Translate

miércoles, 11 de abril de 2018

POST DEL 2-1-2018: MEJORES PELÍCULAS DE 2017





A continuación, os doy mis listas de, según mi opinión, mejores películas del año 2017. Dividiré los títulos en cuatro categorías: largometrajes de ficción españoles, largometrajes de ficción internacionales, documentales españoles y documentales internacionales.

MEJORES LARGOMETRAJES DE FICCIÓN ESPAÑOLES



POST DEL 3-6-2017: EXPOSICIÓN "ARTE Y CINE: 120 AÑOS DE INTERCAMBIOS" EN CAIXA FORUM. COMPOSICIÓN INCOMPLETA.





El pasado 26 de abril, se inauguró en el edificio Caixa Forum de Madrid (Paseo del Prado, 36)  una exposición titulada Arte y cine: 120 años de intercambios que, como su propio nombre indica, traza un recorrido sobre las interrelaciones (en uno y otro sentido) producidas entre el cine y el resto de manifestaciones artísticas desde la irrupción de la imagen en movimiento en el año 1895. Pueden visitarla hasta el próximo 20 de agosto.

La exposición plantea un muy buen resumen de los principales hitos que, durante casi este siglo y cuarto, han caracterizado las influencias mutuas entre cine y arte, con los títulos y ejemplos visuales más relevantes o, quizás sería mejor decir, conocidos. Conforme vamos viendo la muestra, se aprecia claramente que su hilo conductor se centra en que cada época y movimiento estéticos importantes del siglo XX han ido teniendo su correlato correspondiente en el campo del séptimo arte, de modo que se podría trazar la historia de este último dibujando una línea paralela con los cambios acaecidos en la pintura, la escultura o la música: empezando con el impacto de las obras de los hermanos Lumière y las influencias que actuaron sobre ellos, siguiendo con los ecos de la famosa serie Fantômas (1913-1914) de Louis Feuillade, la irrupción del expresionismo, con títulos tan emblemáticos como El gabinete del doctor Caligari (1920) de Robert Wiene o La caja de Pandora (1929) de G. W. Pabst, la erupción del surrealismo con obras tan rupturistas como Un perro andaluz (1929) o La edad de oro (1930) de Luis Buñuel y la participación de Salvador Dalí en Recuerda (1945) de Alfred Hitchcock, los ecos del arte crítico y contestatario de los 60 en Godard y Warhol y su bifurcación posterior en un arte que va al encuentro directo con una realidad caótica, por un lado (por ejemplo, Guy Debord y su libro y película La sociedad del espectáculo), que se refugia en un mundo personal lleno de claves crípticas, por otro (por ejemplo, David Lynch) o que, finalmente, busca deconstruir el mismo hecho artístico para descubrir la ideología subyacente (como en Histoire(s) du cinéma de Jean-Luc Godard).


Proyección en la exposición de La llegada del tren (1896) de los hermanos Lumière

martes, 10 de abril de 2018

POST DEL 2-5-2016: 19º FESTIVAL DE MÁLAGA - CINE ESPAÑOL (y IV): OTRAS PELÍCULAS





En este último post, vamos a hablar de una serie de títulos que no han tenido repercusión a través del palmarés, bien porque no han merecido premio, bien porque acudían al certamen fuera de concurso.
En primer lugar, vamos a hablar de Gernika (2016) de Koldo Serra. Se trata de una coproducción entre España, Gran Bretaña y Estados Unidos que reconstruye el bombardeo de la localidad vizcaína de Guernica por la Legión Cóndor alemana en 1937. Protagonizada por María Valverde, James D’Arcy, Jack Davenport, Ingrid García Jonsson, Álex García, Bárbara Goenaga, Irene Escolar y Julián Villagrán, cuenta con una brillante factura visual los acontecimientos que narra.

POST DEL 2-5-2016: 19º FESTIVAL DE MÁLAGA - CINE ESPAÑOL (III) - PELÍCULAS GANADORAS


En este post, vamos a analizar las películas triunfadoras en la Sección Oficial del 19º Festival de Málaga.

Si, en los últimos tiempos, el Festival de Málaga había sido criticado por centrarse en comedias y películas para adolescentes, la decisión este año del Jurado (compuesto por Manuel Martín Cuenca, Belén López, Pilar Martínez-Vasseur, Alberto Ammann, Daniel Guzmán y Manuel Hidalgo) ha venido a ser una especie de golpe sobre la mesa o provocación que ha prescindido de todo intento de contemporizar con la predilección por títulos amables o convencionales y ha optado por películas atrevidas y arriesgadas.

