, Diamond Flash (2011), el cual prescindió de ser distribuido en salas para hacerlo sólo a través de internet (https://www.filmin.es/pelicula/diamond-flash) y, posteriormente, en DVD. Es innegable que en este film Vermut demostró poseer un estilo muy acusado, con rasgos que auguraban que podíamos encontrarnos con un autor de gran proyección: su aproximación desde una perspectiva muy personal al tema de la violencia que tiene lugar en ambientes familiares y cotidianos, la combinación de momentos rayanos en la reflexión filosófica y la introspección psicológica con otros en los que la presencia chocante de elementos propios del cómic y la cultura popular sabía crear una expresiva contraposición y la mezcla de drama extremo y humor marciano no podían pasar desapercibidos. No obstante, sorprende, en cierto modo, que haya sido Carlos Vermut quien haya logrado convertirse en el máximo representante de la tendencia de la que estamos hablando (gracias a su triunfo en el último Festival de San Sebastián, con su segunda película, que hoy reseñamos) porque, a pesar de las virtudes que le reconocemos, otros títulos han reunido méritos en ningún caso inferiores (y estamos pensando, principalmente, en Casting, en Gente en sitios, en Manic pixie dream girl (An internet love story) de Pablo Maqueda o en Los desórdenes sentimentales de Ramón Alfonso) que no han sido valorados con suficiente justicia. Es cierto que Carlos Vermut es quien ha demostrado tener un estilo más maduro y formado pero, en este tipo de cine, más que un mérito incontestable, ello significa que su capacidad de recorrido futuro es menor que en el resto de casos citados. Y algo de eso pasa en Magical Girl. Pero, en gran medida, nuestro sistema cinematográfico ha apostado, en cierto modo, por lo más parecido (dentro del cine no comercial, evidentemente) a lo que se ha intentando hacer hasta ahora (y que ha demostrado no llevar a ninguna parte) para que el aire fresco y las nuevas corrientes no provoquen el cambio de jerarquías que el cine español necesita.





lunes, 13 de octubre de 2014

LA ISLA MÍNIMA y BLACK COAL



El género negro siempre se mueve en la frontera y, aunque parezca contradictorio, en las zonas grises. Todas sus historias se desarrollan a medio camino entre el realismo y la narrativa de género, entre la legalidad y la ilegalidad, entre la moralidad y la inmoralidad, entre las épocas destinadas a morir y los tiempos nuevos que empiezan a aflorar con rotundidad, en definitiva entre la luz y la oscuridad… Por ello, suele estar presente en momentos de crisis e incertidumbre en los que las viejas creencias parecen no hallar explicación a unas circunstancias que suponen una ruptura clara respecto al pasado. Por ello, no es de extrañar que coincidan en la cartelera dos películas centradas en sendas historias criminales que proceden de dos países tan lejanos y distintos como España y China.


LA ISLA MÍNIMA (o todo cambia pero todo sigue igual)

TÍTULO: La isla mínima. TÍTULO ORIGINAL: La isla mínima. AÑO: 2014. NACIONALIDAD: España. DIRECCIÓN: Alberto Rodríguez. GUIÓN: Rafael Cobos y Alberto Rodríguez. MÚSICA ORIGINAL: Julio de la Rosa. DIRECCIÓN DE FOTOGRAFÍA: Álex Catalán. MONTAJE: José M. G. Moyano. INTÉRPRETES PRINCIPALES: Javier Gutiérrez, Raúl Arévalo, Nerea Barros, Antonio de la Torre, Adelfa Calvo, Jesús Carroza, Jesús Castro, Mercedes León, Jesús Ortiz, Salva Reina, Manolo Solo. PÁGINA WEB OFICIAL: http://warnerbros.es/la-isla-minima-especial y https://es-es.facebook.com/pages/La-Isla-M%C3%ADnima/559808460754596.

Hace dos años, ya elogiamos en este blog la anterior película del director sevillano Alberto Rodríguez, Grupo 7  (http://elespectadorimpertinente.blogspot.com.es/2012/04/grupo-7-o-los-policias-tambien-lloran.html) y, de hecho, la llegamos a calificar como la mejor película española del año 2012 (http://elespectadorimpertinente.blogspot.com.es/2012/12/la-vida-de-pi-o-calo-el-chapeo-miro-de.html). También dijimos que la obra del cineasta se desarrollaba en aquel espacio donde confluían la vertiente social y los aspectos estrictamente personales y ello se vuelve a repetir en La isla mínima, donde, a partir de una investigación policial sobre la desaparición de dos chicas en un pueblo situado en las marismas del Guadalquivir en el año 1980, se acaba hablando de temas de mucha mayor hondura.

Si ya en Grupo 7 los dos policías interpretados por Mario Casas y Antonio de la Torre representaban dos posturas y dos trayectorias vitales que acababan siendo divergentes y contradictorias, en La isla mínima también hay una pareja de agentes pero, en esta ocasión, el proceso es inverso: si, inicialmente, Javier Gutiérrez y Raúl Arévalo parecen moverse en visiones contrapuestas (el primero, en posiciones cercanas al anterior régimen franquista; el segundo, abiertamente partidario del nuevo régimen democrático y de los cambios que el mismo debía conllevar), ambos terminan coincidiendo en la necesidad de sobrellevar una convivencia problemática y plagada de silencios y complicidades.





domingo, 21 de septiembre de 2014

BOYHOOD (o antes de la Universidad)




BOYHOOD (o antes de la Universidad)

TÍTULO: Boyhood (Momentos de una vida). TÍTULO ORIGINAL: Boyhood. AÑO: 2014. NACIONALIDAD: Estados Unidos. DIRECCIÓN Y GUIÓN: Richard Linklater. DIRECCIÓN DE FOTOGRAFÍA: Lee Daniel y Shane F. Kelly. MONTAJE: Sandra Adair. INTÉRPRETES PRINCIPALES: Patricia Arquette, Ethan Hawke, Ellar Coltrane, Lorelei Linklater, Libby Villari, Marco Perella, Jamie Howard, Andrew Villarreal, Brad Hawkins, Jenni Tooley, Richard Andrew Jones, Karen Jones, Zoe Graham. PÁGINA WEB OFICIAL: http://www.boyhood-lapelicula.es/ y http://www.ifcfilms.com/films/boyhood.

Actualmente, gracias a internet, disponemos de muchísima más información de la que nunca jamás hemos podido tener disponible. Millones de datos están a nuestro alcance sólo con teclear unas cuantas palabras en Google, Yahoo o cualquier otro buscador. Ello es positivo en cualquier caso pero no garantiza en absoluto que pueda darnos mayor grado de comprensión sobre una determinada rama del conocimiento. En el cine, este fenómeno se hace aún más grave. Chismorreos, opiniones poco o nada sistematizadas, el vicio de confundir impresiones personales con juicios objetivos, las poses impregnadas de un esnobismo escasamente disimulado, evaluaciones teñidas de arbitrariedad, tendencia a que la demagogia gane la batalla a la reflexión equilibrada se mezclan en la red conformando un vocerío virtual (impulsado por “críticos” y “cinéfilos”) que impide que la sensatez tenga algún hueco en el debate y en el contraste de opiniones. Si se quiere tener alguna repercusión significativa en la red, realice una afirmación extrema y es posible que consiga su objetivo. Y es que una cosa es saber de cine y otra cosa muy distinta es entender de cine. Pero no se le pueden pedir peras al olmo y el actual entorno digital no entra (ni quiere entrar) en ciertos matices.

Viene todo esto a cuento a raíz de la muy favorable repercusión crítica que Boyhood,  la última cinta de Richard Linklater (autor de la trilogía Antes de amanecer -1995-, Antes del atardecer -2004- y Antes del anochecer - http://elespectadorimpertinente.blogspot.com.es/2013/07/antes-del-anochecer-o-cuando-el-bla-bla.html, 2013-) que, parece ser, que es la gran obra maestra de los últimos veinte años (http://www.metropoli.com/blogs/sonar-despierto/2014/09/20/el-sentido-de-la-vida.html). Después de verla, me he quedado perplejo por la enorme brecha que separa a tan rimbombantes comentarios con la realidad de la película y sólo puedo concluir que, a lo largo del proceso que he descrito someramente en el anterior párrafo, se ha perdido buena parte de nuestra capacidad de comprensión y entendimiento.