La película Callback de Carles Torras ganó la Biznaga de Oro a la Mejor Película, la Biznaga de Plata al Mejor Actor por el papel protagonista de Martín Bacigalupo y la Biznaga de Plata al Mejor Guión (Carles Torras y Martín Bacigalupo).



POST DEL 2-5-2016: 19º FESTIVAL DE MÁLAGA - CINE ESPAÑOL (II) - PALMARÉS


SECCIÓN OFICIAL

El sábado 30 de abril, se hizo público el palmarés de la Sección Oficial.

Los premiados fueron los siguientes:

* Biznaga de Oro a la Mejor Película: Callback de Carles Torras.




* Biznaga de Plata Premio Especial del Jurado: La propera pell (La próxima piel) de Isaki Lacuesta e Isa Campo.



POST DEL 2-5-2016: 19º FESTIVAL DE MÁLAGA - CINE ESPAÑOL (I) - INTRODUCCIÓN


Entre el viernes 22 de abril y el domingo 1 de mayo, hemos podido disfrutar de una nueva edición del Festival de Málaga – Cine Español.

Aunque Málaga no se lo acabe de creer (y la industria española del séptimo arte, tampoco), es una ciudad muy cinematográfica, por lo que no cabe dudar de la oportunidad de celebrar en ella un festival de cine. En primer lugar, el público siempre se vuelca con el certamen, se ven largas colas en taquillas y es casi imposible asistir a un pase que no cuente con una afluencia masiva de espectadores. En segundo lugar, es un lujo contar con tres sedes tan hermosas como las que constituyen el epicentro del festival: el Teatro Cervantes, el Cine Albéniz y el Teatro Echegaray, las cuales ayudan a retrotraernos al espíritu de la edad de oro del cine, a la época en la que acudir a ver una película era siempre un acontecimiento especial y la promesa de mundos desconocidos y descubrimientos fascinantes.


 Teatro Cervantes


 Cine Albéniz


Teatro Echegaray

POST DEL 31-12-2015: RANKINGS DEL AÑO 2015






Como es habitual todos los años en este blog, presento los rankings de las mejores películas que he visto en este año 2015. Más que una lista con películas ordenadas estrictamente de mayor a menor calidad, es una relación de los títulos que me han parecido interesantes por sus aportaciones narrativas, interpretativas o estéticas. Eso sí, las películas que encabezan cada una de las categorías son las que me han gustado más en cada una de ellas.

PELÍCULAS ESPAÑOLAS

1.-  TRUMAN de Cesc Gay.- Dos enormes interpretaciones de Ricardo Darín y Javier Cámara y una magnífica dirección de Cesc Gay (tan precisa y sutil como es habitual en este realizador) convierten, indudablemente, a Truman en la película española del año. Una enfermedad terminal se acaba convirtiendo en una invitación para la vida.


POST DEL 1-12-2015: TERRITORIOS SOLITARIOS - LA IMAGEN MALDITA DEL SUICIDIO


Afirmaba Syd Field en su clásica obra El libro del guión que, de cara a vender el libreto escrito por el guionista, era preferible que las películas desembocaran en un final feliz. Sin embargo, en muchas ocasiones, los desenlaces se mueven en el terreno de la ambigüedad: es difícil determinar si el final de la historia es positivo o negativo. Como en la vida misma, puede moverse en un terreno de tonalidad gris. Sin embargo, hay una excepción obvia: cuando la película termina con el suicidio del protagonista, no cabe hacer matices sobre si hay algún aspecto reconfortante en la historia que hemos contemplado. Observemos que hablamos del suicidio y no meramente de la muerte. Hay ejemplos en que la muerte puede ser un acto de heroísmo o generosidad. Pero el suicidio es algo diferente. Este retraimiento de la vida sobre sí misma, su renuncia a ser lo que es, suele despertar en todos nosotros un malestar y un rechazo intuitivo que provoca que no acabemos teniendo buen recuerdo de la película que acabamos de ver. Por ello, este no es un tema que el cine haya tratado con excesiva profusión. Más bien, habría que decir que lo ha eludido consciente y deliberadamente.