viernes, 12 de septiembre de 2014

EL NIÑO (o el Estrecho como campo de batalla)

EL NIÑO (o el Estrecho como campo de batalla)

TÍTULO: El Niño. TÍTULO ORIGINAL: El Niño. AÑO: 2014. NACIONALIDAD: España. DIRECCIÓN: Daniel Monzón. GUIÓN: Jorge Guerricaechevarría y Daniel Monzón. MÚSICA ORIGINAL: Roque Baños. DIRECCIÓN DE FOTOGRAFÍA: Carles Gusi. MONTAJE: Cristina Pastor. INTÉRPRETES PRINCIPALES: Luis Tosar, Sergi López, Bárbara Lennie, Eduard Fernández, Jesús Castro, Jesús Carroza, Saed Chatiby, Mariam Bachir, Ian McShane. PÁGINA WEB OFICIAL: http://www.elniñolapelicula.es/.

Hay una distinción que, a efectos prácticos, suele ser muy útil pero que, a la hora de la verdad, tiene menos relevancia de la que parece y es la que se refiere a la distinción entre "cine de género" y "cine de autor". Esta clasificación puede resultar contradictoria porque hay directores como Howard Hawks que fue, básicamente, un director que realizó películas de género pero cuya condición de autor le fue reconocida hasta por los muy sibaritas representantes de la nouvelle vague en sus años de críticos en Cahiers du Cinéma. Algo parecido se puede decir (con matices) de Alfred Hitchcock o (con menos matices) de Fritz Lang. Pero no hay que dejar de reconocer que la distinción define con cierta precisión dos tendencias claramente reconocibles en el séptimo arte: por un lado, películas con vocación de dirigirse al gran público y, por otro, películas minoritarias con pretensiones intelectuales, experimentales o filosóficas. Desde siempre, hemos dicho en este blog que, aunque existe cierta inclinación a afirmar que el cine español se caracteriza por hacer "cine de autor", en realidad, donde siempre ha mostrado especial fortaleza es en el cine de género. En especial, siempre hemos hecho referencia a la tradición que existe en nuestro país de "cine de terror" (http://elespectadorimpertinente.blogspot.com.es/2011/02/los-ojos-de-julia-o-de-terror-tambien.html y http://elespectadorimpertinente.blogspot.com.es/2014/03/17-festival-de-malaga-cine-espanol_7705.html) y de "cine negro" (http://elespectadorimpertinente.blogspot.com.es/2011/10/no-habra-paz-para-los-malvados-o-que.html).

Dentro de esta última línea es donde se inscribe claramente El Niño de Daniel Monzón. Monzón es un director que, desde sus inicios, no ha tenido empacho en inscribir sus películas dentro de la que podemos denominar tendencia del "cine de género". Así, ha cultivado la "fantasía heroica" (El corazón del guerrero, 1999), la comedia (El robo más grande jamás contado, 2002), el cine de terror (con la muy meritoria La caja Kovak, en el año 2006) y ya tuvo un primer acercamiento al cine negro en 2009 (con la más meritoria aún Celda 211). Con El Niño, este director no decepcionará a sus condicionales (entre los que me cuento) al ofrecer un gran espectáculo visual, realizado con pulso firme y narrado con brío y convicción.






THE FAKE y EL CONGRESO

Lo primero de todo, anunciar que GIRKIQ: LA PELÍCULA, proyecto del que hablamos en entradas anteriores, ha conseguido completar la suscripción de fondos que solicitaron vía crowfunding (http://www.verkami.com/projects/8493-girqik-la-pelicula). Les damos desde aquí la enhorabuena y doy las gracias a los lectores del blog que hayan prestado su colaboración.





Para celebrarlo, hoy vamos a hablar de una película de animación coreana, The Fake, y de una coproducción liderada por Israel que mezcla animación e imagen real, El congreso.

THE FAKE (o cuando se toma el nombre de Dios en vano)

TÍTULO: The Fake. TÍTULO ORIGINAL: Saibi. AÑO: 2013. NACIONALIDAD: Corea del Sur. DIRECCIÓN Y GUIÓN: Yeon Sang-ho. MÚSICA ORIGINAL: Jang Yeong-gyu. PRINCIPALES VOCES EN LA VERSIÓN ORIGINAL: Kwon Haehyo, Kim Jaerok, Park Hee-von, Yang Ik-joon. PÁGINA WEB OFICIAL: http://www.m3estudio.com/#!the-fake/ctlm. ENLACE EN FILMIN: https://www.filmin.es/pelicula/the-fake.

No resulta habitual que en España tengamos acceso a películas de animación que no provengan de Estados Unidos o Japón. En este caso, gracias a www.filmin.es, se ha podido ver The Fake, dirigida por Yeon Sang-ho, la cual se trata de una producción cuyo origen es Corea del Sur. Además de este primer rasgo distintivo, otro hecho peculiar de este film es su temática, estrictamente realista (lo cual también resulta extraño en el cine de dibujos animados). Un pueblo va a desaparecer bajo las aguas de un pantano. En medio de la desmoralización de la comunidad, un presunto benefactor pretende construir una iglesia en el nuevo pueblo que se levantará para que la misma constituya un elemento revitalizador de la vida vecinal. En medio de esa situación, un exconvicto, jugador y bebedor, regresa al pueblo y se percata de las oscuras intenciones del proyecto.






miércoles, 10 de septiembre de 2014

LOCKE y NANA

Hoy, vamos a hablar de dos películas que se caracterizan por su minimalismo: Locke de Steven Knight y Nana de Valérie Massadian.


LOCKE (o el precio de cumplir con el deber)

TÍTULO: Locke. TÍTULO ORIGINAL: Locke. AÑO: 2013. NACIONALIDAD: Reino Unido-Estados Unidos. DIRECCIÓN Y GUIÓN: Steven Knight. MÚSICA ORIGINAL: Dickon Hinchliffe. DIRECCIÓN DE FOTOGRAFÍA: Haris Zambarloukos. MONTAJE: Justine Wright. INTÉRPRETES PRINCIPALES: Tom Hardy. Voces de Olivia Colman, Ruth Wilson, Andrew Scott, Ben Daniels, Tom Holland, Bill Milner, Danny Webb, Alice Lowe, Silas Carson, Lee Ross, Kirsty Dillon. PÁGINA WEB OFICIAL: http://www.locke-lapelicula.es/ y http://locke-movie.com/.

Es relativamente frecuente que, de vez en cuando, algún director se proponga realizar un tour de force técnico que pretenda dejar boquiabiertos a los espectadores con alardes inconcebibles. Hitchcock era muy proclive a ello y, así, realizó Naufragos (1944), la cual transcurría íntegramente en una bote salvavidas y La soga (1948), que simulaba estar rodada en un único plano-secuencia (en esa época, ello no era posible porque, simplemente, el rollo de celuloide se acababa y había que empezar uno nuevo). Otros ejemplos son Memento (2000) de Christopher Nolan, narrada desde el final al principio, El arca rusa (2002), rodada, esta sí, en un único plano-secuencia, El proyecto de la bruja de Blair (1999) de Daniel Myrick y Eduardo Sánchez y Monstruoso (2008) de Matt Reeves, rodadas como si fueran unos vídeos caseros, [REC] (2007) de Jaume Balagueróy Paco Plaza, rodada como si fuera la grabación de una cámara de televisión, o Buried (2010) de Rodrigo Cortés, rodada íntegramente en un ataúd.