Hay muchos títulos donde un suicidio (o un intento frustrado) tienen presencia en la trama: por supuesto, en todas las versiones de Ana Karenina (las mejores serían la de 1935, de Clarence Brown – con Greta Garbo-, la de 1948 de Julien Duvivier, la de 1997 de Bernard Rose y la de 2012 de Joe Wright) o de Madame Bovary (a destacar la de 1933 de Jean Renoir, la de 1949 de Vincente Minnelli y la de 1991 de Claude Chabrol) pero también en Umberto D (1952) de Vittorio de Sica, El apartamento (1960) de Billy Wilder, Esplendor en la hierba (1961) de Elia Kazan, Dos semanas en otra ciudad (1962) de Vincente Minnelli, Lilith (1964) de Robert Rossen, El compromiso (1969) de Elia Kazan, El último tango en París (1972) de Bernardo Bertolucci, Gente corriente (1980) de Robert Redford, La decisión de Sophie (1982) de Alan J. Pakula, Wetherby (1985) de David Hare, La chaqueta metálica (1987) de Stanley Kubrick, Jude (1996) de Michael Winterbottom, Las vírgenes suicidas (1999) de Sofia Coppola, Contra la pared (2004) de Fatih Akin, Caché (2005) de Michael Haneke, La caja Kovak (2006) de Daniel Monzón o Agosto (2013) de John Wells.

Sin embargo, si queremos hablar de películas que hablan de frente del tema del suicidio, lo convierten en elemento esencial de la trama y lo tratan sin dulcificarlo de ningún modo son las cuatro que vamos a comentar a continuación.

(Evidentemente, vamos a hacer spoilers de las películas que vamos a citar a continuación, circunstancia de la que aviso por si quieren seguir leyendo o no.)

Desde el punto de vista cronológico, la primera de ellas es Alemania, año cero (1948) de Roberto Rossellini. Esta película es un retrato de la Alemania inmediatamente posterior al final de la II Guerra Mundial y la caída del nazismo, un entorno donde conviven la miseria física, consecuencia de la guerra, y la degradación moral, reflejo de la infamia generada por el régimen hitleriano. El dramatismo del argumento queda trágicamente reforzado al ser el niño protagonista quien, al final, opta por el suicidio como salida a un drama que lo desborda. Funcionando aquí esa opción como metáfora de una Alemania que ha aniquilado las esperanzas y sueños de su juventud, lo relevante en este caso es la denuncia que se hace del contexto. Es ese contexto el que conduce al protagonista a su espeluznante desenlace y, en este sentido, Alemania, año cero, como la mayoría de los títulos del neorrealismo italiano, es una película combativa que invita al espectador a que luche contra unas circunstancias injustas e inmorales. Dentro de la tragedia, la moraleja, vamos a decir, positiva del film sería que, si logramos cambiar esas circunstancias, no tendremos que asistir a hechos como los que se nos narra con crudeza y amargura. Asistimos a un momento terrible pero es un llamamiento a la acción.





POST DEL 30-11-2015: ANDREI TARKOVSKI O LA TRASCENDENCIA IGNORADA (y IV)


Ante la acumulación de problemas de Tarkovski con el gobierno soviético y sus dificultades con El espejo y Stalker, sus opciones pasaban ya bien por renunciar a su forma de hace cine o incluso por abandonar la profesión o bien por huir de la URSS para poder grabar en libertad y sin cortapisas. Tarkovski eligió esta última. Pero no antes de tener que sufrir nuevas acciones represivas por parte de las autoridades soviéticas.

En el verano de 1979, Tarkovski viajó a Italia para preparar un guión junto a Tonino Guerra (https://es.wikipedia.org/wiki/Tonino_Guerra), amigo y guionista de directores tan importantes como Michelangelo Antonioni, Federico Fellini, Vittorio de Sica, Mario Monicelli, Elio Petri, Francesco Rosi o Theo Angelopoulos. Además del documental Tempo di viaggio (1983), codirigido por Tarkovski y Guerra, en el que se muestra el encuentro del director ruso con Italia y las conversaciones entre él y el guionista italiano de cara a crear su nuevo proyecto cinematográfico, en ese viaje se empezó a escribir el guion de la siguiente película de Tarkovski, Nostalgia (1983). (De hecho, en un momento del documental, se puede ver la carpeta que contiene el guión, con el título de la futura película escrito sobre ella).



Fotogramas de Tempo di viaggio

POST DEL 30-11-2015: ANDREI TARKOVSKI O LA TRASCENDENCIA IGNORADA (III)


Tras Andrei Rublev, Tarkovski estuvo seis años sin dirigir. Sólo participó, sin acreditar, en los guiones de las películas Sergey Lazo (1968) de Aleksandr Gordon y Konets atamana (1971) de Shaken Ajmanov. La prohibición durante cinco años de su película y sus problemas con las autoridades soviéticas le llevaron a un sutil cambio en sus siguientes tres films: Solaris (1972), El espejo (1975) y Stalker (1979). Partiendo, como dijimos en el primer post de esta serie, de la influencia de Hemingway y de cineastas como Robert Bresson o Ingmar Bergman, en estas tres obras, más que en el resto de su filmografía, Tarkovski se decanta por expresar entre líneas el verdadero tema del que quiere hablar y en el que pretende profundizar. Siendo estos tres títulos los más famosos de toda su carrera, no resulta extraño que sean los que asientan su fama de director críptico e inaccesible. Sin embargo, sus películas de los años 70 son plenamente coherentes con las que ya hemos revisado con anterioridad y con las que veremos en el siguiente post y ello demuestra que el pensamiento de Tarkovski se mantuvo siempre fiel a unos principios y a unos postulados inamovibles, principios y postulados que se reflejan, en realidad, con bastante transparencia en su cine.




lunes, 9 de abril de 2018

POST DEL 30-11-2015: ANDREI TARKOVSKI O LA TRASCENDENCIA IGNORADA (II)


En el anterior post de esta serie, dijimos que La infancia de Iván constituía toda una provocación al pensamiento oficial soviético y su visión sobre qué debía plasmar el arte, la literatura o cualquier tipo de acto creativo. La infancia de Iván no sólo no se acomoda a los postulados del realismo socialista sino que es, de forma sutil, un ataque contra los mismos y contra la ideología del régimen.

En apariencia, el tema elegido sí debía ser del agrado de las autoridades: la Gran Guerra Patria, la lucha de la URSS contra el invasor nazi. Pero su tono es muy diferente al que podía tener uno de los escritores oficiales del régimen como Mijaíl Shólojov y se acercaba más al Vasili Grossman de Vida y destino. Bien es cierto que ya se habían realizado películas que habían visto el conflicto bélico desde una perspectiva alejada del oficialismo: por ejemplo, Cuando pasan las cigüeñas (1957) de Mijaíl Kalatózov o La balada del soldado (1959) de Grigori Chujrai. Pero el caso de La infancia de Iván era muy diferente.

Cuando pasan las cigüeñas fue la primera película que ganó la Palma de Oro en Cannes. Sin embargo, el hecho apenas tuvo repercusión en la URSS. Apenas una nota sin titular ni fotografía (y sin mención al director) aparecida en el diario Izvestia en el año 1958. La razón de ello era que el Secretario General del PCUS, Nikita Kruschev, criticó el largometraje al considerar que la protagonista desacreditaba la imagen de las trabajadoras de la retaguardia soviética. Kruschev consideraba la conducta de dicha protagonista “descuidada e indecente”.

En el caso de La balada del soldado, tuvo menos problemas y, de hecho, fue galardonada con el Premio Lenin. No obstante, el film se alejaba de cualquier tratamiento propagandístico y se centraba en la vertiente más sentimental y emocional al contar la historia de amor de un soldado cuando visitaba su ciudad natal como recompensa por una acción heroica.

La infancia de Iván (primera película soviética en ganar el León de Oro en Venecia a la mejor película) iba mucho más allá que los dos títulos mencionados. Como ellos, prescinde de todo tono o intención propagandísticos. Como elemento añadido, no muestra una actitud heroica generalizada de los combatientes sino que la mayoría de ellos actúan de una manera simplemente rutinaria o burocrática (de hecho, es el niño protagonista el único de los personajes cuyo heroísmo es puro e incondicionado). Adicionalmente, la película se recrea en los momentos de horror con una obvia intención de denuncia o condena, arrebatando toda aura mítica o legendaria al conflicto bélico.