Steven Knight, guionista de títulos como Negocios ocultos (2002) de Stephen Frears, Amazing Grace (2006) de Michael Apted o Promesas del Este (2007) de David Cronenberg, se añade a la lista de directores audaces y se ha atrevido a realizar una historia que transcurre, íntegramente, en un automóvil. Sólo veremos físicamente a un personaje, el interpretado magistralmente por Tom Hardy, mientras que, del resto del reparto de la película, sólo oiremos sus voces. Con este planteamiento, la gran duda era si el film podía mantener su pulso a lo largo de noventa minutos y si la historia iba a tener suficiente sustancia como para que la obra fuera algo más que una virguería técnica. Hay que decir que Locke ha conseguido que las mismas se disipen absolutamente y que, finalmente, sea uno de los mejores títulos de este año 2014.






jueves, 4 de septiembre de 2014

LAS VIDAS DE GRACE y EL DESCONOCIDO DEL LAGO


LAS VIDAS DE GRACE (o la vida fluye)

TÍTULO: Las vidas de Grace. TÍTULO ORIGINAL: Short Term 12. AÑO: 2013. NACIONALIDAD: Estados Unidos. DIRECCIÓN Y GUIÓN: Destin Daniel Cretton. MÚSICA ORIGINAL: Joel P. West. DIRECCIÓN DE FOTOGRAFÍA: Brett Pawlak. MONTAJE: Net Sanders. INTÉRPRETES PRINCIPALES: Brie Larson, John Gallagher Jr., Stephanie Beatriz, Rami Malek, Alex Calloway, Kevin Hernandez, Lydia Du Veaux, Keith Stanfield, Frantz Turner, Kaitlyn Dever. PÁGINA WEB OFICIAL: http://www.goodfilms.es/catalogo/las-vidas-de-grace-short-term-12/http://shortterm12.com/.

En este blog, ya hemos reseñado con anterioridad películas que trataban las vidas de jóvenes con problemas: Los niños salvajes (2012) de Patricia Ferreira, Quince años y un día (2013) de Gracia Querejeta, A escondidas (2014) de Mikel Rueda, María y el Araña (2013) de María Victoria Menis o Besos de azúcar (2013) de Carlos Cuarón son buenos ejemplos de ello. Las vidas de Grace ha llamado la atención porque aporta una gran dosis de frescura que sabe combinar, con gran inteligencia, con momentos verdaderamente amargos que (sorprendentemente) dejan a un lado el morbo para estar presididos por una delicadeza y una sutileza muy personales.

En el fondo, Las vidas de Grace se nutre de la clásica mirada de Howard Hawks (a la que ya hicimos referencia al hablar de Rio Bravo (1959) y que, también, detectamos en un título reciente como Azul y no tan rosa -2012- de Miguel Ferrari): más que en desarrollar una historia según el típico esquema narrativo de exposición-nudo-desenlace, el desarrollo de la película se centra en el progresivo conocimiento de las circunstancias que envuelven a unos personajes. (Precisamente, en esa concepción alejada de cualquier similitud con algún tipo de modelo literario previo es en la que se fijaron los realizadores de la nouvelle vague francesa y es la que explica la admiración que sentían por Hawks desde que hacían crítica cinematográfica en Cahiers du Cinéma). En este caso, se trata de unos jóvenes internados en un centro de asistencia y de sus cuidadores. Poco a poco, iremos descubriendo que todos ellos deberán superar retos difíciles y reajustar sus vidas para dejar atrás un pasado complicado.







viernes, 22 de agosto de 2014

EL PASADO y MI AMIGO MR. MORGAN



EL PASADO (o una película que va sobre… el pasado)

TÍTULO: El pasado. TÍTULO ORIGINAL: Le passé. AÑO: 2013. NACIONALIDAD: Francia-Italia. DIRECCIÓN Y GUIÓN: Asghar Farhadi. MÚSICA ORIGINAL: Evgueni Galperine y Youli Galperine. DIRECCIÓN DE FOTOGRAFÍA: Mahmoud Kalari. MONTAJE: Juliette Welfling. INTÉRPRETES PRINCIPALES: Bérénice Bejo, Ali Mosaffa, Tahar Rahim, Pauline Burlet, Elyes Aguis, Jeanne Jestin. PÁGINA WEB OFICIAL: http://www.golem.es/distribucion/pelicula.php?id=314 y https://www.facebook.com/le.passe.farhadi.