Minuto 42:41 de La infancia de Iván

POST DEL 30-11-2015: ANDREI TARKOVSKI O LA TRASCENDENCIA IGNORADA (I)



Cuando pensamos en directores de cine que tengan un estilo único y absolutamente personal, no hay muchos nombres con los que podamos completar la lista. Uno de ellos es, indudablemente, el del realizador soviético Andrei Tarkovski (1932-1986). Sus películas, enigmáticas y aparentemente indescifrables, están surcadas por una corriente permanente de poesía en imágenes, inconfundible en su originalidad y enormemente potente en su fuerza expresiva. Aunque pueda parecer que Tarkovski esconde en sus films un complejo e intrincado entramado filosófico, no hay que descartar la posibilidad de que, en realidad, su intención era exponer ideas más sencillas de las que la crítica y el público llegan a pensar cuando contemplan sus films.





domingo, 8 de abril de 2018

POST DEL 24-8-2015 - EL PADRINO Y LA GUERRA DE LAS GALAXIAS: TRILOGÍAS PARALELAS




Para cualquier espectador de cine, las trilogías de El Padrino de Francis Ford Coppola y La guerra de las galaxias de George Lucas pueden tener escasos puntos en común. En el primer caso, se trataría de de una película sobre la mafia. En el segundo, de una película de ciencia-ficción. El Padrino, a pesar de ser una superproducción made in Hollywood, es considerada como un prodigio artístico y filosófico. La guerra de las galaxias es vista, en la mayoría de las ocasiones, más como un puro divertimento que como una obra que encierre sesudas reflexiones. Si analizamos los orígenes de cada trilogía, tampoco percibiremos demasiados contactos entre ellas.





POST DEL 6-6-2015 - TERRITORIOS SOLITARIOS - WOJCECH HAS Y DARREN ARONOFSKY: DOS VISIONES INSÓLITAS DE ESPAÑA

Este post fue publicado originalmente en civiNova - La ciudad de la cultura el 6-6-2015.

* * *



La historia y la cultura españolas no han sido objeto de muchas películas a lo largo de la historia del séptimo arte fuera de nuestro propio país. Hay títulos sobre la Guerra de la Independencia, como Orgullo y pasión (1957) de Stanley Kramer y Los fantasmas de Goya (2006) de Milos Forman, sobre la Guerra Civil, como Bloqueo (1938) de William Dieterle, ¿Por quién doblan las campanas? (1943) de Sam Wood, El ángel vestido de rojo (1960), de Nunnally Johnson y Tierra y libertad (1995) de Ken Loach, y sobre la posguerra y la dictadura de Franco, como Y llegó el día de la venganza (1964) de Fred Zinnemann, La guerra ha terminado (1966) de Alain Resnais y Las rutas del Sur (1978) de Joseph Losey. También se han tratado figuras literarias como Don Quijote de la Mancha en Don Quijote (1933) de Georg Wilhelm Pabst, Don Quijote (1957) de Grigori Kozintsev y El hombre de La Mancha (1972) de Arthur Hiller o la Carmen de Prospero Merimée en Los amores de Carmen (1948) de Charles Vidor y Carmen de Bizet (1984) de Francesco Rosi. Por supuesto, el mundo de la tauromaquia ha estado presente, como en las adaptaciones de Sangre y arena de Vicente Blasco Ibáñez de 1922 (dirigida por Fred Niblo y protagonizada por Rodolfo Valentino) y 1941 (dirigida por Rouben Mamoulian y protagonizada por Tyrone Power y Rita Hayworth) o en la adaptación de Fiesta de Ernest Hemingway, dirigida en 1957 por Henry King e interpretada, entre otros, por Tyrone Power, Ava Gardner, Mel Ferrer y Errol Flynn.

POST DEL 8-5-2015 - TERRITORIOS SOLITARIOS - ORSON WELLES Y FRANCIS FORD COPPOLA: LA GENIALIDAD INCOMPRENDIDA

Este post fue publicado, originalmente, el 8-5-2015, en la web civiNova - La ciudad de la cultura.

* * *



Con esta entrada, tengo el placer de iniciar en civiNova – La ciudad de la cultura una nueva sección dedicada al cine. Su nombre, Territorios solitarios, ya avisa de que nos alejaremos de las carreteras transitadas y viajaremos por rutas extrañas y poco populares. Puede ser que hablemos de títulos conocidos pero los veremos desde una perspectiva insólita o inusual.

He estado dándole muchas vueltas sobre qué tema tratar en esta primera entrada y las noticias de los últimos días me han ayudado a elegirlo. Por un lado, el pasado 6 de mayo supimos que Francis Ford Coppola había recibido el Premio Princesa de Asturias de las Artes. Por otro, en este 2015 se celebran los 100 años del nacimiento de Orson Welles. Dentro de las diferencias que existen entre ambos cineastas, creo que ambos tienen rasgos comunes que pueden servir para explicar cuál va a ser el espíritu de este blog.