Uno de los grandes problemas a la hora de hacer la reseña de una película es que, con la habitual urgencia con que se realiza, es fácil llegar a conclusiones precipitadas que pueden dar lugar a numerosos errores de apreciación: detectar interpretaciones en el argumento en las que el director, de hecho, no ha pensado; dar mayor importancia a aspectos que no pasan de ser secundarios en la concepción global de la cinta; pasar por alto elementos cuyo peso es significativamente relevante… Cuando el director iraní Asghar Farhadi realizó en el año 2011 el film Nader y Simin, una separación, el mismo fue visto como una crítica al régimen fundamentalista de su país. No se puede negar que la existencia de una mirada que implicaba una censura clara hacia determinados aspectos de la sociedad iraní estaba presente en la película. Pero no es menos verdad que, a la luz de El pasado, debemos poner en paréntesis que la clave fundamental de su anterior título sea la crítica al régimen islamista (en última instancia, sólo habría, en sentido estricto, una escena que justificaría tal afirmación).

Porque El pasado, donde seremos testigos de una trama que tiene muchos aspectos en común con las de Nader y Simin, una separación (hay un divorcio, se producen hechos dramáticos que obligan a todos los personajes a plantearse si sus acciones han tenido un fundamento moral sólido, hay una intensa obsesión por esclarecer toda la verdad, hay un final abierto donde todos acaban siendo perdedores), se desarrolla en la laica y secular Francia, lo más opuesto que podamos imaginar en relación a Irán.  Si argumentos de un mismo director, que tienen lugar en países tan diferentes, tienen tantas similitudes, quizás haya que plantearse si la mirada de Farhadi aspira a una cierta universalización, a hablar de problemas y pulsiones que se pueden dar en cualquier lugar o latitud.




viernes, 15 de agosto de 2014

CRÓNICAS DIPLOMÁTICAS y EL GRAN CUADERNO



Antes de empezar con los temas de la entrada de hoy, quiero recordar que el proyecto GIRQIK mantiene abierto el plazo de captación de recursos a través de la plataforma de crowfunding Verkami: http://www.verkami.com/projects/8493-girqik-la-pelicula





Recordemos que se trataría de una cinta de animación, realizada con títeres, y que tendría como tema central del medio ambiente y la oportunidad que tenemos de ayudar a su conservación. El proyecto se realizaría en Guatemala y sería el primero de estas características en toda Centroamérica.




 Tienen hasta el 9 de septiembre si quieren ayudar a la realización de esta bonita idea.


LAUREN BACALL y ROBIN WILLIAMS IN MEMORIAM

Antes de comentar las dos películas a las que vamos a dedicar la entrada de hoy, tenemos que lamentar la muerte de dos importantes estrellas del Séptimo Arte.

El 11 de agosto nos enterábamos del fallecimiento, a la edad de 63 años, de Robin Williams (http://www.elmundo.es/cultura/2014/08/12/53e94e05268e3e1f3d8b4592.html). Como muchos actores que, en Estados Unidos, empezaron en el terreno del humor, acabó participando en proyectos de mayor enjundia, de forma que ganó el Oscar como mejor actor de reparto por El indomable Will Hunting (Gus van Sant, 1997) y el Globo de Oro al mejor actor de comedia o musical por Good morning, Vietnam (Barry Levinson, 1987), El rey pescador (Terry Gilliam, 1991) y Señora Doubtfire, papá de por vida (Chris Columbus, 1993). Aparte de estos títulos merecen ser destacados El mundo según Garp (George Roy Hill, 1982), Las aventuras del barón Munchausen (Terry Gilliam, 1988), El club de los poetas muertos (Peter Weir, 1989), Despertares (Penny Marshall, 1990), Morir todavía (Kenneth Branagh, 1991), Jumanji (Joe Johnston, 1995), Jack (Francis Ford Coppola, 1996), Hamlet (Kenneth Branagh, 1996), Desmontando a Harry (Woody Allen, 1997), Más allá de los sueños (Vincent Ward, 1998), Patch Adams (Tom Shadyac, 1998), El hombre bicentenario (Chris Columbus, 1999), Retratos de una obsesión (Mark Romanek, 2002), Insomnio (Christopher Nolan, 2002), El hombre del año (Barry Levinson, 2006) y El mayordomo (Lee Daniels, 2013), la cual comentamos en este blog: http://elespectadorimpertinente.blogspot.com.es/2013/10/el-medico-aleman-y-el-mayordomo.html






Al día siguiente, el 12 de agosto, la noticia que saltaba era la de la muerte de Lauren Bacall, una de las últimas estrellas vivas del Hollywood clásico. Pareja de Humphey Bogart, tanto en la gran pantalla como en la vida real, en su carrera brillan títulos de primer nivel como Tener y no tener (Howard Hawks, 1942), El sueño eterno (Howard Hawks, 1946), La senda tenebrosa (Delmer Daves, 1947), Cayo Largo (John Huston, 1948), El trompetista (Michael Curtiz, 1950), El rey del tabaco (Michael Curtiz, 1950), Cómo casarse con un millonario (Jean Negulesco, 1953), La tela de araña (Vincente Minnelli, 1955), Callejón sangriento (William A. Wellman, 1955), Escrito sobre el viento (Douglas Sirk, 1956), Mi desconfiada esposa (Vincente Minnelli, 1957), Harper, investigador privado (Jack Smight, 1966), El último pistolero (Don Siegel, 1976), Dogville (Lars von Trier, 2003), Reencarnación (Jonathan Glazer, 2004) y Manderlay (Lars von Trier, 2005).





Nuestro deseo para ambos de que descansen en paz.


CRÓNICAS DIPLOMÁTICAS (o el humo detrás de las palabras)

TÍTULO: Crónicas diplomáticas. TÍTULO ORIGINAL: Quai d’Orsay. AÑO: 2013. NACIONALIDAD: Francia. DIRECCIÓN: Bertrand Tavernier. GUIÓN: Bertrand Tavernier, Christophe Blain y Antonin Baudry, adaptando el cómic homónimo de Christophe Blain y Abel Lanzac. MÚSICA ORIGINAL: Philippe Sarde. DIRECCIÓN DE FOTOGRAFÍA: Jérôme Alméras. MONTAJE: Guy Lecorne. INTÉRPRETES PRINCIPALES: Thierry Lhermitte, Raphaël Personnaz, Niels Arestrup, Bruno Raffaelli, Julie Gayet, Anaïs Demoustier, Thomas Chabrol. PÁGINA WEB OFICIAL: http://www.golem.es/distribucion/pelicula.php?id=300

En los últimos tiempos, ha habido bastantes películas que han intentado reflejar qué esconden las interioridades del proceso político para mostrar qué dosis de corrupción, cinismo, inoperancia y contradicción existen en el mismo. En este blog, hemos comentado La Dama de Hierro (2011) de Phyllida Lloyd (http://elespectadorimpertinente.blogspot.com.es/2012/01/la-dama-de-hierro-o-la-soledad-era-esto.html), J. Edgar (2011) de Clint Eastwood (http://elespectadorimpertinente.blogspot.com.es/2012/02/j-edgar-o-el-poder-corrompe-y-el-poder.html), Los idus de marzo (2011) de George Clooney (http://elespectadorimpertinente.blogspot.com.es/2012/03/los-idus-de-marzo-o-lo-que-la-venganza.html), Malas noticias (Too big to fail) (2011) de Curtis Hanson (http://elespectadorimpertinente.blogspot.com.es/2012/07/malas-noticias-too-big-to-fail-o.html), Lincoln (2012) de Steven Spielberg (http://elespectadorimpertinente.blogspot.com.es/2013/01/lincoln-o-la-politica-es-la.html), Coriolanus (2011) de Ralph Fiennes (http://elespectadorimpertinente.blogspot.com.es/2013/02/coriolanus-y-bestias-del-sur-salvaje.html), Colosio: El asesinato (2012) de Carlos Bolado (http://elespectadorimpertinente.blogspot.com.es/2013/04/16-festival-de-malaga-cine-espanol-2013_2115.html) y Viva la libertá (2013) de Roberto Andó.

El título original en francés de Crónicas diplomáticas es Quay d’Orsay, el cual se refiere a la sede del Ministerio de Asuntos Exteriores de Francia. En dicho edificio, es donde transcurrirá buena parte de esta película, la cual, en clave de comedia, retrata la gestión al frente de dicho departamento de un político presuntamente ficticio pero cuya referencia real es, de forma evidente, Dominique de Villepin, que ocupó el cargo de mayo de 2002 a marzo de 2004. Crónicas diplomáticas muestra cómo la gestión política, en contra de lo que pudiera pensarse, está marcada por unas dosis de improvisación, descoordinación y falta de planificación que convierten en milagro cualquier éxito o incidencia favorable. Pero, aunque los mismos no tengan lugar, las palabras pueden ser la fachada perfecta para disfrazar el caos. Como dice la frase del filósofo griego Heráclito que se reproduce en el film, “los estúpidos se quedan pasmados por un discurso”. Que es lo que, al final, sucede.





viernes, 8 de agosto de 2014

ENEMY y SEX TAPE: ALGO PASA EN LA NUBE



Antes de nada, hoy quiero hablarles de un proyecto cinematográfico que están poniendo en marcha unos amigos de Guatemala. Se trata de una película de títeres titulada Girqik y que nos hablará sobre la degradación de la naturaleza y de las oportunidades que tenemos para conservar el medio ambiente. Actualmente, están recabando los recursos necesarios para realizar el film a través de la plataforma de crowfunding Verkami.




Este es el enlace para quien quiera colaborar en el proyecto: http://www.verkami.com/projects/8493-girqik-la-pelicula. Os invito a que le echéis un vistazo porque es una idea verdaderamente bonita e interesante. Sí os digo que, para dar ejemplo, yo ya he puesto mi pequeño granito de arena.





En la entrada de hoy, empezamos con un ejercicio severo e intelectual y acabamos con una comedia gamberra y desvergonzada.


ENEMY (o 1 +1 = 1)

TÍTULO: Enemy. TÍTULO ORIGINAL: Enemy. AÑO: 2013. NACIONALIDAD: Canadá-España. DIRECCIÓN: Denis Villeneuve. GUIÓN: Javier Gullón, adaptando la novela El hombre duplicado de José Saramago. MÚSICA ORIGINAL: Danny Bensi y Saunder Jurriaans. DIRECCIÓN DE FOTOGRAFÍA: Nicolas Bolduc. MONTAJE: Matthew Hannam. INTÉRPRETES PRINCIPALES: Jake Gyllenhaal, Mélanie Laurent, Sarah Gadon, Isabella Rossellini. PÁGINA WEB OFICIAL: http://alfapictures.com/Alfa/enemy.html.

Hace unas semanas, hablamos de Viva la libertá y de cómo el cine y la literatura habían abordado con frecuencia el tema del doble (http://elespectadorimpertinente.blogspot.com.es/2014/07/viva-la-liberta-frances-ha-y-compliance.html). Allí, hablamos de que una de las novelas que había tratado la cuestión era El hombre duplicado de José Saramago. La misma ha sido adaptada en Enemy, una película hispano-canadiense dirigida por Denis Villeneuve quien, en 2010, dirigió la magistral Incendies. La anécdota inicial de Enemy parece simple. Un aburrido profesor universitario descubre un día, en una película, que un actor es idéntico a él. Empieza a indagar y, efectivamente, acaba descubriendo que hay otra persona, que vive en su ciudad, con sus mismos rasgos físicos pero con una vida sustancialmente distinta. 

El tema del doble siempre acaba girando sobre la dicotomía irreconciliable entre, por un lado, “lo que somos” y, por otro, “lo que querríamos ser” o “lo que podríamos ser”. Aquí, el adjetivo esencial es irreconciliable, aunque también podríamos emplear incompatible o antagónica. Una persona vive la realidad A, aunque querría vivir la realidad B o le gustaría saber cómo sería esa realidad. Pero la realidad A y la realidad B son mundos aislados uno del otro, los cuales no pueden convivir en una única existencia ni se puede pasar del uno al otro por la mera voluntad del individuo. Si en Viva la libertá esos dos mundos eran dos visiones contradictorias sobre los modos y maneras de hacer política, en Enemy son dos proyectos vitales que suponen caminos perfectamente paralelos: una vez que se ha empezado a transitar uno, el otro se vuelve inaccesible. Por lo tanto, cualquiera de ellos se puede convertir, en cualquier momento, en la trampa perfecta.